Cette monographie sur le sculpteur François Pompon est proposée pour le centenaire de son fameux Ours blanc. Inédite dans le paysage éditorial, elle retrace l'histoire et l'oeuvre de l'artiste. L'ouvrage comprend deux parties, agrémentées des livres de comptes de Pompon : une biographie illustrée bilingue, suivie du répertoire des oeuvres.
Résolument moderne, François Pompon a vivifié l'art animalier du début du XXe siècle, par sa conception originale de
la forme et l'émotion produite. Il consacra pourtant la plus grande partie de sa vie à exécuter des compositions pour d'autres sculpteurs, jusqu'au jour où il se mit à l'étude des animaux par choix et par goût. En s'inspirant des principes de l'Antiquité tout en remettant en question les conventions de la statuaire traditionnelle, il créa un style réaliste, suggestif
et simplifié. L'Ours blanc porta la carrière du sculpteur à son apogée et en est aujourd'hui, le symbole.
Pompon représente l'animal dans son quotidien, pour lui-même et sans mise en scène. Il trouve l'équilibre entre
réalisme, vérité et abstraction de détails inutiles. Les surfaces sont polies et rondes, conduisant à une beauté apaisante et compréhensible au premier regard. Résultat d'un long travail manuel et expérimental, cet élan créateur mène François Pompon vers de nouveaux chefs-d'oeuvre sublimant le monde animalier. Ours, sanglier,
Cet ouvrage retrace cinq siècles de sculpture à travers le travail de 300 artistes femmes venues de 64 pays. Les sculptrices rassemblées ici sont représentatives de multiples mouvements, genres et techniques, mais ont pour point commun leur imagination et leur créativité sans faille. Troisième volet d'une collection en réponse à l'essai fondateur de Linda Nochlin paru en 1971 « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? », le présent ouvrage célèbre la vie et l'oeuvre de celles qui ont mis la sculpture au centre de leur art. La sculpture défie toute catégorisation. Qu'elles soit temporaires ou permanentes, installées en intérieur ou à l'extérieur, de petite ou de grande dimension, qu'il s'agisse de sculptures ou de moulages, d'assemblages ou d'installations in situ, qu'elles soient faites de marbre, de bois, de textile ou de céramique, les oeuvres de cet ouvrage révèlent l'immense talent artistique des femmes qui ont adopté ce médium marqué par sa plasticité. Parmi les artistes présentées ici, certaines ont créé des oeuvres sculpturales alors même qu'on leur refusait de se former ou qu'elles n'avaient pas les moyens de rendre visible leur travail, d'autres ont été négligées par l'histoire, d'autres encore ont été reconnues de leur vivant. Ensemble, elles racontent une version plus diverse de l'histoire de la sculpture. Présentant les sculptrices par ordre alphabétique, Sculpture au féminin invite à établir entre les artistes et les oeuvres de nouveaux liens et des juxtapositions surprenantes qui dépassent les classifications chronologiques ou géographiques. Chaque artiste est présentée par un texte explicatif illustré d'une oeuvre clé. Cet ouvrage met à l'honneur de grandes figures de la sculpture, historiques et contemporaines, ainsi que des étoiles montantes, afin de témoigner de la créativité des femmes artistes du passé tout en proposant des perspectives aux générations futures.
Née en 1972 à Osaka et vivant en Allemagne depuis 1997,
l'artiste plasticienne Chiharu Shiota commence par étudier
la peinture au Japon. Sa première installation « Becoming
Painting », qu'elle réalise en Australie. Elle marque le début
d'une oeuvre protéiforme qui combine performance, body
art et installations pour questionner, à partir d'une émotion
individuelle forte, des notions universelles telles que le
temps, le rêve, la mort et les relations humaines.
Ses installations à travers le monde sont presque
toujours temporaires, destinées à être expérimentées
puis remémorées : l'émotion du spectateur constitue une
partie intrinsèque de son travail. La présence du corps,
prépondérante dans ses premières performances, est
peu à peu remplacée par des objets qui sont comme
l'extension, annonçant ce qui constitue le thème central
de toutes les oeuvres de Chiharu Shiota : l'existence dans
l'absence, la trace qui provoque la mémoire. Ainsi, ses
toiles immenses, noires, blanches ou rouge sang, révèlent
les connexions invisibles entre les individus, qu'elles soient
nouées, emmêlées, coupées, attachées ou étirées.
