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Prix
Généralités sur l'art
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Tom Wesselmann (1931-2004) est considéré comme l'un des plus importants artistes Pop de sa génération, avec une production qui s'étend sur presque cinq décennies, des années 1950 aux années 2000. Né à Cincinnati, l'artiste fera de New York son lieu de vie et de création, et il y restera jusqu'à son décès, le 17 décembre 2004. Catalogue de l'exposition présentées à la Fondation Louis Vuitton, l'ouvrage explore toutes les périodes créatives de l'artiste et retrace les grandes lignes du mouvement Pop Art. Les oeuvres de Wesselmann seront entourées des plus grands noms du Pop Art et de ses héritiers, révélant alors les influences passées, ainsi que l'impact de l'artiste sur les futures générations. De Marcel Duchamp, à Ai Weiwei, en passant par Kurt Schwitters, Hannah Hoch, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Kaws, Jeff Koons, ou encore Martial Raysse, Meret Oppenheim, Tomokazu Matsuyama, Derrick Adams, Mickalene Thomas, c'est tout un pan de l'histoire de l'art contemporain qui prend forme dans un ouvrage sans précédent. Catalogue de l'exposition événement «Pop Forever. Tom Wesselmann» présentée à la Fondation Louis Vuitton du 16 octobre 2024 au 3 mars 2025.
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Chefs-d'oeuvre disparus : Ces trésors que vous ne verrez jamais plus
Sophie Pujas
- Hoëbeke
- Albums Beaux Livres
- 31 Octobre 2024
- 9782073075727
Saviez-vous qu'un Van Eyck fit l'objet d'une demande de rançon ? Qu'un Caravage volé par la mafia est toujours porté disparu ? Qu'une toile admirée sombra avec le Titanic ? Que Monet représenta le pire des dangers pour ses propres oeuvres ? Que le gouvernement de Vichy détruisît un ballon qui décorait Paris ? Qu'un Picasso explosa dans un crash aérien ? Que certaines oeuvres se sont inexplicablement évanouies des réserves des musées qui devaient les conserver ? La vie des chefs-d'oeuvre n'est pas de tout repos, et souvent digne d'un roman. À travers le destin rocambolesque de plus d'une centaine d'oeuvres, ce livre explore la façon dont l'art peut disparaître. Cambriolages, pillages, erreurs humaines, incendies ; les dangers sont innombrables... mais l'espoir parfois permis ! Visite guidée parmi ces chefs-d'oeuvre que vous ne verrez (peut-être) jamais plus.
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Regards : Un siècle de photographie, de Brassaï à Martin Parr
Quentin Bajac
- Gallimard
- Livres D'Art
- 3 Octobre 2024
- 9782073082541
La photographie a, dès ses débuts, donné naissance à des images qui marquent encore aujourd'hui notre imaginaire collectif. Au-delà d'un art, la photo est un outil d'information, une arme de révolte, une manière de documenter son temps. Grâce à l'exceptionnelle collection constituée par la Fnac depuis 1978, aujourd'hui conservée au musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône, Quentin Bajac a pu réunir dans ce beau livre certains des plus grands représentants de tous les genres photographiques et dessiner une histoire de la photographie au XX? siècle ainsi que le portrait d'une époque.
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Figures du fou : Du Moyen Âge aux romantiques
Collectif
- Gallimard
- Livres D'art
- 17 Octobre 2024
- 9782073073037
«Infini est le nombre des fous» Ecclésiaste, chapitre I, 15 Au commencement était «l'insensé», pauvre fou dépourvu de sagesse qui se détourne de Dieu. Relégué dans les marges, il sort de la sphère religieuse au cours du Moyen Âge pour s'épanouir dans le monde profane et devenir tour à tour celui qui divertit, met en garde, dénonce, inverse les valeurs, voire renverse l'ordre établi. Reconnaissable à ses attributs emblématiques - capuchon à oreilles d'âne ou à crête de coq, grelots, clochettes, marotte, costume bariolé -, cette figure évolue au fil des siècles et s'incarne en de multiples avatars : fous de cour, fous d'amour ou bouffons envahissent alors tout l'espace artistique occidental. Du Moyen Âge à la Renaissance et jusqu'à l'époque moderne, un parcours exceptionnel dans l'art de l'Europe du Nord réunit ici près de 350 oeuvres aussi diverses que les personnages qu'elles mettent en scène : manuscrits enluminés, livres imprimés, gravures, tapisseries, sculptures, objets précieux ou du quotidien et peintures d'illustres artistes, tels que Bosch, Bruegel, Géricault, Courbet... Sous le regard expert des plus grands spécialistes, cet ouvrage nous invite à réfléchir à ce que la norme conserve comme à ce qu'elle rejette. Il propose de reconsidérer quelques articulations majeures de l'histoire et de l'histoire de l'art, à l'aune de cette figure qui cristallise les inquiétudes et les passions. Une plongée dans un monde de folie qui nous renvoie à nous-mêmes et à notre rapport à l'Autre.
