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Prix
Histoire de la peinture
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Antoine Compagnon, grande plume de la critique française, nous présente « Henri
Matisse, l'un des plus éminents noms de l'histoire de l'art », sous un jour nouveau.
Il nous partage sa fascination pour cet artiste dont les gouaches découpées, d'abord
perçues comme un signe de déclin, se sont imposées comme l'expression d'un style
audacieux et avant-gardiste. Mobilisant critiques, témoignages et les propres mots de
Matisse, Compagnon analyse une oeuvre et une vie qui, loin de se répéter, se sont sans
cesse réinventées.
« La conclusion d'un tableau, c'est un autre tableau » : telle est la leçon d'un peintre voué
à la quête infinie de l'art. -
Kandinsky : La musique des couleurs
Collectif, Marie-Pauline Martin, Angela Lampe
- Éditions du Centre Pompidou
- Catalogues Du Mnam
- 8 Octobre 2025
- 9782386540295
Le Centre Pompidou et le Musée de la musique-Philharmonie de Paris s'associent pour concevoir et produire une grande exposition sur l'imaginaire de la musique dans l'oeuvre de Vassily Kandinsky. Présentée à la Philharmonie de Paris du 14 octobre 2025 au 1er février 2026, cette exposition rassemble près de 200 oeuvres du maître et objets de son atelier (partitions, disques, livres, outils, etc...), qui tous expriment la place fondamentale de la musique dans son quotidien, dans sa vocation de peintre et dans l'évolution de sa pratique vers l'abstraction.
Aucune exposition n'a jusqu'alors abordé ce sujet dans sa globalité, et surtout replacé la production du peintre, des paysages russes aux oeuvres du Bauhaus, dans l'effervescence musicale de son temps. Nul doute pourtant que les expériences d'Alexandre Scriabine, Thomas von Hartmann, Arnold Schönberg ou encore Anton Webern définissent l'horizon d'écoute essentiel de la modernité et de l'abstraction picturales. Du « choc » Wagner qu'éprouve Kandinsky en 1896 lors d'une représentation de Lohengrin à Moscou, à la découverte des oeuvres atonales de Schönberg en 1911 à Munich, de ses tentatives d'une nouvelle forme d'«art total» sur scène à l'enseignement prodigué au Bauhaus, la musique est une clé indispensable pour apprécier l'oeuvre de l'artiste russe.
Le catalogue de l'exposition rassemble des textes de nombreux spécialistes français et internationaux qui offrent une vision nouvelle des relations entre peinture et musique au cours de la première moitié du 20e siècle. -
La contemplation d'un tableau ne se résume pas à une simple expérience visuelle. Depuis des siècles, le langage muet de la peinture est riche en équivoques et attise sans cesse notre curiosité, à la suite de celle des collectionneurs et des historiens de l'art.
Ce livre recense et explore cent des plus célèbres de ces énigmes de la peinture : cent cas fameux qui ont rempli des livres entiers d'érudition, la plupart du temps en vain, sans livrer toujours la clef de leur mystère. L'ouvrage nous raconte les péripéties et les rebondissements infinis de ces enquêtes, non sans proposer çà et là quelques pistes susceptibles de percer les secrets de ces oeuvres. -
Comprendre les chefs-d'oeuvres de la peinture : Décryptez les plus grandes oeuvres en un clin d'oeil
Liz Rideal
- Larousse
- 28 Janvier 2026
- 9782036086685
Qu'est-ce qu'une « vanité » ? Quel secret se cache dans le célèbre tableau Ophélie ? Saviez-vous que certains peintres affirmaient être guidés par des esprits ? Apprenez à décrypter les fondamentaux du langage pictural et découvrez les secrets de composition de tableaux qui ont marqué leur époque.
Que vous soyez amateur éclairé ou fin connaisseur, ce livre décode avec pédagogie et sens du détail les couleurs, les lignes et les symboles se cachant dans les plus belles oeuvres de l'histoire de l'art.