Ce livre constitue non seulement une rétrospective
des installations de Chiharu Shiota, mais il se propose
également d'interroger son identité personnelle pour
comprendre sa trajectoire artistique. Cela est d'autant plus
primordial que Chiharu Shiota s'inspire de ses propres
émotions et d'événements marquants de sa vie pour
penser ses oeuvres. La perspective biographique de cet
ensemble de « milestones » permet donc d'appréhender
et de comprendre bien plus profondément la démarche
créatrice de l'artiste.
« Toutes mes sculptures, même les plus imaginées, partent toujours de quelque chose de vrai, d'une vérité organique.
L'imagination a besoin de départ. On peut ainsi déboucher de plain-pied dans la poésie. J'invente plus facilement en regardant la nature, sa présence me rend indépendante. » Germaine Richier, née le 16 septembre 1902 à Grans (Bouches-du-Rhône), et morte le 31 juillet 1959 à Montpellier (Hérault), est une sculptrice française.
L'oeuvre de Germaine Richier est représenté dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
- Antibes, musée Picasso.
- Montpellier, musée Fabre.
- Paris, musée national d'Art moderne, Centre Pompidou.
« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures, la couleur fait partie de la sculpture. » Lettre d'Alberto Giacometti à Pierre Matisse (15 octobre 1950)
Le désir, ou le besoin, d'associer la peinture à la sculpture apparaît de manière récurrente chez Alberto Giacometti et sous différentes formes au cours de sa carrière. Très tôt, il utilise son pinceau pour « animer » certaines de ses sculptures, il peint les traits du visage, les cheveux, accentue les formes du corps, rehausse les volumes. Ses outils et ses gestes de peintre sont appliqués à la sculpture, et vice-versa. Très peu connues du public, ces sculptures peintes de Giacometti font pour la première fois l'objet d'une étude dévoilant cette part secrète et émouvante de la production de l'artiste.
Arman 1975-2005, dirigé par Chiara Spangaro et réalisé par le Studio Celant en collaboration avec les Arman Archives à New York, présente le travail de recherche et la production artistique des trente dernières années de la vie d'Arman.
L'ouvrage, qui suit et complète la monographie Arman 1954-1974 dirigée par Germano Celant (2020), retrace le parcours professionnel et l'oeuvre de l'artiste franco-américain au fil d'une narration inédite qui analyse l'évolution de sa pratique et le renouvellement tenace des séries qu'il conçoit, comme New Accumulations, Shooting Colors, Dirty Painting, Atlantis, Accumulations de collections, Emersions et Sandwich Combos, pour n'en citer que quelques-unes.
Après une introduction de la directrice de l'ouvrage, le lecteur découvrira les contributions inédites de Cécile Debray, de Rosemary O'Neill et de Jérôme Sans qui viennent approfondir, à travers un regard critique contemporain, certains aspects particuliers du travail d'Arman tels que ses actions, son approche globale, son expansion monumentale ou encore l'influence de l'artiste sur les générations qui lui succèdent. La monographie s'enrichit d'une chronologie illustrée, consacrée à la vie professionnelle et personnelle d'Arman, qui met en lumière les événements créatifs, les expositions et les oeuvres qui ont marqué les trente dernières années de son cheminement dans l'art, ainsi que leur destin critique, en les replaçant dans leur contexte historique et artistique. Les annexes scientifiques complètent le volume.
