Quelle est la fonction de la peinture contemporaine ?Quels sont les rapports qu'elle entretient avec la musique, la poésie, les mathématiques, la biologie ?Quels sont les pouvoirs de la ligne, de l'espace, de la forme, de la couleur et comment expriment-ils notre conscience nouvelle de nous-mêmes et de l'univers ?Telles sont les questions fondamentales auxquelles Klee apporte une réponse dans Théorie de l'art moderne.Ce livre groupe pour la première fois l'ensemble des textes théoriques parus du vivant de l'artiste, dont les célèbres Esquisses pédagogiques ; il ouvre au lecteur le chemin de la création picturale. Il a, dans notre siècle, une importance égale à celle des Carnets de Vinci pour l'art et la pensée de la Renaissance.
Sous l'Occupation, le marché de l'art a été florissant. Une semaine après l'entrée des troupes allemandes dans Paris commence la saisie des oeuvres appartenant aux familles juives.
Sous la plume d'Emmanuelle Polack se déploie une galerie de protagonistes - marchands, commissaires-priseurs, antiquaires, experts, courtiers, acheteurs, conservateurs. On entre dans le lieu de leurs activités - appartements, galeries, salles de ventes aux enchères, palaces, banques.
Une faune d'intermédiaires peu scrupuleux profite de la confiscation des oeuvres. On découvre le destin tragique de galeristes juifs victimes de l'« aryanisation » du monde de l'art. Après la guerre, peu de sanctions seront prises. Aujourd'hui, de nombreuses oeuvres n'ont toujours pas été restituées. Elles sont les témoins silencieux de l'Histoire.
De l'impressionnisme du xixe siècle au Land Art du XXI? siècle, ce nouvel opus de «L'Art en poche» nous présente l'une des périodes les plus dynamiques et les plus passionnantes de l'art. Amy Dempsey dénoue la langue trop souvent intimidante de l'art moderne et contemporain en cartographiant les styles, les écoles et les mouvements. Grâce à une structure pratique et facile, au style clair de l'auteur et aux oeuvres soigneusement sélectionnées, Art moderne et contemporain définit soixante-huit groupes principaux dans l'art moderne occidental.Ce guide essentiel présente en outre une liste pertinente d'artistes clés, d'attributs, de médias et de collections, et comprend un glossaire indispensable des termes de l'art moderne et un index des artistes.
L'ouvrage prend la forme d'un ensemble d'histoires et d'anecdotes que l'on peut emporter partout, qui peuvent être racontées lors d'une visite au musée, devant les oeuvres, ou en préparant une visite. Ces petites histoires sont centrées autour d'un peintre, d'un sculpteur, d'un performeur ou d'une école, classées selon une chronologie et une géographie pertinentes. Une frise chronologique court tout au long de l'ouvrage pour se resituer dans l'Histoire et propose de faire le parallèle avec les grands tournants du cinéma. Racontez l'art ! aborde les arts moderne du fauvisme au Land Art. Cet ouvrage invite donc grands-parents, parents et enseignants à entrer dans la grande histoire de l'art par le petit bout de la lorgnette, grâce à des récits et aventures sur ses protagonistes.
Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.
Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.
Publié à l'occasion des 100 ans de la découverte de la tombe de Toutankhamon et des 200 ans du déchiffrage de la pierre de Rosette, ce livre répond à un engouement et une curiosité toujours considérables pour l'Égyptomanie. Ce concept renvoie à un imaginaire collectif suscité par le songe, qui a été nourri tout au long des XIXe et XXe siècles par les fouilles archéologiques et les grands voyages. Ces découvertes majeures ont été un terreau fertile pour la création et particulièrement pour les artistes Art déco qui trouvèrent dans ses lignes et ses motifs, l'inspiration. Égyptomanie Art déco explore les origines et le fonctionnement de ce processus culturel et artistique, façonné par une multitude de champs. Publique, funéraire ou même ésotérique, l'architecture en est un témoin majeur. Le cinéma parisien le Louxor, du nom de la ville éponyme arbore dès 1921, des formes et des décors empruntés au monde des pharaons. Figures monumentales protégeant le canal de Suez ou bestiaire d'inspiration égyptienne, les sculpteurs prennent part au jeu. L'art populaire qui s'immisce dans la maison en est également imprégné : bougeoirs et pendulettes sont décorés d'oeil d'Horus et de fleurs de lotus. Affiches, décors et costumes pour les arts de la scène se mettent au goût du jour, quant au même moment, Claudette Colbert incarne Cléopâtre. Enfin, les créations des grandes maisons telles que Lanvin ou Cartier associent dans leurs modèles, l'antique et l'esprit des années 20. Égyptomanie Art déco est agrémenté d'une iconographie explicite et inédite et s'inscrit dans la collection Art déco, déjà composé de deux livres : 1925, quand l'Art déco séduit le monde et Art déco France-Amérique du Nord.
