In Fine
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David Hockney : moving focus ; oeuvres de la collection de la Tate
Helen Little, Walter Pfeiffer, Collectif
- In fine
- 15 Février 2023
- 9782382031100
David Hockney est l'artiste vivant le plus célèbre de Grande-Bretagne. Explorant constamment de nouveaux points de vue, il ne manque jamais de frapper l'imagination d'un large public.
Cette publication replace son oeuvre révolutionnaire dans un vaste contexte culturel et explore la manière dont l'artiste a interrogé la nature du regard et de la représentation, depuis l'époque où il était un étudiant prometteur jusqu'à sa place parmi les plus grands artistes actuels.Avec des contributions de certaines des voix les plus passionnantes du monde de l'art, du design, de la littérature et de la performance, ce livre offre un aperçu complet de la carrière de Hockney, révélant la profondeur de son influence et la manière dont son art continue de façonner la culture moderne. -
Machins d'art : une histoire croisée de l'art moderne, l'art contemporain et l'art brut
Sébatien Delot
- In fine
- 4 Octobre 2023
- 9782382031292
Pour son quarantième anniversaire, le LaM propose une histoire croisée de l'art moderne, l'art contemporain et l'art brut à partir de sa collection.
En incluant la création d'individus autodidactes, isolés ou internés dans un inventaire qui s'étend de 1869 à aujourd'hui, le musée porte un regard décloisonné, insolite et réjouissant sur plus d'un siècle et demi de création.Le LaM est le premier musée de France à réunir dans sa collection des oeuvres d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut. Né de la donation d'art moderne de Geneviève et Jean Masurel en 1979, il est pensé dès son inauguration en 1983 comme un lieu d'accueil pour la création contemporaine. L'association L'Aracine lui fait don, en 1999, de son importante collection d'art brut constituée dans le sillage de Jean Dubuffet. Depuis, par le biais des expositions temporaires, des accrochages et de la programmation culturelle, il s'attache à écrire une histoire de l'art et de la modernité qui prenne en compte l'émergence de pratiques marginales ou singulières de la seconde moitié du XIXe siècle jusqu'à nos jours. -
Chéri Samba : dans la collection Jean Pigozzi
Elisabeth Withelaw, Jérôme Neutres, Colette Braeckman, Myriam Odile Blin
- In fine
- 25 Octobre 2023
- 9782382031506
Des rues de Kinshasa aux murs des plus célèbres institutions culturelles du monde, l'oeuvre de Chéri Samba emporte partout avec elle sa « griffe » et son propos universel. Regard de l'artiste et voix du peuple prennent vie dans des compositions colorées uniques, tantôt narratives, tantôt dénonciatrices, parfois méditatives. C'est à travers une partie de l'exceptionnelle collection d'art contemporain africain de Jean Pigozzi, et de l'histoire de celle-ci, que le public (re)découvrira et commencera à chérir Chéri Samba. Véritable figure de proue de l'« art populaire » congolais, l'artiste redouble d'ingéniosité et d'humour pour attirer l'attention du passant et du visiteur, qui ne forment dans son public qu'une seule et même personne.
Cet ouvrage qui accompagne l'exposition rétrospective au musée Maillol, sous le commissariat de Jérôme Neutres et d'Elisabeth Whitelaw, propose de nombreux éclairages sur une oeuvre aussi singulière que passionnante, qui dépasse toutes les frontières géographiques et artistiques. -
Surréalisme au féminin ?
Alix Agret, Dominique Païni, Saskia Ooms, Collectif
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- 5 Avril 2023
- 9782382031162
Mouvement provocateur et dynamique, le Surréalisme déclenche au 20ème siècle un renouvellement esthétique et éthique. Les hommes ne sont pas les seuls à avoir rendu vivants ce courant et ses transgressions : de nombreuses femmes en furent des actrices majeures mais néanmoins mésestimées par les musées et minorées par le marché de l'art.