Vous y trouverez :
une analyse détaillée d'oeuvres picturales occidentales du xve au xxie siècles,
une méthode permettant d'aborder facilement les grandes oeuvres de la peinture,
50 chefs-d'oeuvre décryptés à la loupe. -
La Peinture russe : 1800-1945
Daniel Kiecol
- Éditions Place des Victoires
- 4 Septembre 2025
- 9782809921861
Découvrez l'intensité, la richesse et la diversité de l'art russe entre 1800 et 1945, des grands maîtres du réalisme aux figures révolutionnaires de l'avant-garde. Un livre d'art captivant pour plonger dans l'histoire, les bouleversements et la créativité d'un pays en mutation.
Au XIXe siècle, les peintres russes, riche de leur expérience européenne, se détachent peu à peu du romantisme et de l'académisme. Ils se tournent vers un réalisme social, véritable révolution picturale menée de front par Ilya Repin, qui s'élève vite au rang d'art national.
Marquée à la fois par l'impressionnisme et le symbolisme, la peinture russe entre dans la modernité au début du XX avec les artistes de l'Avant-garde, tels Malevitch et Kandinsky, qui s'affirment rapidement comme les pionniers de l'art abstrait. C'est à présent au tour de l'art russe d'influer l'Europe occidentale.
Cet ouvrage offre un véritable panorama sur la peinture russe, ses spécificités et son évolution : du classicisme au romantisme, du réalisme à l'impressionnisme, de l'Art Nouveau au symbolisme. Pour finir sur le mouvement d'avant-garde. Une découverte passionnante. -
« Les mots sont des béquilles qui permettent de faire un petit bout de chemin en direction de l'oeuvre. Dans un premier temps, ils peuvent servir à ouvrir les yeux enlisés dans des habitudes, montrer que l'on voit davantage avec ce que l'on a dans la tête que devant les yeux. Mais la plus grande partie du chemin reste hors de leur portée, puisque l'art, justement, est au-delà. » Outrenoir, entretiens avec Françoise Jaunin, 2012 Pierre Soulages est né le 24 décembre 1919 à Rodez.
Très jeune il est attiré par l'art roman et la préhistoire.
Ce n'est qu'en 1946 qu'il peut consacrer tout son temps à la peinture. Ses toiles où le noir domine sont abstraites et sombres. Elles sont aussitôt remarquées tant elles diffèrent de la peinture demi-figurative et très colorée de l'après-guerre. D'autres oeuvres sont apparues où rythme, espace et lumière naissent des contacts violents du noir et du blanc sur l'entière surface de la toile, une autre lumière picturale.
En 2007, le Musée Fabre de Montpellier lui consacre une salle pour présenter la donation faite par le peintre à la ville.
Attaché à sa terre natale, Soulages consent, en 2005, avec son épouse Colette, à une donation exceptionnelle à la Communauté d'agglomération du Grand Rodez. Le musée Soulages à Rodez est inauguré en mai 2014.
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Le succès de la première édition de ce recueil, donnant à lire pour la première fois, à un vaste public, et dans leur intégralité, l'ensemble des lettres du peintre connues a conduit à de nouvelles découvertes. La présente édition est donc augmentée de plusieurs lettres inédites. Elle nous a également permis de corriger les quelques erreurs qui nous ont été signalées.
Sur la vie d'un artiste de cette importance, les lettres constituent un témoignage aussi capital, aussi passionnant que le sont par exemple celles de Van Gogh à son frère éo et à ses proches. Ce qu'écrivait Chastel dès leur première publication en 1968: «Le public ignore en général l'ampleur et l'intérêt exceptionnel de cette correspondance qui [...] livre en quelque sorte l'autobiographie du peintre, dans le rythme même du vécu, dont aucun récit ne serait capable de restituer la puissance et la fierté» est non seulement toujours vrai, mais l'est même davantage encore car le corpus dont parlait l'historien s'est depuis enrichi de plus de 200lettres inédites, dont une grande part de celles à Françoise Chapouton, sa deuxième épouse, et surtout toutes les lettres conservées par Jeanne Polge, pour laquelle le peintre éprouva une passion dévorante et qui éclairent d'une lumière nouvelle ses dernières années. L'appareil critique de Germain Viatte, ancien directeur du Musée national d'art moderne, permet de comprendre le contexte dans lequel les lettres sont écrites et par conséquent de lire ce livre comme la plus complète et éclairante des biographies. Le texte de omas Augais, qui vient en postface, souligne à juste titre combien l'écriture a tenu une grande place dans la vie du peintre, et quels furent ses rapports à la poésie.