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Nicolas de Staël : La peinture comme un feu
Stéphane Lambert
- Gallimard
- Livres D'art
- 14 Septembre 2023
- 9782073024688
«On fonctionne comme on peut. Et moi j'ai besoin pour me renouveler, pour me développer, de fonctionner toujours différemment d'une chose à l'autre, sans esthétique a priori... Ce qui importe c'est que ce soit juste.» Cette formule que Nicolas de Staël couche sur le papier dans une lettre de janvier 1955, deux mois avant de se donner la mort à Antibes, synthétise le principe qui a gouverné sa trajectoire. Guidé par un puissant instinct et une vive aspiration spirituelle, il a su transformer les coups de l'adversité en ressort de créativité. Des ciels gris-bleu de Saint-Pétersbourg à la perspective azur de la Méditerranée, Staël a cheminé en solitaire, à la fois ombrageux et solaire, entouré et seul, orgueilleux et compassionnel, avant de s'éteindre comme une comète folle au terme d'un parcours aussi lumineux que tragique.
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Niki de Saint Phalle ; la révolte à l'oeuvre
Catherine Francblin
- Éditions Hazan
- 16 Octobre 2013
- 9782754104975
- Initiatrice des tableaux tirs à la carabine, auteur des sculptures monumentales des Nanas et du jardin des tarots, Niki de Saint-Phalle (1930-2002) traverse les avant gardes de la fin du XXème siècle sans s'inféoder à d'autre mot d'ordre que celui d'exprimer généreusement sa vie et son temps dans un féminisme enjoué.
Cette biographie éclaire le dialogue que la femme et la créatrice entretiennent, contribuant ainsi à rétablir l'artiste à sa juste place - l'une des premières - au sein de l'histoire de l'art de la seconde partie du XXème siècle. Première biographie documentée de l'artiste fondée sur les archives familiales.
Entrée sur la scène de l'art armée d'un fusil destiné à « faire saigner la peinture », Niki de Saint Phalle (1930-2002) a créé une oeuvre protéiforme traversée de façon continue par ce qu'elle a vu et vécu. Cette biographie de référence - la première en langue française qui lui est consacrée - éclaire le dialogue que la femme et la créatrice ont constamment entretenu. Elle révèle le parcours hors du commun de cette artiste autodidacte, élevée en Amérique dans une famille de la vieille aristocratie française, et met en évidence la cohérence de son engagement artistique, depuis ses débuts peu connus de peintre, jusqu'aux animaux de l'Arche de Noé, en passant par les Tableaux-tirs, les Autels, les Mariées, les Nanas, les diverses sculptures monumentales, créées ou non avec son compagnon Jean Tinguely, sans oublier les films et les innombrables dessins, pétris de poésie et d'humour, qu'elle a réalisés. Croisant, pour la première fois et de manière systématique, quantités de sources (témoignages, correspondance, journaux, travaux préparatoires, archives sonores et audiovisuelles, notes, manuscrits) recueillies dans plusieurs pays (Amérique, France, Allemagne, Suisse, Belgique, Italie), cet ouvrage a bénéficié de la confiance de la Fondation Niki de Saint Phalle installée en Californie. Il campe une personnalité exceptionnelle par la forme remarquablement joueuse qu'elle a donnée à son féminisme, par l'énergie qu'elle a déployée, notamment pour construire son Jardin des tarots en Toscane, et l'opulence de son oeuvre, conçue en menant vies privée et professionnelle de concert. A travers le portrait de celle qui fut la seule femme du groupe des Nouveaux réalistes (Klein, César, Arman, Villeglé, etc.), cette biographie dessine celui d'une époque dont les révoltes et les audaces fascinent toujours la jeune génération. -
Cinq siècles de créativité féminine révélés par plus de 400 oeuvres d'arts fascinantes réunies dans un ouvrage de référence.