Tandis que l'Art déco, admiré de tous à l'Exposition internationale des arts décoratifs de 1925, continue à se diffuser, jusqu'à la fin des années 30, conjointement aux mouvements modernistes et cubistes dans les arts décoratifs, les Beaux-Arts et l'architecture, de nombreux peintres de l'entre-deux guerres tels que Boutet de Montvel, Courmès, La Patelière, Souverbie ou Despiau s'attachent à redonner au réalisme un nouveau visage, en phase avec son temps. La ville de Boulogne-Billancourt est au coeur de cette créativité bouillonnante. Attirés par des terrains aux prix abordables, de grands industriels comme Renault et Dassault, les Studios de Boulogne pour le cinéma et des artistes tels que Paul Landowski, Marc Chagall ou Juan Gris s'installent dans cette ville naissante. Les « Dimanches de Boulogne » de Daniel-Henry Kahnweiler, en réunissant de nombreux artistes cubistes, participe à faire de la ville un centre culturel de premier plan. Témoin privilégié de cette époque foisonnante, le musée des années 30 conserve dans ses collections plusieurs centaines de chefs-d'oeuvre, dans des domaines aussi variés que la peinture, la sculpture, avec les frères Martel, Jouve, Janniot ou Bernard, les arts décoratifs, avec des ensembles exceptionnels de Ruhlmann, Leleu, Follot, Sue et Mare, Printz, Herbst, Sognot, Mallet-Stevens, les arts graphiques ou l'architecture. À rebours d'une modernité trop longtemps cantonnée au cubisme, à l'abstraction et à l'art conceptuel, il offre un regard singulier sur cette période encore méconnue.
C'est la décennie de l'audace, des toiles expressionnistes, des livres au graphisme créatif, des oeuvres d'art totales du Bauhaus, des débuts de la psychologie, des bals de travestis, des cabarets et du cinéma. Entre les tensions de deux guerres mondiales, Berlin dans les années 1920 était une capitale à l'apogée de sa nonchalance, débordant d'art, d'innovations et d'idéaux.
Cet ouvrage plonge ses lecteurs dans l'esprit libre de la période de Weimar. À travers des oeuvres emblématiques, puisées dans la peinture, la sculpture, l'architecture, le design graphique, la photographie et le cinéma, nous sont dévoilées les innovations, les idées et les folles utopies qui caractérisent cette vitrine culturelle unique. On entre dans les bars jazz et les salles de danse, on adopte la mode à la garçonne et on découvre les « kinos » remplis de spectateurs, on suit les avancées technologiques et les progrès des modes de transport, depuis les tours de radio aux roulements des trains et tramways, en passant par les gratte-ciel vertigineux, sans oublier les chefs-d'oeuvre cinématographiques et la nouvelle indépendance conquise par les femmes qui les autorise à fumer des cigarettes, à porter les cheveux courts et à gagner leur vie par leurs propres moyens.
Parmi les oeuvres de cette évocation culturelle vivante figurent Les Journalistes de Hannah Hoch, les Mains sur la machine à écrire de Lotte Jacobi, le Portrait de la journaliste Sylvia von Harden d'Otto Dix, le projet pour l'Alexanderplatz de Peter Behrens et L'Ange bleu de Josef von Sternberg, avec Marlene Dietrich dans le rôle de Lola Lola, la chanteuse de cabaret.
Au fil des pages et des années, on découvre à la fois la soif d'utopie et les réalités économique et politique, plus ambiguës, qui ont nourri des chefs-d'oeuvre de divertissement, idéalistes ou réactionnaires produits durant cette période. Derrière les lumières vives et les robes pailletées se cachent l'inflation, le travail à la chaîne et un consensus politique fragile que dissimulent ces années bénies et qui annoncent finalement une issue brutale amorcée par la montée du national-socialisme.
Entre les deux guerres, Montparnasse devient un pôle artistique majeur vers lequel converge le monde entier. Les bars, cafés et dancings accueillent les artistes en tout genre et un public international séduit par l'incroyable esprit de liberté qui souffle sur le quartier. De ce côtoiement quotidien va naître un style «Monparno », neuf et inventif. Dans les ateliers, les studios d'artistes et les intérieurs modernes, on assiste à l'émergence d'un mode de vie décontracté et cosmopolite qui rejette les conventions et les goûts bourgeois.
L'esprit de Montparnasse va se répandre rapidement et imprégner l'architecture, la décoration, les intérieurs, le graphisme, le mobilier, la mode vestimentaire, les arts de la table, les tissus, les matériaux et les couleurs du temps.