C'est Staël dans son agitation, ses voyages, ses con its, ses professions de foi, ses violences, ses hésitations. On y trouve aussi bien le récit des années de formation en Espagne et au Maroc que, dans la période des «lettres d'a aire», lorsque la gloire est venue, le dialogue avec des personnalités comme René Char, Georges Duthuit, Pierre Lecuire. Comme le résumait parfaitement Chastel: «Les lettres apportent donc tout ce qu'on a besoin de savoir - et au-delà - de Nicolas de Staël. Elles font paraître et parfois scintiller la constellation de personnes, de noms, d'intérêts, de curiosités qui accompagne, avec des changements nombreux et des évanouissements passagers, le parcours d'un être fort.»
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Gustav Klimt
Martina Padberg
- Éditions Place des Victoires
- Les Carres D'art
- 13 Octobre 2016
- 9782809914290
Monographie à 9,95 € sur l'artiste autrichien Gustav Klimt
La sensualité qui se dégage des ondulantes allégories féminines de Klimt ne peut laisser indifférent. C'est sûrement la raison pour laquelle cet artiste autrichien est le plus connu des représentants de la Sécession viennoise et de l'Art Nouveau, courants indissociables de ce génie. Cet ouvrage réunit l'ensemble de ses oeuvres, allant des allégories aux paysages, des mosaïques aux lithographies.
Klimt (1862-1918) fait partie des artistes qui ont porté au sommet l'Art nouveau et la Sécession de Vienne, deux mouvements artistiques majeurs du début du xxe siècle autrichien, caractérisés par des oeuvres aux lignes courbes, où l'on retrouve la présence de rythmes, de couleurs, d'ornementations inspirées de la nature. Peintures symbolistes, les oeuvres de Klimt regorgent d'allégories féminines, d'éléments décoratifs où les dorures et l'expressionisme naissant dominent. On le connaît notamment pour le touchant Baiser et, lorsqu'on prononce son nom, on se figure spontanément le portrait majestueux de sa Judith.
Martina Padberg est une spécialiste de l'art de la fin du XIXe siècle et du début du XXe. Elle est déjà l'auteure de plusieurs livres sur le musée d'Orsay, le mouvement impressionniste et l'art de la ville de Paris. Cette monographie présente près de 200 oeuvres du peintre sur 288 pages, en format 18 x 18 cm.
Languages : Fr. En.
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The sensuality that emanates from Klimt's undulating female allegories cannot leave one indifferent. This is surely the reason why this Austrian artist is the best known of the representatives of the Viennese Secession and Art Nouveau, currents inseparable from this genius. This book brings together all of his works, from allegories to landscapes, from mosaics to lithographs.
Klimt (1862-1918) is one of the artists who brought to the top Art Nouveau and the Vienna Secession, two major artistic movements of the early twentieth century in Austria, characterized by works with curved lines, where we find the presence of rhythms, colors, ornamentation inspired by nature. Symbolist paintings, Klimt's works are full of female allegories, decorative elements where gilding and emerging expressionism dominate. He is best known for the touching Kiss, and when one mentions his name, one spontaneously imagines the majestic portrait of his Judith.