Louise Bourgeois est par excellence la femme-couteau, la femme sculpteur, celle qui découpe, tranche, cisaille, mais aussi celle qui incarne l'ambivalence féminin-masculin : la protection et la menace, la fragilité et la force, la tendresse et la violence.Née en 1911 à Paris, et ayant vécu à New York de 1938 jusqu'à sa mort en 2010, elle est devenue, après une reconnaissance tardive, l'une des artistes les plus emblématiques du XXe siècle. Son oeuvre polymorphe, composée de peintures, gravures, dessins,sculptures, installations, est profondément autobiographique et échappe à toute classification esthétique. En réactivant les souvenirs et les traumatismes de son enfance, Louise Bourgeois donne forme et corps à ses émotions, créant une oeuvre organique, sensuelle et érotique, dont le thème essentiel est la femme-maison. «La sculpture est le corps et mon corps est une sculpture.»Cette biographie ne retrace pas seulement le parcours d'une grande artiste, sa formation, ses influences ; c'est aussi le récit d'une vie de femme exceptionnelle, ayant connu les deux guerres, l'exil, épouse d'un célèbre historien de l'art, et mère de trois enfants. Elle s'appuie sur les archives personnelles inédites de l'artiste, ses journaux intimes, sa correspondance, ses écrits psychanalytiques, ainsi que sur ses interviews et des entretiens avec ses proches.
Marcel Duchamp est né à Blainville-Crevon le 28 juillet 1887, et mort à Neuilly-sur-Seine le 2 octobre 1968.
« Je crois que l'art est la seule forme d'activité par laquelle l'homme en tant que tel se manifeste comme véritable in- dividu. Par elle seule il peut dépasser le stade animal parce que l'art est un débouché sur des régions où ne dominent ni le temps ni l'espace. »
À l'époque gréco-romaine, les animaux avaient été déjà l'objet de nombreux traités, fictions, dicours. Et bien que nourrie par cette longue tradition, l'époque médiévale a su instaurer un nouveau rapport avec le monde des animaux, en concevant une création littéraire qui lui est propre: le bestiaire. Autrement dit encore, un recueil ou se trouvent décrites, étudiées les natures ou les propriétés des animaux, que celles-ci soient réelles ou relevant de légendes et de croyances. À parti de l'étude de ces natures ou propriétés, la plupart de ces bestiaires sont l'occasion de tirer des enseignements moraux ou religieux, dans des vues d'édification. Toutefois, parmi cette large production, un bestiaire occupe une place tout à fait à part, celui de Richard de Fournival. En effet, de ces natures ou propriétés, sont obtenus cette fois des enseignements concernant l'amour: comment obtenir, conquérir et conserver l'amour, comment déchiffrer les signes de l'amour, comment éviter les pièges...Un bestiaire, en somme, qui devient l'occasion, par le texte et l'image, de reprendre les topiques de la tradition courtoise et de montrer combien chaque animal est exemplaire des relations amoureuses et des désillusions et des délectations auxquelles elles peuvent conduire.
« Rien ne pousse à l'ombre des grands arbres ! » C'est ainsi que Constantin Brancusi (1876-1957), venu des Roumanie parfaire sa formation de sculpteur auprès du célèbre Rodin, se détache du maître pour tracer sa voie. Après des siècles de sculpture basée sur le modelage, il initie une petite révolution : pour lui, rien ne vaut la taille directe ! Il se confronte aux matériaux - le bois, la pierre, le marbre - dont il extrait des formes épurées, mais jamais abstraites. Il travaille bien souvent en série, déclinant un même sujet jusqu'à trouver la forme idéale. Son atelier lui-même est un véritable chef-d'oeuvre, aujourd'hui reconstitué au Centre Pompidou, où ses oeuvres dialoguent entre elles. Découvrez avec Brancusi comment la sculpture est définitivement entrée dans l'art moderne...
Niki de Saint Phalle loved pseudo-orders, which she used to arbitrarily assemble terms and pictograms on a sheet of paper. Under the heading "I Love," for example, the sign of a snake could be found next to the emblem for justice, an orange spot for the corresponding color next to two stars as a symbol for astrology.
Niki de Saint Phalle A-Z takes the same liberty and puts the many facets of Niki de Saint Phalle's work into the order of the alphabet. This logical order is deceptive, though. From A as in AIDS to Z as in Zurich Angel, from B as in Bride to V as in Vanitas, a mosaic of concepts emerges that filters out the various levels of meaning in her manifold oeuvre and playfully engages them in mutual commentary.