Le Surréalisme offrit à celles-ci un cadre d'expression et de créativité qui n'eut sans doute pas d'équivalent dans les autres mouvements d'avant-garde. Pourtant, c'est souvent en s'appropriant et en étendant des thèmes initiés par les « leaders » du mouvement qu'elles exprimèrent leur liberté. C'est aussi en se dégageant de ce qui devint parfois une doxa surréaliste qu'elles s'affirmèrent. « Tout contre » le Surréalisme, c'est ainsi que l'on pourrait définir leurs positions diversifiées et complexes à l'égard du mouvement.
Des années trente aux années soixante-dix, le surréalisme féminin forme des constellations éphémères, au gré de ralliements au mouvement souvent temporaires mais aussi d'amitiés qui se nouent hors de ce cadre. L'imaginaire de ces artistes n'est pas aligné sur celui des figures masculines du mouvement. Leurs pratiques, fréquemment interdisciplinaires - picturales, photographiques, sculpturales, cinématographiques, littéraires... - expriment leur volonté d'échappées belles au-delà des normes hétérosexuelles et des frontières géographiques.
C'est une cartographie d'un mouvement éclaté et mondialisé que l'exposition esquisse en évoquant les foyers belge, mexicain, britannique, américain, praguois et français du Surréalisme que ces femmes ont enrichis, passant parfois de l'un à l'autre. -
Nouv.
Pierre Cruège : Architecte d'intérieur, créateur du XXe siècle
France Cruège De Forceville, Emmanuel Bréon
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- 22 Novembre 2023
- 9782382030332
« Homme-orchestre infatigable, Pierre Cruège a exercé tous les métiers : architecte, architecte d'intérieur, décorateur, dessinateur de systèmes ingénieux menant à des brevets, inventeur de marques dont il fournit les slogans et la typographie, directeur technique ou de la création dans des entreprises qu'il reprend, non pour les revendre mais pour les continuer et les faire vivre, créateur et éditeur de meubles, enfin, tous plus astucieux et pratiques les uns que les autres. »Cet ouvrage qui réunit une riche documentation constituée d'archives originales et inédites, recense les nombreuses créations de Pierre Cruège et nous plonge dans l'effervescence de la vie de ce créateur essentiel du XXe siècle.
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Yves Klein intime
Catherine Francblin, Denys Riout, Didier Semin
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- 2 Novembre 2022
- 9782382030844
Célèbre pour ses monochromes et pour le fameux bleu outremer qu'il a fait breveter (International Klein Blue), Yves Klein (1928-1962) est assurément l'un des protagonistes de l'art de la seconde moitié du XXe siècle. Judoka émérite, organisateur d'« actions-spectacles », Yves Klein a transformé ses modèles en « Pinceaux vivants », réalisé des « Peintures de Feu », imaginé des oeuvres immatérielles et participé à sa manière à la conquête de l'espace. Il a également beaucoup écrit et son activité est documentée par des photographies, des films et des enregistrements sonores. Ainsi l'artiste a bel et bien construit son propre mythe, la création de son oeuvre ne faisant qu'un avec la création de soi.
Mettant en regard ce récit public avec la dimension plus personnelle et intime de son oeuvre, cet ouvrage explore les liens entre le vécu de l'artiste et ses créations. Au fil des pages, ce livre nous invite parmi les intimes d'Yves Klein - ses parents, peintres, ses modèles et collaboratrices, son cercle d'amis avec lesquels il échange et crée - afin d'explorer de près sa vision de l'art, son sens de l'humour, ses relations avec la religion et la spiritualité, jusqu'à son aspiration ultime vers l'« immatériel ». -
Depuis les années 1950, un pan figuratif de l'art contemporain s'est développé à l'ombre des avant-gardes. Négligé par les institutions muséales, il a néanmoins été défendu par des galeristes exigeants et a séduit un public de collectionneurs avertis et internationaux. Ce travail du trait, de l'expression, de l'humain demande à être regardé désormais à l'aune du retour de la figuration que l'on peut constater actuellement. Accrochées dans la Ferme Ornée, une centaine d'oeuvres choisies par le critique d'art Guy Boyer permettent de retrouver 35 artistes qui n'ont pas la place qu'ils méritent, comme Dado, Jean Rustin, Gilles Aillaud et Dominique Renson, ou qui ont été récemment remis en avant par des musées comme Sam Szafran, Susanne Hay et Pierre Skira. À l'Orangerie, une exposition contemporaine présente les nouvelles tendances de la figuration en France aujourd'hui avec douze artistes (six femmes et six hommes), exposés trois par trois pendant toute la durée de l'exposition principale.
