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Paris-Musées
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Présentation du parcours et des clichés que le photographe Robert Capa a réalisés pendant la guerre civile espagnole, le Débarquement en Normandie, la Libération, entre autres.
Exposition au musée de la Libération de Paris - musée du général Leclerc - musée Jean Moulin du 18 février au 20 décembre 2026. -
Tisser broder sublimer : Les savoirs-faire de la mode
Collectif
- Paris-Musées
- 14 Janvier 2026
- 9782759606320
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Fille aînée d'Henri Matisse, Marguerite Duthuit-Matisse (1894-1982) était l'un des sujets de prédilection du peintre, en témoigne cet ensemble, montré pour la première fois, composé d'une centaine d'oeuvres. Elle y apparaît dans des portraits tour à tour fauves puis plus austères et géométriques. Après la mort de son père, elle s'attèle à la tâche d'établir le catalogue raisonné de ses oeuvres.
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Publié à l'occasion de l'exposition Zadkine Art déco au musée Zadkine, ce catalogue explore une facette méconnue de l'artiste : son lien avec l'Art déco, mouvement phare né il y a tout juste un siècle. Au fil des écrits de spécialistes se déploie l'extraordinaire inventivité d'un sculpteur en quête de nouvelles formes et de nouveaux matériaux. Dans les années 1920-1930, Zadkine multiplie les expérimentations, s'ouvre aux arts décoratifs et s'approprie des techniques modernes, comme celle de la laque. Pour la première fois, ses projets de décors architecturaux font l'objet d'une étude approfondie, révélant un créateur complet, désireux de dépasser les limites de l'atelier pour se confronter à l'échelle monumentale. Enrichi d'une iconographie inédite et variée, cet ouvrage éclaire les affinités artistiques de Zadkine avec trois figures incontournables de l'Art déco : Eileen Gray, André Groult et Marc du Plantier.
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Depuis la fin des années 1990, Otobong Nkanga (née à Kano au Nigeria en
1974 et vivant à Anvers en Belgique) aborde dans son travail, des thèmes liés
à l'écologie, au féminisme, créant des oeuvres d'une grande force et d'une
grande plasticité, à partir de son histoire personnelle et de ses recherches
témoignant de multiples influences transhistoriques et multiculturelles.
Formée à l'université Obafemi Awolowo d'Ife-Ife puis à l'École nationale
supérieure des Beaux-arts de Paris et à la Rijksakademie d'Amsterdam,
l'artiste aborde l'exploitation du sol ou le corps féminin dans son rapport à
l'espace et la terre, dessinant des réseaux et des constellations entre êtres
humains et paysages.
Première monographie en français consacrée à l'artiste, cet ouvrage
présente sa pratique pluridisciplinaire qui mêle peintures, installations,
tapisseries, performances, poésies, etc.
Ouvrage bilingue, il intègre une campagne de prises de vue réalisée au sein
de l'exposition qui lui est consacrée au musée d'Art moderne. -
Présentant plus de deux cents tableaux, dessins, gravures et carnets issus de collections publiques et privées, cette rétrospective, organisée de manière chronologique, porte un nouveau regard sur le travail de Staël, en tâchant de rester au plus près de ses recherches graphiques et picturales. Loin du mythe, il s'agit de montrer l'artiste au travail, fasciné par le spectacle du monde - qu'il se confronte à un paysage, un match de football, un ballet ou un fruit posé sur une table. Menant de front plusieurs toiles, Staël travaille de longs mois, avant de condenser ses recherches dans un ou plusieurs tableaux-manifestes. Dans cette démarche expérimentale, le dessin joue un rôle prépondérant, tout comme la volonté d'explorer de nouveaux formats, médiums et outils. Depuis ses toiles sombres et matiérées des années 1940 jusqu'à ses tableaux lumineux peints avant sa mort prématurée en 1955, l'oeuvre de Staël bouleverse délibérément la distinction entre abstraction et figuration, dans la poursuite passionnée d'un art toujours plus dense et plus concis. Grâce une sélection d'oeuvres célèbres ou méconnues, cet ouvrage permet de prendre la mesure d'une quête picturale d'une rare intensité.
