Cet ouvrage richement illustré est le catalogue officiel en français de l'exposition David Hockney 25 (du 9 avril au 1er septembre) à la fondation Louis Vuitton. Cette présentation exceptionnelle de plus de 400 oeuvres de 1955 à 2025 se concentre donc sur les 25 dernières années de création du grand artiste. Elle s'appuye sur un ensemble majeur provenant de l'atelier de l'artiste et de sa fondation, des prêts de collections internationales, institutionnelles ou privées. L'exposition réunira des créations réalisées avec les techniques les plus variées - des peintures à l'huile ou à l'acrylique, des dessins à l'encre, au crayon et au fusain, mais aussi des oeuvres numériques (dessins photographiques, à l'ordinateur, sur iPhone et sur iPad) et des installations vidéo.
Paru en 1971 dans ArtNews, "Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? " a fait date dans l'histoire de l'art. Largement reconnue comme la première historienne de l'art féministe, Linda Nochlin démantèle la notion de génie artistique codée par les hommes et dévoile les structures institutionnelles et sociales qui ont tenu les femmes à l'écart des carrières artistiques pendant des siècles.
Elle consacre ensuite une longue étude à la figure de l'artiste Rosa Bonheur et sa place dans la société. Rédigé il y a plus de trente ans mais toujours très actuel, ce texte a été publié pour la première fois en français en 1993 au sein du recueil désormais épuisé Femmes, Art et Pouvoir (éd. Jacqueline Chambon). Il fait ici l'objet d'une nouvelle traduction. En français, le titre de l'ouvrage a toujours été traduit au masculin, puisque le recours à l'idée de grandeur dans l'histoire de l'art a systématiquement été formulé par des hommes, sur des hommes.
De fait, le féminin en a été purement et simplement exclu. Pour cette édition, ce livre est accompagné d'un appendice de Linda Nochlin appelé "Trente ans plus tard", où elle commente l'émergence de nouvelles artistes, notamment Joan Mitchell, Louise Bourgeois et Cindy Sherman.
Images à la Sauvette (The Decisive Moment dans sa version américaine) est l'un des plus grands livres de photographie jamais publiés. Il regroupe le travail photographique des vingt premières années de la carrière d'Henri Cartier-Bresson. Fruit des efforts réunis du photographe, du célèbre critique et éditeur d'art Tériade, et d'un peintre alors à l'apogée de sa carrière, Images à la Sauvette sort en 1952 chez Verve, avec une couverture originale de Matisse. La version américaine, publiée la même année par les éditeurs Simon and Schuster, allait imposer, sans le savoir, la formule d'« instant décisif ». L'ouvrage original, aujourd'hui épuisé, est devenu une pièce de collection. La Fondation Henri Cartier-Bresson a souhaité rendre de nouveau accessible ce livre de photographie historique dans un nouveau format. La nouvelle édition conserve l'ensemble des éléments présents dans l'original de 1952. Elle est augmentée d'une étude de Clément Chéroux, directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson, des conditions de réalisation de l'ouvrage, de son succès critique ainsi que des enjeux derrière le choix du titre.
Ce nouveau livre d'Invader est conçu comme une time capsule qui restera consultable quand Instagram, les smartphones ou même Internet auront disparu et auront été remplacés par d'autres technologies. Alors, on pourra parcourir cet « instabook », témoignage de dix années d'activités d'un artiste sur le grand réseau social d'une époque.
En feuilletant un vieil album de famille, Serge Tisseron s'étonne de ne pas y trouver une photographie dont il garde un souvenir précis. Il la dessine, puis la recrée avec l'aide de l'IA. Quelques semaines plus tard, la découverte fortuite de l'original révèle une image différente ! Ainsi débute une enquête quasiment policière sur le fonctionnement de la mémoire, mais aussi sur le pouvoir qu'auront bientôt les IA de rendre visibles nos souvenirs les plus intimes dans des photographies bien réelles. Comment vivrons-nous chacun cette situation, individuellement et en famille ?
Ce catalogue, publié à l'occasion d'une exposition d'Invader au MIMA de Bruxelles, revientent sur sa pratique du Rubikcubisme. Le terme, inventé par l'artiste en 2005, fait référence à son travail d'atelier autour du Rubik's cube, célèbre casse-tête coloré, avec lequel il crée des tableaux et sculptures.
On a longtemps cru qu'il ne s'agissait que d'un problème de temps de pose. Dès lors que l'instantanéité était atteinte, les sourires réprimés par les durées d'exposition des procédés anciens devaient logiquement s'épanouir. Mais une analyse plus fine de cette évolution montre au contraire l'influence déterminante du cinéma. Pendant la seconde moitié du XIXe siècle, la photographie n'a fait que prolonger les conventions du portrait en peinture, où une mine sévère exprime la maîtrise des émotions dans l'espace social. Cette règle évolue avec l'arrivée du cinéma muet, qui déploie une expressivité surjouée, encore intensifiée par l'effet de loupe du gros plan. Le succès que rencontre cette lisibilité gestuelle s'étend dès les années trente à la photographie, où la nouvelle convention du portrait souriant coïncide avec l'essor du format magazine et de la publicité visuelle.