Nous entraînant dans sa quête de « l'essence des choses », Brancusi nous propose de franchir toutes sortes de frontières, géographiques, historiques ou formelles. De sa Roumanie natale à Paris, à travers l'Europe, ainsi qu'aux États-Unis, en Inde et en Egypte, il effectue un parcours qui le mène à une sculpture originale, dépouillée de toute influence. Ce livre très documenté nous donne accès à une création exceptionnelle, désormais dans la mémoire collective et qui, au début du XXe siècle, a ouvert des voies vers la modernité.
Ce catalogue présente l'exposition estivale du musée Soulages à Rodez. Alexander Calder est l'un des maîtres incontestés de la sculpture mondiale du XXe siècle. Ses oeuvres, des plus petites aux plus grandes dimensions, allient la légèreté, l'aérien, et le métal que l'on assemble. Dans un monde délicat fait d'instabilité entre ciel et terre, Calder trouve un précieux équilibre des formes tout en exaltant le mouvement. Créateur des célèbres sculptures en mouvement, notamment Stabiles et Mobiles, il est l'inventif «fil-de-feriste» qui réalisa à partir des années 1920, modestement, des figurines de cirque, des animaux, des personnages, des visages, pour inscrire ensuite, naturellement, au fil des ans, sa sculpture dans un art cinétique, mouvement par lui-même.
Découvrez l'artiste Oskar Schlemmer à travers cet ouvrage.
Oskar Schlemmer est l'une des figure les plus célèbres du Bauhaus, où il enseigna de 1920 à 1929.
Il fût d'abord chargé des ateliers de sculpture et de peinture murale, puis de l'atelier de théâtre en 1923.
Malgré une formation classique de peintre à Stuttgart chez Adolf Hoelzel, au côté de Meyer-Amden, Schlemmer a su élargir son champ de réflexion d'étude du corps humain et de ses rapports avec l'espace.
Il préconise la réduction du corps à des éléments simples : cercle, cylindre, sphère, cône, et à des lignes géométriques.
Ses oeuvres peintes ou sculptées témoignent de son désir d'allier l'immobilité de la rigueur géométrique et de la pureté des contours à la vivacité des formes et la mobilité de l'espace. Ses peintures se caractérisent à la fois par le futurisme et le caractérisme ainsi que le surréalisme.
Languages : Fr. En.
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Oskar Schlemmer is one of the most famous figures of the Bauhaus, where he taught from 1920 to 1929.
He was first in charge of the sculpture and mural painting workshops, then of the theater workshop in 1923.
Despite a classical training as a painter in Stuttgart with Adolf Hoelzel, alongside Meyer-Amden, Schlemmer was able to broaden his field of reflection to the study of the human body and its relationship with space.
He advocated the reduction of the body to simple elements: circle, cylinder, sphere, cone, and geometric lines.
His painted or sculpted works testify to his desire to combine the immobility of geometric rigor and the purity of contours with the vivacity of forms and the mobility of space. His paintings are characterized by both futurism and characterism as well as surrealism.
Monographie présentant l'oeuvre de ce sculpteur suisse du XXe siècle, dont l'intensité trouve son origine dans sa vie tourmentée par l'histoire, en particulier par la Seconde Guerre mondiale. Il concentre son champ d'investigations sur la figure humaine, principalement féminine, qu'il décline en têtes, bustes, figures debout, assises ou allongées, souvent de grand format.
Antoine Bourdelle, né à Montauban, le 30 octobre 1861, et mort au Vésinet, le 1 er octobre 1929, est un sculpteur français. Il mène une activité d'enseignement dans l'atelier qu'il dirige à l'Académie de la Grande Chaumière, où il a notamment, parmi ses élèves, Germaine Richier, Alberto Giacometti et la sculptrice roumaine Margaret Cossaceanu.
L'oeuvre de Antoine Bourdelle est représenté dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
- Albi, musée Toulouse-Lautrec.
- Égreville, Jardin-Musée de l'ancienne propriété de la fille d'Antoine Bourdelle, Rhodia Dufet-Bourdelle.
- Montauban, musée Ingres.
- Paris, musée Bourdelle.
- Paris, musée d'Orsay.