Cet ouvrage est le plus complet et le plus illustré jamais publié sur les femmes artistes. 400 Femmes artistes reflète une époque où l'art réalisé par les femmes occupe une place plus importante que jamais. Dans les musées, les galeries et sur le marché de l'art, les artistes d'hier et d'aujourd'hui, jusque-là négligées, sont enfin reconnues et appréciées à leur juste valeur. Présentant plus de 400 artistes, chacune à travers une de ses oeuvres clé et un court texte, ce volume essentiel dévoile une histoire parallèle, mais tout aussi fascinante de l'art sur une période caractérisée par une immense diversité d'expressions.
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Gallimard/Fondation Louis Vuitton
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Vertige du surréalisme : Art et littérature, la rencontre ininterrompue
Yves Peyré
- Gallimard
- Livres D'art
- 31 Octobre 2024
- 9782073082558
À l'occasion des 100 ans de la publication du Manifeste du surréalisme, cet ouvrage donne à voir à travers des dialogues entre art et littérature, l'intense créativité collective qui a animé le mouvement jusqu'à sa disparition officielle en 1969. Le surréalisme a embrassé toutes les formes d'expression : la littérature et singulièrement la poésie, la peinture et la sculpture mais aussi la photographie qui y atteint ses lettres de noblesse. La finalité de ce livre est de restituer largement le mouvement, de ses antécédences à ses retombées avec, en son coeur, le surréalisme lui-même. En mettant en regard les oeuvres de plus de 100 écrivains et artistes, il donne à voir l'intense créativité collective qui a animé le surréalisme en France mais également en Belgique, en Tchécoslovaquie, et jusqu'au Japon. Ce livre est un voyage en toute liberté dans les rebonds d'une création qui, dans l'action, ne cessait de se repenser, un mouvement que l'on croit connaître mais qui surprend toujours. Avec des textes et des oeuvres d'art des figures majeures du surréalisme - de ses antécédences à ses retombées -, parmi lesquelles Louis Aragon, Antonin Artaud, André Breton, Claude Cahun, René Char, Salvador Dali, Giorgio De Chirico, Robert Desnos, Marcel Duchamp, Paul Éluard, Max Ernst, Alberto Giacometti, Vassily Kandinsky, Wifredo Lam, Michel Leiris, Dora Maar, René Magritte, Man Ray, André Masson, Henri Michaux, Lee Miller, Joan Miró, Meret Oppenheim, Francis Picabia, Toyen, Tristan Tzara...
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Savoir & faire : le verre
Hugues Jacquet, Collectif
- Actes Sud
- Savoir & Faire
- 14 Septembre 2022
- 9782330167523
Cinquième volume de la collection «Savoir & faire», cette encyclopédie est consacrée à une matière à la fois forte et fragile, le verre. Elle explore les arts du verre, son usage en architecture, ainsi que les possibles voies d'innovation.
Une somme encyclopédique qui explore le verre dans toutes ses dimensions : artistiques (vitrail, cristal, dans l'architecture, ...), historiques, techniques, philosophiques, scientifiques, économiques, environnementales, et embrasse la diversité des usages de ce matériau pour donner à comprendre sa beauté et sa richesse. Ce livre s'adresse à l'amateur, qui aime et souhaite découvrir plus avant le verre, autant qu'au spécialiste qui viendra compléter son domaine d'expertise par d'autres regards, points de vue et connaissances. -
Marc Chagall (1887-1985), au fil d'une vie traversée par deux guerres et un exil, est à l'origine d'une oeuvre puissamment ancrée dans l'histoire du XX? siècle. Figure emblématique du déplacement et de la migration, l'artiste sillonne le monde au gré des tourments du siècle, de l'Empire russe à la France, de l'Allemagne à la Palestine, des États-Unis au Mexique et, enfin, en Méditerranée. Son art, empreint d'un profond humanisme et d'une forte conscience politique nourris par ses racines juives et par la pluralité des cultures découvertes, se fait le messager d'un engagement sans faille pour l'homme et ses droits, pour l'égalité et la tolérance entre les êtres. Porté par un grand cri de liberté, il confronte l'oeil aux guerres et aux combats artistiques, transcendés par la force poétique et l'imaginaire, le pouvoir de la dérision et de l'humour. Crayon et pinceau deviennent ainsi des armes de paix, révélant l'idéalisme sans condition du «peintre témoin de son temps», sa foi inébranlable en l'harmonie et la paix universelle entre les hommes.