Artistes exposés : Andrew Wyeth, Jacques Truphémus, Pierre Lesieur, Tibor Csernus, Jean Rustin, Leonardo Cremonini, Dado, Avigdor Arikha, Jurg Kreienbuhl, Gilles Aillaud, Sam Szafran, Susanne Hay, Erik Desmazières, Pierre Skira, Astrid de La Forest, Malgorzata Pasko, Anna Metz, Marian Plug, Frans Pannekoek, Charles Donker, Dominique Renson, Olivier Masmonteil, François Bard, Jérôme Borel, Mouna Rebeiz, Romain Bernini, Gaël Davrinche, Youcef Korichi, Stéphane Belzère, Anahita Masoudi, Raymond Mason, Siemen Dijkstra, Gérard Schlosser, Bernard Rancillac, Catherine Viollet. -
L'argent dans l'art
Jean-Michel Bouhours, Marc-Alain Ouaknin, Jean-Joseph Goux, Patrick De Haas, Sophie Cras
- In fine
- 12 Avril 2023
- 9782382031148
Depuis le XVe siècle, où les représentations de monnaies métalliques et de scènes de transactions dans la peinture se multiplient, jusqu'au XXe siècle, où une réflexion plus intrusive dans les mécanismes de l'argent apparait, en passant par le XIXe siècle, qui voit son économie de l'art bouleversée par la naissance de l'impressionnisme et le rôle prépondérant du marchand d'art Paul Durand-Ruel, l'imaginaire produit par les artistes à propos de l'argent est riche et permanent.« La relation entre l'art et l'argent ne saurait se réduire à des considérations économiques entre valeurs et échanges. Le capitalisme a certes fait de l'oeuvre d'art une marchandise comme une autre ; pour autant, l'art impose une valeur idéelle, irrationnelle, flottante voire gazeuse, du zéro à l'infini (ou presque), car il touche à l'inquantifiable : le désir, le plaisir, le rêve, la pulsion, et exacerbe ce que Karl Marx appelait : « l'énigme de la valeur ».
Jean-Michel Bouhours, Commissaire de l'exposition -
Vladimir Baranoff-Rossiné, artiste ukraino-russe, est une figure éminemment représentative de ce qu'aura été l'artiste au XXème siècle. Né en 1889 en Ukraine à Kherson dans une famille juive, il développe un oeuvre à la fois de musicien, peintre et sculpteur d'avant-garde (cubo-futuriste, cubiste, orphiste, abstrait, biomorphiste et synesthésiste). Il meurt en janvier 1944 à Auschwitz.
C'est sans aucun doute Picasso qui résume à lui seul de manière exemplaire la complexion, tout à fait nouvelle par rapport à l'histoire européenne passée de l'art, du créateur à partir de 1910 : ayant rejeté quatre siècles d'académisme renaissant, ayant fait table rase des codes conventionnels de la représentation, l'artiste du XXème siècle se trouva condamné à la quête inlassable de procédés et de modes d'appréhension de la nature ou du monde qui soient toujours nouveaux. Il se fait Protée, comme l'a souligné André Malraux à propos de Picasso précisément.
Lorsque l'on considère l'ensemble de l'oeuvre de Baranoff-Rossiné, on est frappé par son caractère protéiforme. Les périodes les plus variées se succèdent, quelquefois se chevauchent, chaque fois si différentes dans leur style qu'il est impossible de parler de « transition » ou d'«évolution». Alchimiste de la peinture, expérimentateur infatigable, Vladimir Baranoff-Rossiné n'a cessé de créer, d'inventer, de trouver des formules originales. Créateur de son temps, il ne s'est jamais borné à une formule, il a tenu constamment son génie inventif en éveil, et s'il a laissé plus de cinq cents huiles, dessins, aquarelles, gouaches, mais son activité ne s'est pas arrêtée là. -
Fernande Olivier et Pablo Picasso : dans l'intimité du Bateau-Lavoir
Saskia Ooms, Nathalie Bondil, Cécile Debray, Anne Martin-Fugier, Marylin Mccully, Anita Hopmans
- In fine
- 26 Octobre 2022
- 9782382031049
Le Musée de Montmartre donne la parole à une femme oubliée, pourtant témoin intime d'une époque : celle de la bohème montmartroise et de la naissance de l'art moderne. Pour la première fois, une exposition et un livre sont consacrés à Fernande Olivier, modèle, écrivaine et artiste.