Ce livre retrace, avec de nombreux documents rares et variés, ce moment bref et intense qui fit de Paris un aimant et un phare du monde artistique.
The first publication of its kind, connecting a constellation of artists working at the forefront of abstraction in the early 20th century.
Orphism emerged among a cosmopolitan group of artists active in Paris in the early 1910s, as the innovations of modern life radically altered conceptions of time and space. Engaged with ideas of simultaneity in kaleidoscopic compositions, these artists investigated the transformative possibilities of color, form and motion. Often featuring disks of brilliant color, their work evoked multisensory experiences. When pushed to its limits, Orphism signaled total abstraction. The poet Guillaume Apollinaire, a contemporary, coined the term "Orphism" to describe this move away from Cubism, toward a physically and spiritually transcendent art. His concept referred back to the Greek mythological poet and lyre player Orpheus, whose music thwarted death.
The first in-depth examination of the Orphist avant-garde, this revelatory exhibition catalog contextualizes Orphism, tracing its roots, exploring its cross-disciplinary reach and considering its transnational reverberations across 16 illustrated texts by a multigenerational group of authors from different fields. Incisive essays offer new perspectives, delineating Orphism's connection to music, dance and poetry, and investigating the historical and cultural circumstances that shaped its ethos. More than 90 artworks in multiple mediums are punctuated by micro-narratives that view select artists through the Orphist lens, presenting original scholarship on well-known figures such as Robert Delaunay, Sonia Delaunay, František Kupka and Francis Picabia while also illuminating lesser-known ones such as Mainie Jellett, Morgan Russell and Amadeo de Souza-Cardoso.
L'historien d'art Renaud Faroux et le photographe Michel Lunardelli ont sillonné l'Europe de Paris à Milan, de Londres à Madrid sur les traces des derniers grands artistes du Pop Art des années 1960.
La formule de « Pop Art européen » peut surprendre : c'est comme quand les Anglais parlent du rock français et disent que c'est aussi bon que du vin britannique ! Si pour le grand public le Pop Art est un phénomène Nord Américain incarné par Andy Warhol et Roy Lichtenstein, ce travail remet en question ce chauvinisme étasunien et souligne l'extraordinaire gémellité de la création qui se développe en Europe et outre-Atlantique. Comme le résume Peter Blake : « Si le Pop Art américain est un reflet de la vraie vie, en Angleterre c'est surtout une affaire de rêve et en France, un combat politique ! »
La première moitié du XXe siècle est marquée par de profonds bouleversements - développement des techniques, guerres mondiales, révolutions scientifiques, énergie atomique, psychanalyse - qui ébranlent les certitudes et les valeurs des siècles précédents.
Les artistes ne se contentent plus de refléter les ruptures et les révolutions de leur époque, mais les devancent et les assument à travers la mise en question des normes de la figuration - aussi bien la forme que la couleur. Cette restructuration donne naissance à de multiples mouvements esthétiques.
L'Art moderne analyse les mouvements les plus connus en peinture, en sculpture et en architecture - le fauvisme, le cubisme, l'expressionnisme, l'abstraction, le futurisme, le surréalisme, le constructivisme - mais aussi des tendances plus discrètes à l'époque telles que le réalisme magique ou la Nouvelle Objectivité.
Des encadrés biographiques et des légendes d'oeuvres mettent en valeur la singularité des grandes personnalités - Picasso, Kandinsky, Matisse - dont les recherches auront une influence fondamentale sur l'art de la seconde moitié du XXe siècle.
Plusieurs volumes de correspondances de Matisse ont déjà été publiés en France et continuent à enrichir la réflexion des historiens de l'art bien que sa correspondance avec l'artiste roumain Théodor Pallady au sujet de La Blouse roumaine n'ait jamais été encore publiée dans son intégralité. Entre 1939-1940, Matisse travaille sur son chef d'oeuvre La Blouse roumaine et tient informé Pallady qui lui a fourni des blouses roumaines de l'avancée de ce travail. Cette correspondance se déroule pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsque les deux amis se séparent (Pallady faisait de longs séjours en France jusqu'en 1940) : Matisse, malade, se retire dans le Midi où il continue à peindre et Pallady rentre en Roumanie pour préparer son exposition rétrospective qui s'est tenue en avril-mai 1940 à l'Athénée de Bucarest. Ce retour sera définitif pour Pallady parce qu'il ne pourra plus obtenir le visa de sortie du pays à cause de la guerre.
Sont ici transcrites vingt-huit lettres et cartes postales adressées par Pallady à Matisse et quelques brouillons de lettres ainsi que trois lettres de Matisse à Pallady conservées à La Bibliothèque nationale de Roumanie. Ces lettres sont illustrées de dessins de Matisse et de Pallady : des portraits, des autoportraits, des natures mortes.