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Celebrating the awe and wonder of the Arctic Circle region through visual art from the 19th and 20th centuries.
Vast, impenetrable coniferous forests, "white" summer nights, the perpetual darkness of snowy winters and the famous aurora borealis-the Arctic Circle is a fascinating, if unforgiving, region. The Fondation Beyeler and the Buffalo AKG Art Museum present an exhibition dedicated to this phenomenon with a stunning selection of 19th- and 20th-century paintings by artists from Scandinavia, Finland -
Conversations avec David Hockney
Martin Gayford, David Hockney
- Le Seuil
- Beaux Livres
- 28 Octobre 2021
- 9782021491456
Dans cet ouvrage remarquable, les idées, les anecdotes, les passions et l'humour de Hockney élaborent son point de vue sur les problématiques et les paradoxes de la représentation d'un monde en trois dimensions sur une surface plane.
Hockney suggère que « dessiner apprend à regarder [et que] plus on dessine, mieux on y voit. » Quels sont les liens qui unissent les images que nous fabriquons à la réalité qui nous entoure ? Comment l'évolution des technologies a-t-elle affecté la manière dont les artistes représentent le monde ? Et comment apprécier à sa juste valeur le plaisir simple de contempler des arbres, des visages ou des couchers de soleil ?
Nos deux interlocuteurs ponctuent leur conversation d'observations éclairantes sur nombre d'autres artistes comme Van Gogh ou Vermeer, le Caravage, Monet ou Picasso, et formulent des remarques lumineuses sur le contraste frappant entre les paysages de la Californie, où Hockney a passé tant d'années, et du Yorkshire, la région de son enfance où il vit à nouveau aujourd'hui. Quelques-uns des artistes qu'il a rencontrés en chemin - notamment Henri Cartier-Bresson et Billy Wilder - font des apparitions intéressantes au détour du dialogue.
Autoportrait unique et fascinant de l'un des artistes britanniques les plus célèbres et les plus influents de son temps, Conversations avec David Hockney est devenu un ouvrage de référence sur la nature de la création.
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Le Musée de l'art a initié à l'art des millions de personnes dans le monde.
Présenté dans une nouvelle édition en petit format.
Un guide de A à Z sur 600 artistes du Moyen-Âge à nos jours, accessible, ludique et éducatif.
Des oeuvres allant de la peinture à la performance en passant par la photographie, la sculpture, la vidéo et l'installation.
Chaque artiste est présenté en pleine page avec une oeuvre significative ; un texte décrit chaque image et son créateur. Loin des classifications traditionnelles de l'histoire de l'art, ce guide rassemble de brillants exemples de toutes les époques, écoles et techniques.
Un précieux outil de référence, grâce à un glossaire des mouvements artistiques et des termes techniques.
Un ouvrage traduit dans plus de vingt langues qui s'est imposé dans le monde du livre d'art.
Le livre d'initiation idéal et indispensable pour les familles, les curieux et les.
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Rayons de lumière.
Man Ray, le maître polyvalent de l'imagerie moderniste.
Man Ray (1890-1976) était un moderniste aux intérêts multiples, qui appliqua son talent à la peinture, à la sculpture, au cinéma, à l'estampe et à la poésie. C'est cependant son oeuvre photographique, notamment ses études de nus, ses photos de mode et ses portraits, qui ont inscrit son nom parmi les pionniers, auteurs d'un nouveau chapitre de l'histoire de l'art et de la technique photographique.