Martina Padberg is a specialist in the art of the late 19th and early 20th centuries. She is the author of several books on the Musée d'Orsay, the Impressionist movement and the art of the city of Paris. This monograph presents nearly 200 works of the painter on 288 pages, in 18 x 18 cm format. -
Avant les années 2000, une partie du monde de l'art se bouchait le nez devant l'art figuratif qui semblait kitsch, voire réactionnaire. Dominée par les courants conceptuels, la scène artistique suisse abrite pourtant depuis 40 ans une figuration émancipée du formalisme géométrique. Majoritairement féminine, celle-ci puise dans un éventail de références (art médiéval, mangas japonais) en fusionnant influences populaires et expériences personnelles. Une quarantaine d'artistes sont réunies dans cette publication qui met en lumière des figures tutélaires tant suisses qu'internationales.
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Les avant-gardes artistiques 1848-1918 ; une histoire transnationnale
Béatrice Joyeux-Prunel
- Folio
- Folio Histoire
- 1 Janvier 2016
- 9782070342747
Une histoire globale des avant-gardes picturales se doit d'expliquer pourquoi celles-ci apparurent en certains endroits et pas en d'autres, comment elles circulaient entre les pays et les capitales, ce qui les portait et si elles rompaient réellement avec leur temps, sachant que la plupart finirent par connaître une véritable canonisation.
Les avant-gardes lièrent leur sort au développement des journaux et des revues, c'est-à-dire à celui des techniques d'impression et de reproduction en série. Elles profitèrent également d'un vaste mouvement de circulation des idées, des hommes et des objets avec le développement des réseaux ferrés et des transports maritimes.
Dans le même temps se forgeaient les identités nationales, férues de tradition et de préservation des cultures. L'approche géopolitique met au jour ce processus par lequel les plasticiens novateurs recoururent à la référence étrangère pour s'opposer aux institutions nationales, travaillèrent à internationaliser leurs réputations pour mieux s'imposer contre le refus de l'innovation porté par le nationalisme, ou, au contraire, se laisser récupérer par des partis nationalistes et révolutionnaires.
Mais à côté des stratégies, réseaux et marchés, place est faite à l'analyse du contexte culturel et moral, économique et politique, matériel et social, affectif et spirituel des artistes des avant-gardes à partir de 1848. Jusqu'à la rupture de 1920, quand ces avant-gardes deviennent politiques, plaçant l'avenir de l'art dans celui de la Révolution. -
Fort de ses théories minutieuses et de milliers de tableaux, dessins et aquarelles, Paul Klee (1879-1940) est considéré comme l'un des chefs de file les plus cérébraux et les plus prolifiques de l'art européen au XXe siècle. Même s'il a souvent créé des petits formats, ses oeuvres sont remarquables par leur profondeur sophistiquée et leurs nuances méticuleuses visibles dans le trait, la couleur et les tonalités.
Le style de Klee s'est affirmé quand il est entré dans le groupe expressionniste allemand du Blaue Reiter (le Cavalier bleu) et surtout lors d'un voyage en Tunisie en 1914 qui a métamorphosé son usage de la couleur. Après la guerre, il enseigne dans la prestigieuse école du Bauhaus où ses cours, comme sa pratique émergente, ont mis en valeur le potentiel symbolique de la nuance, du trait et de la géométrie.
Klee s'est également inspiré du cubisme, de la poésie, de la musique, de la littérature, du langage et du pouvoir simpliste des oeuvres d'enfant. Célèbre pour ses personnages composés de simples traits, il a souvent allié une apparente naïveté à de rigoureuses compositions au sens profond.
Ce livre offre une sélection d'oeuvres majeures de Klee pour présenter son style et son influence. Paysages inondés de soleil et jeux de mots énigmatiques, découvrez un univers à la fois simpliste, symbolique et prodigieusement coloré. -
Chronologie de l'art : De la Préhistoire à nos jours
Collectif, Iain Zaczek
- Éditions Eyrolles
- 24 Octobre 2024
- 9782416017438
Des peintures rupestres au street art : de quoi émerveiller les amateurs comme les passionnés d'art !