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Ayant émergé dans le New York du début des années 1980 et du retour à la
peinture figurative à l'instar de ses amis Keith Haring et Jean-Michel
Basquiat, George Condo se singularise par son appropriation de styles et de
techniques européennes du passé pour aborder des enjeux contemporains.
Doué d'un trait rapide et précis, l'artiste produit des oeuvres d'une rare
intensité au centre desquelles se trouve la figure humaine. « Art qui reflète
une potentialité schizoïde » selon les mots du psychanalyste Félix Guattari,
l'art de Condo scrute les paradoxes de la psyché humaine et le grotesque de
la société. Il témoigne aussi de la capacité d'absorption par l'artiste de la
culture visuelle qui l'entoure, mêlant sans hiérarchie culture populaire et
références érudites.
Réalisée en étroite collaboration avec l'artiste, cette importante
monographie retrace plus de quatre décennies de carrière, à travers les
nombreux cycles d'un travail qui se déploie dans le champ de la peinture,
mais aussi du dessin et de la sculpture.
Outre un essai retraçant l'ensemble de sa carrière, un texte sur le rapport de
Condo à la musique, on trouvera également un entretien inédit de l'artiste
avec le philosophe Marcus Steinweg et une chronologie illustrée. -
Le Petit Palais a présenté une grande rétrospective dédiée au peintre anglais Walter Sickert (1860-1942) virtuose énigmatique et provocateur.
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Magdalena Abakanowicz au Musée Bourdelle : La trame de l'existence
Collectif
- Paris-Musées
- 26 Novembre 2025
- 9782759606283
Figure majeure de l'art polonais au XXe siècle, Magdalena Abakanowicz
(1930-2017) bénéficie pour la première fois d'une exposition monographique
en France.
Abakanowicz connaît dès ses jeunes années l'invasion nazie et la censure.
Elle livre un oeuvre original, poétique, parfois inquiétant, souvent politique.
Préoccupée par le monde organique, par les textures, par la sérialité et
par la monumentalité, elle dénonce dans son art la barbarie et la prédation.
Sa création, toujours politique, volontiers sexuelle, possède une puissance
indéniable et résonne avec les problématiques contemporaines -
environnementales, humanistes, féministes.
Pratiquant d'abord la peinture, puis l'art textile, Abakanowicz se fait
remarquer par la radicalité de son oeuvre lors de la 1re biennale internationale
de la tapisserie de Lausanne en 1962. En 1965, elle reçoit la médaille d'or de
la biennale de São Paulo, qui consacre sa renommée internationale.
S'ensuit une exposition dans le pavillon polonais à la Biennale de Venise de
1980. En 1999, ses oeuvres sont installées au sommet du Metropolitan
Museum of Art. Depuis son décès, l'art d'Abakanowicz est régulièrement
exposé, notamment à la Tate Modern de Londres en 2023.
Cet ouvrage présente les pièces textiles emblématiques de cette
artiste et dévoile le champ de sa production sculpturale, grâce à des
pièces et installations majeures.
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Après la défaite de juin 1940, Daniel Cordier traverse la Manche et s'engage dans la « légion de Gaulle », futures Forces françaises libres. Avec l'idée fixe de se battre contre l'occupant allemand, il devient aspirant en août 1941. Ayant demandé à intégrer les services secrets de la France libre, il suit une formation dispensée par l'Intelligence Service.
En juillet 1942, le sous-lieutenant Cordier (alias BipW) est parachuté près de Montluçon. Quelques jours plus tard, Jean Moulin le choisit comme secrétaire : « Quand nous serons dans la rue, au restaurant ou dans n'importe quel endroit où nous risquons d'être entendus, je me mettrai à vous parler d'art pour ne pas que nous soyons suspectés. » Ce stratagème servira d'éveil artistique au jeune secrétaire.