- Paris, Le théâtre des Champs-Elysées.
- Paris, place de l'Alma.
- Verrières-le-Buisson, Fondation Coubertin.
Cet ouvrage en français rassemble les écrits du célèbre graveur et sculpteur basque espagnol Eduardo Chillida. Tout au long de sa carrière, celui-ci n'a cessé de remettre en question tout ce qui concernait son engagement envers l'art. Sans avoir l'intention de créer une délibération parallèle à son travail, il utilise l'écriture comme moyen de consigner sa pensée, utilisant des cahiers, des fragments de papier et des marges de dessins.
Magdalena Abakanowicz (1930-2017) is known for her iconic installations that explored the relationship between humanity and nature, as well as the strength of the collective versus the individual. Today the power of her art, like predications from the past, are rivetingly real. This publication offers rich intellectual insight into the relevance of this Polish artist to the threatened present?a time in which geopolitical shifts between East and West and predictions of the Club of Rome (1972) and climate scientists are becoming a worldwide reality. And here Abakanowicz's vision on nature and the human condition is explored in a uniquely inspired way: by engaging seven artists/collaboratives to reflect in deeply personal ways on their art through dialogues with historians, philosophers, and other thinkers. This «counterpoint" launches discussion around the human condition in a post-humanist time, collective identity, trauma, climate change, unending destruction of the planet, and more. Finally, the uncommon approach of this show and book demonstrates how the elder artist's art and life is a lens through which not only these artists but we can reconsider our place in the world.
Né en Transylvanie en 1907, Etienne Hajdu déménage à Paris pour ses études et en 1927 il devient l'élève d'Antoine Bourdelle à l'Académie de la Grande Chaumière. Il parcourt à bicyclette la France des églises romanes et gothiques. L'abstraction apparaît dans son oeuvre dès 1932-1934 mais c'est à partir des années 1950 qu'il crée son style particulier, relevant de la nouvelle École de Paris : il réalise des sculptures, bas-reliefs et hauts-reliefs en bois, marbre et onyx, bronze et plomb, aluminium et cuivre, ainsi que des «estampilles» sur papier. En 1939, il fait ses débuts à la galerie Jeanne Bucher, aux côtés de Szenes et Vieira da Silva. Cet ouvrage est la catalogue de son exposition au musée de Vézelay. Outre les nombreuses reproductions, il rassemble des articles de la revue Cahiers d'Art de 1953 et de 1956-1957, reproduites ici en facsimilé, ainsi que des pages de la revue Melpo de 1949 dediées au sculpteur et des lettres entre Etienne Hajdu et Christian Zervos.
Dankzij de Nederlandse contacten met o.a. Otto van Rees, Charley Toorop en Jan Wolkers, groeide Zadkine uit tot een van de invloedrijkste beeldhouwers van het modernisme.
De Russisch-Franse beeldhouwer Ossip Zadkine (1888-1967) onderhield sterke banden met Nederland. Wie kent niet zijn oorlogsmonument 'De verwoeste stad' in Rotterdam? Al aan het begin van de twintigste eeuw sloot hij in Parijs vriendschappen met Nederlandse kunstenaars als Otto van Rees en Charley Toorop.
Publié à l'occasion de la plus grande exposition de son travail aux États-Unis depuis plus de 30 ans et de la première grande rétrospective consacrée à Käthe Kollwitz dans un musée de New York, ce livre retrace la carrière de l'artiste des années 1890 au début des années 1940. Il présente environ 120 dessins, gravures et sculptures provenant de collections publiques et privées d'Europe et d'Amérique du Nord. Les projets les plus emblématiques de l'artiste mettent en valeur son engagement politique, tandis que des études et des épreuves de travail rarement vues éclairaient son processus créatif en constante évolution. Les essais explorent des aspects cruciaux de son art, de sa carrière et de son héritage, notamment son approche révolutionnaire du deuil des femmes et la réception de son travail parmi les artistes aux États-Unis.
Cet ouvrage kaléidoscopique présente Théo van Doesburg tel un propagandiste nomade, en permanente recherche d'une esthétique nouvelle qui, en interaction avec la science