Au fil des pages, cet ouvrage didactique et richement illustré nous fait voyager d'une époque à l'autre. En suivant une frise chronologique, il présente les oeuvres les plus importantes de l'art occidental, tout en les replaçant dans leur contexte politique, économique, culturel et social. Ainsi, il donne à voir l'évolution des styles et des di érents courants, et permet de comprendre en profondeur les infl uences qui ont conduit aux plus grands chefs-d'oeuvre, tout en apportant de nouveaux éclairages à l'histoire de l'art. Des peintures rupestres au street art : de quoi émerveiller les amateurs comme les passionnés d'art !
Au fil des pages, cet ouvrage didactique et richement illustré nous fait voyager d'une époque à l'autre. En suivant une frise chronologique, il présente les oeuvres les plus importantes de l'art occidental, tout en les replaçant dans leur contexte politique, économique, culturel et social. Ainsi, il donne à voir l'évolution des styles et des différents courants, et permet de comprendre en profondeur les influences qui ont conduit aux plus grands chefs-d'oeuvre, tout en apportant de nouveaux éclairages à l'histoire de l'art. -
Lors de sa première parution en 2005, ce livre s'est rapidement imposé comme un ouvrage de référence. Il a contribué à la reconnaissance du graphisme comme un domaine de création majeur en France. Si cette discipline a vu le jour grâce à la typographie, son champ d'action s'est élargi à l'affiche, l'édition, la presse, la construction d'une identité visuelle, la signalétique, l'habillage télévisuel, le web... Le graphisme dialogue aujourd'hui avec l'architecture, les arts plastiques, le design, la mode, la musique, l'audiovisuel et le numérique. La nouvelle édition de ce livre, riche de plus de 1000 illustrations, est augmentée d'un chapitre sur les années 2005-2020 qui témoigne de l'extraordinaire vitalité de la création graphique française de ces dernières années.
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Lancé par Picasso et Braque, le cubisme a été décrit comme le premier mouvement artistique d'avant-garde au 20e siècle. S'inspirant de la sculpture et des arts africain et amérindien, les cubistes ont déconstruit les conventions européennes liées au point de vue, à la forme et à la perspective pour créer des images révolutionnaires aplaties et fragmentées.
Le célèbre tableau de Picasso Les Demoiselles d'Avignon est considéré comme la première oeuvre cubiste, avec sa manière radicale de fracturer objets et silhouettes en zones distinctes correspondant à une multitude de points de vue différents. Le cubisme s'est ensuite développé en deux branches distinctes: le cubisme analytique qui a continué à entremêler des plans de perspective en noirs, gris et ocres mats, puis le cubisme synthétique, caractérisé par des formes plus simples, des couleurs plus vives et des collages, parfois avec du papier journal.
À travers des oeuvres d'artistes comme Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes et Robert Delaunay, ce livre présente les principaux protagonistes du cubisme. -
Un jour, ils auront des peintres ; l'avènement des peintures américains (Paris 1867-New York 1948)
Annie Cohen-Solal
- Folio
- Folio Histoire
- 21 Septembre 2017
- 9782072740046
Tout commence à Paris, le 1?? juillet 1867, dans les fastes de l'Exposition Universelle : après la guerre de Sécession, les paysagistes d'outre-Atlantique, qui forment la première véritable école de leur pays, retrouvent, optimistes, le chemin de l'Europe. Mais les critiques français leur réservent ricanements et sarcasmes : «Cette exposition est indigne des fils de Washington. Au milieu de nos vieilles civilisations, les Américains font l'effet d'un géant fourvoyé dans une salle de bal.»Les peintres souhaitaient être reconnus dans le saint des saints de l'art contemporain. Ils comprirent immédiatement qu'ils n'avaient pas le choix : il fallait céder au goût français, puisque le goût français régnait sur le monde. Du géant, ils avaient les matières premières : l'espace géographique, les moyens économiques, le dynamisme. Pour le reste, les arts plastiques notamment, ils se rendaient bien compte qu'ils accusaient, face aux Européens, un énorme décalage. Leur humiliation à l'Exposition Universelle aiguillonna leur combativité. Et si les fils de Washington relevaient le défi ?L'épopée des peintres américains racontée par Annie Cohen-Solal nous transporte de Paris à New York, de Giverny à Chicago, de Pont-Aven à Taos, au Nouveau-Mexique, et s'achève à la Biennale de Venise, en 1948, lorsque sont présentées, pour la première fois en Europe, huit toiles de Jackson Pollock, un artiste inconnu des Européens de l'époque, mais bientôt célébré dans le monde entier comme le premier véritable maître américain.