Après la guerre, Daniel Cordier cherche sa voie. En 1956, il ouvre une galerie d'art à Paris, puis à Francfort et à New York. Ardent militant d'un art de rupture, il devient un des marchands parisiens les plus actifs de l'après-guerre, et un des plus grands donateurs auprès des institutions publiques. Il consacrera également vingt années de sa vie à la recherche et à la rédaction d'une impressionnante biographie de Jean Moulin, avant d'écrire ses propres mémoires.
Cet ouvrage retrace la traversée d'un siècle par un homme qui décida de ses engagements, dans la guerre puis dans l'art et l'histoire, en toute liberté. -
En 1954, juste après sa mort, les biens de Frida Kahlo sont enfermés dans la Casa Azul à Mexico, la « maison bleue » où elle a vécu toute sa vie. Un demi-siècle plus tard, sa collection de vêtements, de bijoux, de cosmétiques et d'autres objets personnels a été retrouvée dans des malles, des armoires, des tiroirs, la salle de bain et la cave de la Casa Azul.L'exposition du Palais Galliera qui s'ouvre en septembre 20022, présentée pour la première fois au Mexique entre 2012 et 2014, puis en 2018 au V&A Museum, à Londres, offre une perspective nouvelle sur l'histoire de cette artiste extraordinaire, dont le charisme et l'incroyable sens du style et de la mise en scène continuent de captiver. L'ouvrage montre sa garde-robe, ses vêtements mexicains traditionnels ainsi que ses célèbres autoportraits : une association sans précédent qui permet d'illustrer le parcours unique d'une des artistes les plus connues au monde, véritable icône.Le catalogue est une adaptation du catalogue créé par le V&A, qui a connu un très grand succès.
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Jean Hélion, la prose du monde : Musée d'Art moderne de Paris
Collectif
- Paris-Musées
- 3 Avril 2024
- 9782759605767
Une exposition au Musée d'Art Moderne de Paris, du vendredi 22 mars 2024 au dimanche 18 août 2024.
Le Musée d'Art Moderne propose une exposition rétrospective de l'oeuvre de Jean Hélion (1904 - 1987), peintre et intellectuel dont l'oeuvre traverse le XXe siècle. Organisée de manière chronologique, l'exposition rassemble plus de 150 oeuvres provenant de grandes institutions françaises et internationales ainsi que de nombreuses collections privées. Jean Hélion, La prose du monde est une exposition incontournable pour les amateurs d'art abstrait et de peinture. -
Sarah Moon, passé présent ; exposition Musée d'Art Moderne de Paris
Collectif
- Paris-Musées
- 23 Septembre 2020
- 9782759604630
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Modigliani / Zadkine : Une amitié interrompue au Musée Zadkine
Collectif
- Paris-Musées
- 20 Novembre 2024
- 9782759605965
Une présentation de l'amitié entre le peintre italien et le sculpteur français d'origine russe. A la suite de leur rencontre à la veille de la Première Guerre mondiale, les deux hommes nouent un lien fort, jusqu'à la mort prématurée d'Amedeo Modigliani en 1920. L'exposition met en regard leurs oeuvres et leurs influences réciproques.
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Le musée d'Art moderne de Paris consacre l'une des premières rétrospectives en France à l'artiste autrichien Oskar Kokoschka (1886-1980). Montrant la force avec laquelle Kokoschka a défié la création artistique de son temps, Oskar Kokoschka. Un Fauve à Vienne réunit une sélection unique des oeuvres les plus significatives de l'artiste. Dans sa structure et son contenu, le catalogue suit le parcours riche de l'artiste naviguant entre les villes et pays qu'il traverse (Vienne, Dresde, Paris, Prague, Londres, Suisse), retraçant sept décennies de création - de 1907 à 1973 - et rend compte de l'audace dont Oskar Kokoschka, témoin des grands bouleversements du siècle, fit preuve dans son approche de la peinture. Didactique, l'ouvrage s'appuie pour chaque section sur des textes de contextualisation, une chronologie et une riche documentation composée d'illustrations et d'écrits de l'artiste. Il est complété par des essais de spécialistes reconnus et par un texte de Maryline Desbiolles rendant hommage à la poésie de l'artiste.