Jean Bazaine est né le 21 décembre 1904 à Paris, et mort le 4 mars 2001 à Clamart.
« On dit d'une toile qu'elle chante, c'est le seul mot qui lui convienne. Comme le chant, elle est liée à notre plus mystérieuse nuit organique, elle est le souffle d'avant la parole. »
Jean Le Moal est né le 30 octobre 1909 à Authon-du- Perche et mort le 16 mars 2007 à Chilly-Mazarin.
« De plus en plus j'éprouve le besoin de dessiner par la touche et par l'intérieur de la forme. C'est pour moi la manière la plus intense d'exprimer la substance de la peinture. [...] J'ai maintenant besoin de mouvement, de quelque chose de plus lyrique, qui éclate davantage. »
Elvire Jan est née à Roustchouk, (Bulgarie) , le 1 er mai 1904 et morte à Paris le 19 janvier 1996.
« Ce n'est pas une copie de la nature que je cherche. Je vis avec mes collines, je vis avec mes arbres, je vis avec mes sentiers. Je ne les copie pas. Je ne suis pas devant eux. Et c'est toujours une question de rythme. »
Cet ouvrage est imprimé en quadrichromie sur le papier Magno Natural 140 gr/m2.
La couverture est composée du papier Curious Matter blanc 380 gr/m2 sur lequel est reproduit le détail d'une plaque de métal oxydé. Elle est composée de deux rabats longs.
Le titre de l'ouvrage, le nom de la collection et des éditions sont imprimés en blanc sur le motif.
Charting the three momentous years in which New York became the global capital of art.
The radical cultural transformations that occurred in New York in the three years between January 1962 and December 1964 ramified across the world. In addition to a whole host of creative innovations across disciplines, the period also saw a shift in the center of artistic gravity from Europe to the United States and the rise of a new leadership in the arts--curators, gallerists and other impresarios. Modeled on the scale and format of Life magazine (one of the most widely read publications of the era), this lavishly illustrated oversized paperback traces a detailed itinerary of artists and curators, experimental exhibitions and museums, as well as historical and political events that transformed society during this explosive moment. From the New Realists exhibition at Sidney Janis Gallery in 1962 to Robert Rauschenberg's unexpected win of the International Grand Prize in Painting at the 1964 Venice Biennale, every groundbreaking event from this incredible three-year period is documented.
Organized chronologically, the book is teeming with images of artworks and archival photographs, and artist interviews conducted by the late great curator Germano Celant.
Artists include: Diane Arbus, Lee Bontecou, Chryssa, Merce Cunningham, Jim Dine, Melvin Edwards, Dan Flavin, Lee Friedlander, Nancy Grossman, Jasper Johns, Donald Judd, Ellsworth Kelly, Yayoi Kusama, Norman Lewis, Roy Lichtenstein, Marisol, Agnes Martin, Louise Nevelson, Isamu Noguchi, Claes Oldenburg, Yvonne Rainer, Robert Rauschenberg, Faith Ringgold, Larry Rivers, James Rosenquist, Miriam Schapiro, Carolee Schneemann, George Segal, Jack Smith, Harold Stevenson, Marjorie Strider, Mark di Suvero, Bob Thompson and Andy Warhol.
Dans un contexte de violents changements sociaux et politiques, l'auteur Sjeng Scheijen décrit les événements qui ont façonné la révolution artistique dans cette première biographie illustrée relatant l'ascension et la chute des figures marquantes de l'avant-garde russe. De la subversion philosophique et politique, de l'implication dans l'administration bolchevique et des liens avec l'Europe, à la répression violente, aux incarcérations et à la torture dans les années 1930 sous Staline, les événements sont racontés à travers les souvenirs personnels des artistes issus d'un long travail d'archive. Des extraits de journaux intimes et de correspondance révèlent l'étendue de l'énergie et de la détermination de l'avant-garde à survivre à un régime totalitaire, à la guerre civile, à la faim et à la terreur.
The avant-garde movement founded around André Breton in Paris in the mid-1920s transformed the perception of artistic media and their application. The surrealists favoured poetic strategies that placed works on paper, in their various forms, at the heart of their artistic practice. This richly illustrated book presents a large selection of drawings, collages, and print-related artworks by surrealist artists including Méret Oppenheim, Man Ray, Jacqueline Lamba, Joan Miró, Valentine Hugo, Yves Tanguy, Max Ernst, and Remedios Varo.
The book features four essays that collectively explore surrealist aesthetics in relation to works on paper. Topics include discussions on the role of women in the movement, the significance of biomorphic representation, and the intersections of surrealism, the occult, and contemporary culture.