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Figure clé de l'avant-garde internationale, Piet Mondrian (1872-1944) était un extraordinaire peintre et théoricien de l'art, dont la profonde influence se ressent toujours aujourd'hui. Après avoir forgé l'expression «néoplasticisme», il a développé une peinture uniquement composée des couleurs primaires ressortant sur une grille de lignes noires verticales et horizontales et un fond blanc.
Selon Mondrian, cette peinture essentielle participerait à l'avènement d'une société dans laquelle l'art n'aurait pas de place, mais participerait plutôt à la réalisation totale de la «beauté». Mondrian a vécu à Amsterdam, Paris, Londres et New York, métropoles modernes qui l'ont inspiré, tout comme la musique contemporaine, et plus particulièrement le jazz. En 1917, il a participé à la fondation de De Stijl, d'abord une publication avant de devenir un cercle de professionnels se consacrant à l'art strictement géométrique des horizontales et des verticales.
À travers des oeuvres clés et des textes synthétiques, ce livre d'introduction présente le travail singulier et novateur de Mondrian, source d'inspiration inépuisable pour la mode, l'art, l'architecture et le design, des pochettes d'album des White Stripes aux robes Yves Saint Laurent. -
Émergeant de l'horreur de la Première Guerre mondiale, le révolutionnaire mouvement dada a pris pour point de départ son dégoût de l'ordre établi. De 1916 jusqu'à la moitié des années 1920, des artistes à Zurich, Cologne, Hanovre, Paris et New York sont radicalement montés au créneau contre la politique, les valeurs sociales et le conformisme culturel qu'ils considéraient complices du conflit dévastateur.
Les artistes dada ne possédaient pas un style commun distinctif mais partageaient le même désir de renverser les structures sociales aussi bien que les conventions artistiques et de remplacer la logique et la raison par l'absurde, le chaotique et l'imprévisible. Leur pratique englobait théâtre expérimental, jeux, sons gutturaux, collage, photomontage, procédés fondés sur le hasard et le tout-fait, dont le plus célèbre est l'urinoir de Duchamp, Fontaine (1917). Pour les dadaïstes, l'aspect visuel de l'oeuvre était moins important que les idées et critiques qu'elle exprimait. En ce sens, dada peut être considéré comme un précurseur essentiel de l'art conceptuel.
Grâce à une sélection d'oeuvres clés de quelques-uns des plus célèbres adeptes de dada, comme Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Hannah Hoch, Kurt Schwitters, Francis Picabia et Man Ray, ce livre présente ce mouvement fulgurant, subversif et déterminé du 20e siècle et son influence durable sur l'art moderne. -
Avec Salvador Dali en figure de proue, le grand vaisseau du Surréalisme a vogué sur les eaux turbulentes du début du vingtième siècle, les voiles gonflées par les rêves et les désirs. Inspirés par la pratique psychanalytique de Sigmund Freud, les Surréalistes considèrent que l'inconscient est le domaine de la vérité, non inhibée par les normes et les attentes de la société.
Par le biais de techniques comme l'hypnotisme, le noctambulisme ou l'écriture automatique, les comparses d'André Breton, Max Ernst, Brassaï et Meret Oppenheim ont produit peintures, dessins, textes et films dans lesquels ils ont cherché à sonder leurs instincts primaires les plus intimes. Leurs créations regorgent de fantasmes sexuels, de créatures mystérieuses, menaçantes, et juxtaposent des objets et des idées en apparence contradictoires.