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L'âge atomique : les artistes à l'épreuve de l'histoire au Musée de l'Art moderne de Paris
Collectif
- Paris-Musées
- 16 Octobre 2024
- 9782759605910
L'âge atomique : les artistes à l'épreuve de l'histoire invite le lecteur à une eploration des représentations artistiques suscitées par la découverte scientifique de la radioactivité.
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L'art n'est pas un objet, mais une expérience. Pour le percevoir, il suffit d'ouvrir les yeux. Ainsi, l'art est partout où on le voit.
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Anna-Eva Bergman (1909-1987) voyage vers l'intérieur : catalogue exposition musée art moderne de Paris 2023
Collectif
- Paris-Musées
- 29 Mars 2023
- 9782759605507
Née à Stockholm, Anna-Eva Bergman se forme à Oslo, Vienne, puis Paris en 1929. Inspirée par Nouvelle Objectivité - comme Georges Grosz ou Otto Dix, c'est à partir de 1946, après s'être engagée dans l'illustration et l'écriture, qu'elle recommence à peindre intensément mais dans une veine non figurative. Au fil des ans, elle installe un langage abstrait très singulier, basé sur un vocabulaire de formes simples inspiré à la fois par les paysages et les mythologies nordiques.
Bien que célébrée et exposée dans le monde entier de son vivant, l'oeuvre d'Anna-Eva Bergman demande aujourd'hui à être reconsidérée plus largement dans le champ de l'histoire de l'art. Cet ouvrage apporte un éclairage décisif dans la redécouverte de cette artiste, notamment sur sa relation particulière au paysage, la pureté radicale des couleurs et des formes, ainsi que l'usage très spécifique d'un matériau devenu sa signature : la feuille d'or et d'argent -
À l'occasion de la grande rétrospective consacrée à Josef et Anni Albers, Paris Musées a proposé à Katsumi Komagata, célèbre auteur de livres animés pour la jeunesse, de travailler sur les théories de la couleur développées par Anni et Josef Albers, et d'en proposer sa propre lecture à destination des enfants. Pourquoi la couleur trompe-t-elle? Pourquoi une couleur a-t-elle plusieurs visages? Comment créer l'illusion de l'espace?
Voilà quelques questions auxquelles Josef Albers a répondu dans son célèbre traité Interaction des couleurs et que Katsumi Komagata traduit visuellement, si simplement, si évidemment. Il faut dire que la couleur ne cesse de questionner l'auteur japonais à travers les 46 livres qu'il a publiés jusqu'à aujourd'hui. Une rencontre donc entre trois artistes au-delà des frontières et au-delà du temps.
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Présences arabes : art moderne et décolonisation, Paris 1908 1987 au Musée d'art moderne de Paris
Collectif
- Paris-Musées
- 17 Avril 2024
- 9782759605804
Une série d'études sur les trajectoires artistiques en France de plus d'une centaine d'artistes originaires de pays arabes, entre 1908 et 1987.
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Poursuivant le dialogue, entamé avec l'exposition « Coeurs », entre romantisme et création contemporaine, le musée de la Vie romantique invite l'artiste Françoise Pétrovitch à travailler en résonnance avec les collections du musée avec, en filigrane, cette question : que reste-t-il du romantisme aujourd'hui dans l'art ?
Investissant la totalité des espaces du musée, Françoise Pétrovitch propose des oeuvres spécifiquement créées pour cette exposition, explorant particulièrement les thèmes - chers aux romantiques - de la nature et du sentiment amoureux. Artiste de l'intime, elle construit un univers poétique et étrange, peuplé de personnages d'enfants et d'adolescents, travaillés au lavis et à la peinture à l'huile, parfois dans de très grands formats.
Enrichi d'un entretien inédit, d'un essai théorique et de photographies de l'artiste dans son atelier, ce catalogue offre une plongée dans l'imaginaire et l'intériorité silencieuse de cette oeuvre singulière.