À travers une large sélection de ses oeuvres connues ou plus discrètes, cette monographie compose une vue d'ensemble vivante du travail protéiforme de Man Ray et de son legs photographique. Elle retrace sa vie depuis ses débuts d'artiste à New York jusqu'au rôle central qu'il joua dans l'avant-garde parisienne, qui le vit figurer dans la première exposition surréaliste avec Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró et Pablo Picasso, et au sein de laquelle il produisit des oeuvres aussi illustres que Noire et blanche et Le Violon d'Ingres. Au fil de très nombreux exemples de natures mortes et de portraits, notamment, on découvre comment Man Ray a constamment expérimenté de nouvelles techniques et poussé la photographie hors du domaine documentaire pour la transporter vers des expressions poétiques éthérées en jouant avec l'exposition multiple, la solarisation et sa version personnelle du photogramme qu'il s'amusait à baptiser «rayographie». -
Chromaphilia : l'histoire de la couleur dans l'art
Paul Stella
- Phaidon France
- 8 Novembre 2018
- 9780714874654
À travers l'étude de 240 oeuvres, Chromaphilia raconte l'histoire de dix couleurs et explore leur signifi cation dans l'art au fi l des siècles.
Richement illustré, cet ouvrage met en avant les grands récits des découvertes chromatiques qui ont marqué l'histoire de l'art et explique de manière simple et détaillée la science derrière chacune d'entre elles. Du Traité d'optique d'Isaac Newton aux préceptes impressionnistes, de la dynamique des couleurs de Josef Albers à la métaphysique contemporaine d'Olafur Eliasson, ce livre lève le voile sur la manière dont les couleurs dépeignent le monde.
La couleur nous fascine tout au long de notre vie, elle est un langage à part entière. Cette étude explore son usage et sa signifi cation dans l'art.
- Un livre qui révèle l'histoire étonnante des pigments et le rôle qu'ils jouent dans la démarche artistique.
- Un ouvrage qui peut se lire du début à la fi n, ou séparément, par couleur. L'agencement des oeuvres permet au lecteur de découvrir l'histoire d'une couleur replacée dans le contexte de l'histoire de l'art.
- Inclut un glossaire exhaustif des termes relatifs aux couleurs, un index des thèmes et une sélection de lectures complémentaires.
- Un cadeau au prix raisonnable qui séduira tous les amateurs d'art.
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A celebration of the rich 20th- and 21st-century tradition of screenprinting as a means of artistic expression, from its commercial origins in 1920s America to the limited-edition screenprints of the post-war period and today, by artists such as Andy Warhol, Bridget Riley and Damien Hirst.
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Le tapis européen des années vingt à nos jours
Françoise Siriex
- Monelle Hayot
- 23 Avril 2013
- 9782903824839
Cet ouvrage développera globalement le tapis européen en y intégrant la majeure partie des artistes classiques et contemporains.
Ce livre décrira chronologiquement les principales tendances du XXe siècle :
La période Art Déco de 1920 à 1930 Ivan Da Silva Bruhns, Edouard Benedictus, Emile Gaudissart, Maurice Dufrêne Le style néo-classique de 1930 à 1945 Eugène Printz, André Arbus, Jean Rothschild, Jean Pascaud, Jacques Adnet, Jacques-Emile Ruhlmann, Paule Leleu L'après-guerre : le Renouveau Sonia Delaunay, Eileen Gray, Hans Arp, Fernand Léger Les tapis d'artistes de 1960 à 1990 Aki Kuroda, Alicia Penalba, Guy de Rougemont, François-Xavier Lalanne, Pierre Paulin, Pascal Mourgue La nouvelle génération après les années 1990 Sylvain Dubuisson, Camille Henrot, Patrice Hybert, Memphis, François Morellet, Matali Crasset
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Harmony and Dissonance : Orphism in Paris, 1910 1930
Collectif
- Guggenheim
- 3 Décembre 2024
- 9780892075645
The first publication of its kind, connecting a constellation of artists working at the forefront of abstraction in the early 20th century.
Orphism emerged among a cosmopolitan group of artists active in Paris in the early 1910s, as the innovations of modern life radically altered conceptions of time and space. Engaged with ideas of simultaneity in kaleidoscopic compositions, these artists investigated the transformative possibilities of color, form and motion. Often featuring disks of brilliant color, their work evoked multisensory experiences. When pushed to its limits, Orphism signaled total abstraction. The poet Guillaume Apollinaire, a contemporary, coined the term "Orphism" to describe this move away from Cubism, toward a physically and spiritually transcendent art. His concept referred back to the Greek mythological poet and lyre player Orpheus, whose music thwarted death.