Ce livre présente les origines et l'héritage sensationnel du mouvement surréaliste, qui a influencé de façon profonde et durable le cinéma, le théâtre, la littérature, l'art et la pensée.
Artistes présentés: Jean Arp, André Breton, Giorgio de Chirico, Salvador Dali, Max Ernst, Alberto Giacometti, Paul Klee, René Magritte, André Masson, Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Meret Oppenheim, Yves Tanguy. -
LE LIVRE L'émergence de l'abstraction au début du XXe siècle a mené à un changement total de paradigme. Cet ouvrage vise à retracer l'épopée de ces oeuvres qui s'émancipent du réel et la rupture majeure auquel cela a conduit en histoire de l'art.
NI absence du monde, ni sacrifice de la signification, l'abstraction vise un langage universel, en lien étroit avec les mutations technologiques de la société portées par les nouveaux médias, de la photographie au cinéma jusqu'à la vidéo et la révolution des cultures numériques.
Ce champ élargi des pratiques de l'art abstrait oblige à repenser la géographie globale de son histoire et de ses développements, en prenant en compte les circulations mondiales de cette aventure de l'esprit et des fomes.
Des aquarelles de William Turner aux expérimentations cybernétiques dans l'art contemporain, ce voyage en abstraction montre à l'échelle internationale - de l'Europe au Japon en passant par l'Amérique latine et les États Unis - la pluralité des formes, des pratiques et des concepts qui ont nourri cette quête. -
« Mon opinion sur l'homosexualité et les homosexuels est exactement la même que mon opinion sur l'hétéro- sexualité et les hétérosexuels : tout dépend des individus et des circonstances. Je réclame la liberté générale des moeurs, de tout ce qui ne nuit pas à la tranquillité, à la liberté, au bonheur du prochain. J'avais cru comprendre que c'était aussi - admirable en France - l'opinion de la loi ? Aurait-elle changé ? » « L'Amitié », 1918-1921, Inversions, n° 1, avril 1925 Claude Cahun (pseudonyme de Lucy Schwob) est née le 25 octobre 1894 à Nantes et décédée le 8 décembre 1954 à Saint-Hélier (Jersey).
Photographe et écrivaine française dont la vie est étroitement liée à celle d'une autre artiste d'origine nantaise, Suzanne Malherbe (Marcel Moore), liée au mouvement surréaliste, Claude Cahun s'est aussi engagée dans la vie politique de l'entre-deux-guerres et dans la Résistance pendant l'occupation allemande de Jersey.
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L'abstraction a secoué l'art occidental au plus profond. Au début du XXe siècle, elle a réfuté la toute-puissance des formes nettes et sans ambiguïté, et décidé de confronter le public à des poèmes visuels vivants, dépouillés de l'imagerie représentationnelle conventionnelle et caractérisés par des allégories d'émotions et de sensations.
Cette aventure esthétique radicale a défini de nouveaux moyens d'expression et de narration artistiques, caractérisés par des juxtapositions troublantes de couleurs, de lumière et de lignes. Les artistes ont alors abandonné pinceaux et chevalets pour jouer avec d'autres matériaux, d'autres méthodes et une nouvelle gestuelle: peintures commerciales et rouleaux, toiles brutes et non tendues, posées au sol, application à la main.