Cet ouvrage, étayé d'archives rares, analyse et contextualise ses écrits Picasso et ses amis (1933) et Souvenirs intimes (1988). Fernande y livre un récit touchant sur la condition féminine de son temps et dévoile l'intimité du Bateau-Lavoir : Apollinaire, Braque, Derain, Laurencin, Le Douanier Rousseau, Matisse, Max Jacob, Van Dongen et celui avec qui elle partagea sa vie de 1904 à 1912, Pablo Picasso.« Les livres concernant les artistes, peintres et littérateurs, dont je vais parler, sont muets sur leur intimité, pour la raison essentielle qu'ils n'ont raconté que ce qu'il plaisait aux intéressés de dévoiler publiquement. J'ai vécu avec eux, plus près d'eux que n'importe qui, puisque chez Picasso c'était aussi chez eux (...) J'ai vécu de leur existence, je les ai vus vivre, penser, souffrir, espérer et surtout travailler ; vivant, pensant, souffrant, espérant avec eux. Je peux donc, sans craindre de voir mal interpréter mes souvenirs, montrer leur vie secrète et laborieuse. » Fernande Olivier, Picasso et ses amis, 1933. -
César Domela (1900-1992), artiste néerlandais qui commence sa carrière dans la première moitié des années 1920 comme membre du groupe De Stijl.
Par la suite, il s'éloigne des principes du néoplasticisme et abandonne progressivement la peinture à l'huile pour réaliser des reliefs conciliant géométrie et organicisme, devenant un des maîtres incontestables du genre.
Après plusieurs séjours à Berlin, où il a l'occasion de côtoyer de nombreux artistes influents - Laszlo Moholy-Nagy, Alexander Rodtchenko, Raoul Hausmann, Naum Gabo, Kurt Schwitters, Carl Buchheister... - et de s'essayer à plusieurs pratiques telles que le graphisme, le photomontage, la typographie ou encore l'architecture d'intérieur, Domela s'installe définitivement à Paris en 1933. Il devient membre de Cercle et Carré, puis d'Abstraction Création, groupes pour lesquels il contribue activement aux revues.
Pendant la guerre, alors que l'activité artistique est considérablement réduite à Paris, il est régulièrement présent à la galerie Jeanne Bucher qui crée à l'époque un espace accueillant pour la Deuxième École de Paris en train de naître. Il y expose notamment en février 1944 à côté de Nicolas de Staël et de Wassily Kandinsky.
Après la guerre, la richesse et l'originalité de son travail ne cesseront d'être saluées, autant en France où il réside jusqu'à sa mort en 1992, qu'à l'étranger.
Composé de plus de 50 pièces, le catalogue embrasse ces différentes périodes de l'oeuvre de Domela ainsi que la diversité de supports et de techniques qu'il explorait dans son travail. -
Valadon et ses contemporaines ; peintres et sculptrices, 1880-1940
Magali Briat-Philippe, Pierre-Ggilles Girault, Anne Liénard, Collectif
- In fine
- 15 Octobre 2020
- 9782902302819
Comment devenir artiste lorsqu'on est née femme, à une époque où celles qui appartiennent au « deuxième sexe » ne peuvent accéder à l'École nationale des beaux-arts ? C'est au tournant des XIXe et XXe siècles que les femmes peintres et sculptrices vont lutter pour être reconnues comme des artistes à part entière, passant comme Suzanne Valadon du statut de modèle à celui de peintre accomplie.