The first in-depth examination of the Orphist avant-garde, this revelatory exhibition catalog contextualizes Orphism, tracing its roots, exploring its cross-disciplinary reach and considering its transnational reverberations across 16 illustrated texts by a multigenerational group of authors from different fields. Incisive essays offer new perspectives, delineating Orphism's connection to music, dance and poetry, and investigating the historical and cultural circumstances that shaped its ethos. More than 90 artworks in multiple mediums are punctuated by micro-narratives that view select artists through the Orphist lens, presenting original scholarship on well-known figures such as Robert Delaunay, Sonia Delaunay, František Kupka and Francis Picabia while also illuminating lesser-known ones such as Mainie Jellett, Morgan Russell and Amadeo de Souza-Cardoso. -
Wassily Kandinsky ; la grande aventure de l'art abstrait
Philippe Sers
- Éditions Hazan
- Monographies
- 28 Octobre 2015
- 9782754108508
Peintre et théoricien, né à Moscou, Wassily Kandinsky (1866-1944) est un des tout premiers acteurs de la modernité artistique. Le fondateur du Blaue Reiter (1911) à Munich, apôtre de la couleur et de la résonance intérieure, a influencé par ses écrits et ses recherches en peinture nombre de mouvements ou d'écoles artistiques, de Dada au Bauhaus - où il enseigne de 1921 à 1933 -, en passant par De Stijl et le constructivisme russe.
Admiré par André Breton, ami de Marcel Duchamp, proche de Paul Klee et de Hugo Ball, il entretint aussi des échanges nourris avec les musiciens de son temps comme Arnold Schonberg ou Thomas von Hartmann. L'auteur de Du spirituel dans l'art (1911) a laissé un ensemble considérable de peintures, mais aussi des gravures, des poésies et des compositions scéniques, qui se répartissent entre impressions (impressions du monde extérieur), improvisations (impressions du monde intérieur) et compositions (mise en tension des deux précédentes). Traversé par deux dynamiques actives, l'une allant du figuratif à l'abstrait, l'autre du profane au sacré, l'oeuvre de Kandinsky recèle un ensemble d'images voilées, porteuses du message de l'abstraction et de son inventeur, qui ont transformé notre rapport à la représentation. Spécialiste internationalement reconnu de l'oeuvre et de la pensée de Kandinsky, Philippe Sers présente le cheminement de l'artiste dans sa cohérence et dans son évolution interne. Son analyse s'appuie sur la documentation exceptionnelle à laquelle il a eu accès depuis le début de ses travaux, dans l'atelier même de l'artiste : les écrits autobiographiques, les textes théoriques et la correspondance du peintre apportent un éclairage radicalement nouveau sur un parcours créatif d'une exceptionnelle fécondité. -
Objet de luxe proche de l'édition bibliophilique de 1913, le fac-similé de Klänge rend toute sa saveur à l'invention poétique de Kandinsky et au jeu qu'il impose entre texte et image. Oeuvre charnière de Kandinsky, Klänge opère la transition entre figuration et abstraction, autour des thèmes qui traversent son travail.
L'étude critique de Philippe Sers éclaire les poèmes autant que la recherche picturale de Kandinsky. Le texte original est accompagné de la traduction inédite en français de Philippe Soupault.