Cette introduction essentielle décrit la portée internationale, la profondeur conceptuelle et l'impact sismique de l'art abstrait dans une étude rigoureuse qui s'attache aux grands noms comme Picasso, Klee, Kline, Rothko et Pollock, mais aussi à des figures moins célèbres dont la contribution a été tout aussi significative, parmi lesquelles Antoni Tàpies, K.O. Gotz, Ad Reinhardt et Sophie Taeuber-Arp. -
Paris Moderne, 1914-1945 : Art, Design, Architecture, Photographie, Littérature, Cinéma, Mode
Jean-Louis Cohen, Guillemette Morel Journel
- Flammarion
- Beaux Livres
- 4 Octobre 2023
- 9782080264268
En paix ou en guerre, le Paris de la première moitié du XX? siècle vibre d'énergie fébrile. Les imaginations les plus débridées s'expriment dans des formes nouvelles dont les créateurs viennent de l'Europe entière. Le défi de l'industrie et les attentes du marché nourrissent l'architecture et l'ensemble des disciplines artistiques, qui donnent son visage quotidien à une ville délibérément moderne. Ce foisonnement est retracé selon le principe d'un dictionnaire, de la lettre «A», comme la photographe Laure Albin-Guillot, à la lettre «Z», comme le critique d'art Christian Zervos, en passant par Josephine Baker, Marcel Carné, Coco Chanel, Le Corbusier, Fernand Léger, Adolf Loos, Charlotte Perriand, Helena Rubinstein ou Tristan Tzara. Près de cent entrées composent un portrait sous forme de kaléidoscope amplement illustré. Un reportage photographique d'Antonio Martinelli donne à voir ce que le paysage architectural et urbain d'aujourd'hui révèle du Paris d'il y a cent ans. J-L. C., G.M.J.
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Reconnu comme premier mouvement artistique né aux États-Unis à avoir exercé une influence mondiale, l'expressionnisme abstrait désigne l'usage non-représentationnel de la peinture à des fins d'expression personnelle. Il est apparu aux États-Unis dans les années 1940, porté par de grandes figures comme Jackson Pollock, Philip Guston, Robert Motherwell, Mark Rothko ou Willem de Kooning.
L'expressionnisme abstrait recouvre de nombreux styles différents, parmi lesquels se détachent deux sous-catégories principales: l'action painting, dans laquelle se sont illustrés de Kooning et Pollock, et les «champs colorés», rendus célèbres par Mark Rothko. Les expressionnistes abstraits ont cherché à traduire les émotions et idées en travaillant sur les traces, les formes, les textures, les nuances et la qualité particulière des coups de pinceau. Ce mouvement privilégiait les toiles grand format et laissait la place au hasard et aux accidents.
Avec des oeuvres de 20 artistes majeurs de l'expressionnisme abstrait, ce livre présente le mouvement qui a fait basculer le centre de gravité de l'art de Paris à New York et qui demeure pour beaucoup la grande époque de l'art américain. -
Henri Matisse (1869-1954) a toujours eu un esprit combatif. Malgré son cancer diagnostiqué en 1941, en dépit de sa faiblesse croissante et de son fauteuil roulant qu'il ne pouvait quitter, cet irréductible artiste français n'a jamais interrompu sa quête artistique ni cessé de créer. Débutant ce qu'il nommait une «seconde vie», il entama une période remarquable de production de collages, découpant et assemblant des morceaux de papier coloré pour former des «gouaches découpées» peuplées d'oiseaux, de plantes, de fleurs et de formes féminines.
Soulignant à merveille couleurs et contrastes, la technique du découpage permet des lignes géométriques et des juxtapositions dynamiques. Dans des oeuvres telles que La Chute d'Icare (1943), Nu bleu (1952), L'Escargot (1953) et La Gerbe (1953), formes pures et structures élémentaires renforcent une composition qui dépasse le simple aspect décoratif de créations finement assemblées et débordant d'une joie de vivre contagieuse. Au fur et à mesure de l'avancée de son travail, l'excitation de Matisse devant ces résultats le poussa à imaginer des oeuvres toujours plus grandes, ses premiers travaux, de modestes dimensions, devenant de véritables fresques murales.
Sentant venir sa fin, Matisse révéla le secret de ces pièces à la fois simples et brillantes: «Ce que j'ai créé après [ma maladie], c'est moi-même que cela représente, libre et détaché...» Cette introduction de référence revisite ainsi ce joyeux dernier chapitre de la longue et prodigieuse carrière de Matisse, révélant comment les papiers découpés résument ses années passées à explorer toutes les possibilités offertes par la composition, les formes et les couleurs.