Un jeu de neuf familles pour s'initier au design, découvrir ses champs d'application, notamment dans le quotidien, et parcourir les mouvements successifs depuis le XIXe siècle.
Fort de l'expérience d'une vie passée à créer sans relâche, David Hockney, en collaboration avec le critique d'art Martin Gayford, nous raconte comment et pourquoi nous produisons des images depuis des siècles. Il rassemble une grande variété d'images, faisant tomber les barrières entre regard savant et culture populaire. Sa grande qualité est de savoir tisser des liens inattendus mais toujours pertinents, de mêler les périodes et les supports pour nous raconter l'histoire des images avec une facilité surprenante et nous aider à réenvisager des peintures qui nous semblaient familières. Cette nouvelle édition enrichie d'un chapitre supplémentaire se présente dans un format réduit et maniable, plus propice à la lecture.
Rapport à la couleur, outils numériques, redécouverte du paysage, ce joli petit volume en français permet d'aborder le travail de David Hockney avec les mots de l'artiste.
Studies the evocative work of French artist Françoise Pétrovitch through the lens of absence.
Françoise Pétrovitch, born in 1964, is among the most distinguished contemporary artists in France. Her art reveals ambiguous, often transgressive worlds that play with conventional boundaries and defy interpretation. The intimate, the fragment, the disappearance, as well as themes such as doppelgängers, transition, and cruelty, run through her works, which are populated by animals, flowers, and creatures and whose atmosphere, alternately bright or nocturnal, rarely leaves a viewer untouched.
Framed by the topic of absence, this volume features new and recent drawings, prints, and video art by Françoise Pétrovitch. Absence can be agonizing, a tragedy. As a counterpart to presence, it is characterized by longing and projection; it describes the passing of time, distance, and lack. Richly illustrated and with essays on Pétrovitch's art and the various techniques she uses, the book offers a deep look into the worlds she creates.
Luxuriate in the pages of The Antiquarian Sticker Book: Bibliophilia, a compendium of thousands of gorgeous stickers for lovers of beauty and books.
Here, quotes from classic pieces of literature are illuminated in sticker form. Adorn your collage or junk journal with a quote or sticker to add another dimension to your project.
Peel and decorate or browse and feast on the beauty of this lush sticker book unlike any other. A treasure trove of authentic historical prints from the ornate Victorian era can live on its own, be used on stationary and wrapping, or create an amazing collage.
Featuring beautiful, recognizable, wacky, odd, and inspiring quote stickers from many beloved authors, The Antiquarian Sticker Book: Bibliophilia has something for everyone.
L'affiche est un des supports de prédilection du designer graphique et constitue un élément majeur de sa pratique du fait de sa forte visibilité dans l'espace public. Ce manuel propose une étude à la fois historique et contemporaine, conceptuelle et pratique de cet objet graphique afin de donner les outils indispensables pour aborder ce sujet avec discernement, ambition et envie. Avec plus de 250 images, l'exposé aborde toutes les typologies de discours, de l'affiche de propagande et politique à l'affiche commerciale en passant par l'affiche culturelle.
La collection des manuels M.A.X est consacrée au design graphique. Ils s'adressent aux étudiants et aux enseignants, aux praticiens et à leurs commanditaires. Didactiques, ces manuels largement illustrés abordent de manière méthodique et précise les domaines spécifiques liés à la pratique du design graphique : typographie, identité visuelle, affiche, etc. Imprimé sur papiers Fedrigoni Sirio Color et Arcoprint par l'imprimerie Chirat.
Kubin's eerie, unsettling illustrations reveal his preoccupation with the world's evils
For Austrian artist Alfred Kubin (1877-1959), evil was intrinsic to his life and work. After a traumatic childhood growing up in Zell am See and subsequent mental crises, he began his artistic training in Munich in 1898. He processed his nightmares and obsessions in a large number of fantastical drawings. His subjects, perpetually pessimistic, remain relevant a century later: war, famine, pestilence, death and every horror in between. Kubin had a pronounced fear of the feminine, sexuality, night time and of being at the mercy of fate, all of which visited him in uncanny dreams. For Kubin, the aesthetic of evil proved to be the antithesis of the idyll: the deliberate suppression of a hideous reality.