Coréalisé par le monastère royal de Brou à Bourg-en-Bresse et le musée des Beaux-Arts de Limoges, cet ouvrage, Valadon et ses contemporaines, révèle le rôle méconnu des femmes dans les révolutions artistiques de la modernité naissante de 1880 à 1940, en réunissant près de 50 femmes artistes.
Célèbres comme Camille Claudel, Marie Laurencin, Sonia Delaunay ou Séraphine de Senlis, et d'autres moins connues, elles démontrent que le talent artistique n'a pas de genre.
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Au coeur du creuset créatif parisien des années 1910, la flamboyante, extravagante, russe et énigmatique baronne Hélène d'Oettingen attire dans son salon du boulevard Raspail la crème des avant-gardes.
En 1913, le salon de la Baronne devient le siège de la rédaction des Soirées de Paris (revue d'avant-garde créée par Guillaume Apollinaire et sauvée de la faillite grâce aux fortunes personnelles d'Hélène et de son cousin, le peintre Serge Férat), un haut lieu de passage et d'échanges entre les milieux artistiques et littéraires des années 1910. Apollinaire y transporte alors ses fameux « mercredis », attirant les artistes tels que Pablo Picasso, Robert Delaunay, Louis Marcoussis, Fernand Léger, Alexander Archipenko, Serge Charchoune, Natalia Gontcharova, Mikhaïl Larionov ou Francis Picabia. En 1920, plusieurs d'entre eux participent d'ailleurs au deuxième salon de la Section d'Or, groupe créé en 1912 dans l'objectif de diversifier le vocabulaire cubiste, monopolisé à l'époque par les solutions de l'« écurie Kahnweiler », limitant souvent le mouvement aux seuls noms de Braque et de Picasso.
À travers dessins, toiles, sculptures et photographies d'archives présentant l'étonnante personnalité d'Hélène d'Oettingen et de son entourage, l'ouvrage évoque à la fois le trio artistique et fusionnel formé dans les années 1910 avec Léopold Survage et Serge Férat, l'amatrice de l'oeuvre du Douanier Rousseau, ses liens avec les avant-gardes (des Futuristes italiens via Ardengo Soffici aux cubistes de la Section d'Or, des recherches abstraites de Survage aux décors de théâtre et de marionnettes), de sa relation avec Apollinaire à son oeuvre de poétesse sous le pseudonyme de Louis Pieu, de romancière sous celui de Roch Grey et de peintre sous celui de François Angiboult. -
Vieira da Silva : l'oeil du labyrinthe
Guillaume Theulière, Naïs Lefrançois, Collectif
- In fine
- 15 Juin 2022
- 9782382030639
« Dans ma peinture, on voit cette incertitude, ce labyrinthe terrible. C'est mon ciel ce labyrinthe, mais peut être qu'au milieu de ce labyrinthe on trouvera une toute petite certitude. C'est peut-être ça que je cherche. ».
VIEIRA DA SILVA, 1980.
« Je n'aime pas en général les oeuvres qui affichent leurs complications. Je préfère les oeuvres épurées mais qui laissent pressentir, deviner au loin, la complexité des choses du monde. ».
VIEIRA DA SILVA, 1987. -
Charles Camoin (1879-1965) : un fauve en liberté
Assia Quesnel, Saskia Ooms, Claudine Grammont, Collectif
- In fine
- 16 Mars 2022
- 9782382030615
Souvent qualifié de « fauve méditerranéen », Charles Camoin (1879-1965) s'est inscrit, par ses liens avec Paris et la bohème montmartroise, dans le cercle de l'avant-garde internationale. Affilié au fauvisme, lié à Matisse, Marquet et Manguin, il n'a pour autant jamais renoncé à son indépendance artistique : « En tant que coloriste, j'ai toujours été et suis encore un fauve en liberté ».
Cet ouvrage permet de redécouvrir l'oeuvre du peintre en intégrant une centaine de tableaux et dessins, dont certains inédits. Il approfondit différents épisodes historiques et thématiques de la vie de l'artiste et analyse l'évolution de son langage pictural, fondé sur la sensation colorée.
Often described as the 'Mediterranean Fauve', Charles Camoin (1879-1965)- through his links with Paris and the bohemian life of Montmartre-joined the circle of the international avant-garde. Despite his affiliation with Fauvism and his friendship with Matisse, Marquet and Manguin, he never abandoned his artistic independence: 'As a colourist, I have always been a free Fauve'.