Klänge (Résonances) est le titre de l'album que Kandinsky publia en 1913 à Munich, dans une édition de bibliophilie tirée à 300 exemplaires. Significatif de l'oeuvre de Kandinsky, l'ouvrage comporte trente-huit poèmes auxquels répondent cinquante-six bois gravés, dont douze en couleurs, d'une rare beauté. Cet ensemble de gravures sur bois, point d'aboutissement de ses théories artistiques, donne du propre aveu de Kandinsky la clef du passage de la figuration à l'abstraction autour des principaux thèmes qui habitent sa peinture. Publié pour la première fois depuis sa parution sous sa forme originale, Klänge est accompagné d'un second volume de présentation rédigé par Philippe Sers. Les deux tomes sont rassemblés sous un coffret renouant avec les exigences de la bibliophilie. Au fac-similé de l'édition originale est jointe la traduction inédite en français de Philippe Soupault, poète surréaliste et grand admirateur de Kandinsky. Dans le second volume, Philippe Sers propose des clés d'interprétation de Klänge. Les thèmes abordés par Kandinsky correspondent aux expériences fondatrices dont l'artiste veut rendre compte et qu'il s'attache à rendre perceptibles par la représentation graphique et l'évocation poétique. Le lecteur est introduit au coeur de l'aventure créatrice de Kandinsky. Il se révèle ici le grand inspirateur de Dada et de la poésie zaoum, mais aussi de la pensée russe de son époque dont il annonce les principaux thèmes. On en retrouve l'écho chez Vladimir Soloviev, Pavel Florensky ou Serge Boulgakov (le cousin de l'artiste) - ou encore chez Fiodor Dostoïevski. En confrontant les gravures à différentes oeuvres de l'artiste, Philippe Sers envisage Klänge comme le prolongement des réflexions picturales et théoriques de Kandinsky, acteur majeur de la modernité artistique du premier XXe siècle. -
Sheila Hicks : a little bit of a lot of things
Sheila Hicks, Gianni Jetzer
- Hatje Cantz
- 12 Février 2025
- 9783775759786
Sheila Hicks has made wool, linen, and silk her central media, pushing the boundaries of traditional textile art. Her works combine color, form, and material in novel ways and explore architectural dimensions. As a pioneer of textile conceptual art, Hicks has developed a distinctive visual language over six decades, from finely woven miniatures to monumental installations that open up new perspectives on the possibilities of art. This book contains views of Sheila Hicks's exhibition a little bit of a lot of things at the Kunstmuseum St. Gallen as well as a conversation with the curator Rob Storr and an essay by Gianni Jetzer. It also documents a master class held by the artist in St. Gallen and contains previously unpublished images.
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Le monde des galeries : art contemporain, structure du marché et internationalisation
Alain Quemin
- CNRS
- 7 Octobre 2021
- 9782271132161
À l'heure de la mondialisation, marquée par l'essor des grandes foires internationales, quelles transformations ont affecté le marché de l'art contemporain et ses acteurs?? Conduisant de Paris à New York, en passant par Londres, Berlin, Los Angeles mais aussi Hong Kong, Venise et Bâle, la présente enquête dessine la nouvelle géographie des galeries et livre une ethnographie du travail quotidien des galeristes et de leurs collaborateurs.
Pénétrant les «?coulisses?» invisibles, elle dévoile le type de relations que les professionnels nouent avec les collectionneurs, le rôle de l'amitié - et du champagne - dans cette activité marchande qui court paradoxalement en permanence le risque d'être disqualifiée comme «?commerciale?». Elle met ainsi en lumière la place des galeries, à côté des maisons de vente, des institutions publiques et de la critique, dans la création de la «?valeur?» de l'art aujourd'hui et leur rôle toujours croissant dans la définition de l'art contemporain.
Cette recherche de grande ampleur n'hésite pas à affronter des questions sensibles?: est-il possible d'objectiver la «?qualité?» de galeries qui, pour les plus grandes d'entre elles, concurrencent désormais les musées?? Comment les hiérarchiser, établir un palmarès?? Et, dès lors, quelles sont à ce jour les «?meilleures?» galeries d'art contemporain, en France et dans le monde??
À toutes ces interrogations, et à bien d'autres encore, ce travail apporte des réponses inédites, en conjuguant aux différents outils de l'analyse sociologique une connaissance intime que seule rend possible la fréquentation au long cours, en insider, d'un monde méconnu.
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Quarante ans après Identité italienne, l'importante exposition organisée par Germano Celant au Centre Pompidou à Paris, Villa Arson se fait le théâtre temporaire de la scène artistique italienne la plus récente : de la génération ayant émergé dans les années 1990 à la génération actuelle. Le caractère commun aux vingt artistes (ou groupes artistiques) ne relève pas d'une appartenance culturelle, ni d'un effet de sédimentation d'un temps qui se serait développé dans la continuité : il relève plutôt d'une fracture temporelle, d'une rencontre manquée avec l'Histoire. Cette scène artistique se définit par le désarroi causé par le retrait officiel de la vague révolutionnaire et créative des années 1970 et par la nécessité de laisser émerger ce qui lui a été enlevé depuis les années 1980 par la réaction idéologique et néolibérale. Ainsi, le regard que ce catalogue met en scène est double et renversé. La fracture temporelle devient l'espace d'un rendez-vous et d'une rencontre avec le passé : un passé qu'aucun des artistes de l'exposition n'a vécu personnellement mais dont ils entendent être les témoins.