Drawn from the Albertina Museum's collection of over 1,800 drawings by the artist, The Aesthetic of Evil displays Kubin's grotesque vision as well as his superb draftsmanship. Amid the violent, haunting atmosphere of his graphic works it is easy to see how Kubin became trapped in his dark visions, to the point where the inexhaustible, intangible specter of evil consumed his life. Essays by Elisabeth Dutz, Natalie Lettner and Brigitte Holzinger explore Kubin's cosmos of the sinister: his personal iconography of evil fueled by his nightmares and obsessions.
À l'occasion de l'exposition Miquel Barceló, océanographe, le NMNM (Nouveau Musée National de Monaco) et JBE Books co-éditent un ouvrage rétrospectif et thématique incarnant le travail de l'artiste ces 40 dernières années.OEuvres, photographies et textes de grandes voix contemporaines créent ainsi une entrée dans la pratique de l'artiste.
Un beau catalogue en français qui revient sur la relation du célèbre artiste au monde marin : les aquarelles et carnets de dessins de poulpes, crevettes et autres daurades sont accompagnés de textes de Chantal Thomas et Marie Darrieussecq ainsi que d'un entretien de Miquel Barceló par Hans Ulrich Obrist.
Celebrating the awe and wonder of the Arctic Circle region through visual art from the 19th and 20th centuries.
Vast, impenetrable coniferous forests, "white" summer nights, the perpetual darkness of snowy winters and the famous aurora borealis-the Arctic Circle is a fascinating, if unforgiving, region. The Fondation Beyeler and the Buffalo AKG Art Museum present an exhibition dedicated to this phenomenon with a stunning selection of 19th- and 20th-century paintings by artists from Scandinavia, Finland
Documenting the great, late, neglected work of a modernist master
The French avant-garde painter Francis Picabia (1879-1953) was one of the great innovators of 20th-century modernism, with a career defined by his restless, visionary approach. In 1945 he settled permanently in Paris and in his final years returned to abstract painting. This book delves into Picabia's practice between the years 1945 and 1953?an incredibly rich yet largely unknown period during which Picabia created paintings unlike anything he had produced before. Essays by art historian Arnauld Pierre and scholar Candace Clements shed new light on the hidden signs and symbols buried in his abstractions, the new painting techniques he employed, and the mysterious and fantastical reappearance of the "dot" in his work. Eternal Beginning is an essential resource, marking the first in-depth exploration of a crucial period in Picabia's practice.
Depuis la naissance de la ruche moderne en 1852, la construction des ruches ne fait plus preuve d'innovation structurelle. En privilégiant la ruche cubique standardisée, l'apiculture tourne le dos à 4 400 ans de diversité architecturale. Ce bref ouvrage s'intéresse à la période qui précède l'homogénéisation, en remontant jusqu'à - 2 400. Le rejet d'un récit figé permet au polymorphisme de prendre le pas sur la linéarité. L'histoire des ruches est racontée d'un nouveau point de vue, à travers le graphisme, la photographie et le texte. 375 illustrations donnent un aperçu de l'histoire prolifique de l'architecture destinée aux non-humains.
Les oeuvres dites " à protocoles " peuvent être " activées " sur la base d'instructions laissées par l'artiste. Ce livre, qui accompagne l'exposition " mode d'emploi ", est unique, généré par des scripts informatiques qui proposent d'imaginer l'activation de ces oeuvres à protocoles dans l'espace même du livre.
Accompagnant l'exposition " mode d'emploi ", visible à Strasbourg à l'automne 2024, ce livre prend une forme originale. L'exposition, qui tire son titre du chef-d'oeuvre de Georges Perec, La Vie, mode d'emploi, met en lumière les oeuvres dites " à protocoles ", une forme d'art où l'oeuvre se manifeste à partir d'instructions données par l'artiste. Ces instructions peuvent être écrites, orales ou dessinées, permettant à l'oeuvre d'être matérialisée uniquement pendant le temps de son exposition. Ce modèle de création, qui s'est développé depuis les années 1960, remet en question les notions d'auteur et d'originalité.
Dirigée par les commissaires Anna Millers et Philippe Bettinelli, cette publication rassemble des textes critiques de Clémentine Hébrard et Sara Martinetti, ainsi que des entretiens exclusifs avec les commissaires, Béatrice Josse et Hans Ulrich Obrist. Chaque oeuvre présentée dans l'exposition fait l'objet d'une notice détaillée. La conception graphique, assurée par le studio E+K -; Élise Gay & Kévin Donnot, utilise des programmes informatiques pour générer chaque exemplaire du livre, rendant chaque copie unique : les graphistes ont en effet programmé une série d'instructions pour chaque oeuvre, créant des schémas abstraits permettant d'imaginer une " activation " de chaque oeuvre, différente pour chacun des 800 exemplaires imprimés. Chaque copie du livre devient donc une activation du protocole du livre, offrant 800 variations uniques de schémas pour les 50 oeuvres présentées.