This catalogue will enable visitors to rediscover the painter's work, and will feature one hundred paintings and drawings, some of which have never before been exhibited. It takes a closer look at some of the main historical and thematic episodes in the artist's life, and analyses the developments in his pictorial language, based on the sensations of colour.
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100 critiques, 10 ans d'art contemporain : le Prix AICA France
Elisabeth Couturier, Collectif
- In fine
- 18 Octobre 2023
- 9782382031513
Depuis 10 ans, le prix Aica-France de la critique d'art invite chaque année une dizaine de ses membres à défendre à tour de rôle le travail d'un artiste de leur choix. Chacun dispose de 6'40 », et s'appuie sur la projection d'une vingtaine d'images qui se succèdent toutes les vingt secondes. Autant d'approches différentes et de démonstrations éclairées. Autant d'analyses subjectives face à des oeuvres aux multiples résonances.
Chercheur savant et vibrant, collecteur précis et intuitif, le critique d'art entremêle sensibilité et connaissances pour créer des ponts inédits entre analyse et fiction, réalité et poésie, actualité et utopie... -
Les multiples centres d'intérêts extra-artistiques de Kupka - anatomie, astronomie, chimie, histoire naturelle, philosophie, phénomène de synesthésie et ésotérisme - l'orientaient depuis longtemps vers l'abandon de la figuration. Ce passage, comme dans le cas de Kandinsky, se fait en lien direct avec la musique.
Au début des années 1920, l'artiste s'intéresse particulièrement à la relation entre l'esthétique de la nature, les sciences, et l'art. Son oeuvre est dominée par des formes irrégulières et organiques, s'inspirant des phénomènes physiques incarnant les forces vitales.
Vers la fin de la décennie, suite à une période de crise, l'artiste est à la recherche d'autres solutions stylistiques et s'engage dans la voie de la géométrisation et de l'épuration des formes. D'un côté, il réintroduit dans ses oeuvres des éléments tirés de la réalité, découvre l'esthétique des machines et l'univers de la musique jazz qui lui permettent de revenir sur les interrogations plus anciennes concernant le mouvement et le rythme.
La profusion des couleurs, caractéristique pour l'oeuvre de Kupka, a sa contrepartie dans un recours distinctif au noir et blanc et dans la mise en valeur de leur antagonisme.
Reproduction du portfolio des Quatre histoires de blanc et noir de 1926. -
Unica Zürn (1916-1970) est une artiste du XXe siècle et une femme d'exception. C'est toute l'ambition de cet ouvrage que de redonner une place d'artiste à part entière à celle dont le destin, souvent qualifié de tragique, a pris le pas sur la création.
Malgré une oeuvre aujourd'hui très dispersée dans de nombreuses collections, c'est près de soixante-dix dessins et gravures qui sont rassemblés ici, la plupart ayant été réalisés pendant son séjour à l'hôpital Sainte-Anne, au début des années 1960. Documents d'archives et photographies permettent de mieux appréhender encore son travail de dessinatrice, de peintre et d'écrivain. -
How Kahlo collected, celebrated and depicted Mexican folk arts in both her painting and her persona.
The visionary and supremely self-fashioning artist Frida Kahlo (1907-54) drew inspiration throughout her career from arte popular--painted ceramics, embroidered textiles, religious votives, effigies and children's toys, and other objects created in Mexico's rural and Indigenous communities. The hundreds of folk-art objects that filled her home and studio attest to her nationalist politics and her fascination with the work of carvers, weavers, sculptors of papier-mâché and vernacular painters. She depicted these objects in her paintings and adopted elements of traditional dress and ornament in her own self-presentation, playing on modernist fascination with folk culture and on her own relation to layered Mexican identity.
This bilingual book, the first in-depth exploration of Kahlo's varied and sophisticated responses to arte popular, situates her within the broad artistic and intellectual movements of her time, examines her professional ambitions and illuminates the innovative techniques she used in her lifelong encounter, both playful and powerful, with the folk art of Mexico. -
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