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Citadelles & Mazenod
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Le style Art Déco : Grands créateurs et collectionneurs
Alastair Duncan
- Citadelles & Mazenod
- 9 Octobre 2024
- 9782386110306
LE LIVRE
Depuis ses origines aux lendemains de la Première Guerre mondiale, l'Art déco se diffuse rapidement à l'échelle internationale grâce à une clientèle fortunée désireuse de singulariser ses intérieurs avec un mobilier avant-gardiste et de luxueux objets. Les grands noms de la mode française (Jacques Doucet, Jeanne Lanvin, Madeleine Vionnet) et de riches collectionneurs (la duchesse d'Albe, Georges et Florence Blumenthal, le Maharaja d'Indore...) sont séduits par son modernisme, l'épure de ses formes, la préciosité de ses matériaux, le rafinement de son ornementation.
L'appellation actuelle d'"Art déco" voit le jour lors de sa renaissance dans les années 1960. Karl Lagerfeld et Yves Saint Laurent comptent parmi les illustres passionnés d'un style qui s'inscrit dans une tradition d'élégance française qui leur est chère. Enfin, une troisième génération de collectionneurs investit les salles de vente dans les années 1980 et 1990, en quête des créations et des signatures les plus convoitées.
Illustré des réalisations légendaires d'Eileen Gray, Paul Iribe, Antoine Bourdelle, Armand-Albert Rateau ou Jean Dunand, cet ouvrage rédigé par un éminent spécialiste nous invite à la rencontre des figures majeures, amateurs et designers, qui ont marqué l'histoire de l'Art déco, un style dont l'attrait s'exerce encore puissamment de nos jours. -
LE LIVRE
Comment les peintres ont-ils affronté ce défi que représente la peinture du ciel ? De quelle manière en effet rendre ce mixte d'air et d'eau, cette presque immatérialité de l'atmosphère, cette profondeur infinie qui semblent en contradiction avec l'épaisseur de la matière picturale et la frontalité du tableau ?
Explorant un sujet qui n'avait jusqu'alors pas fait l'objet d'une approche globale, l'auteur étudie ces questions tant d'un point de vue artistique, en mettant notamment l'accent sur le traitement de la lumière, de la perspective et de la couleur, que d'un point de vue historique. Du motif céleste comme espace divin au ciel comme expérience pleinement picturale, il parcourt la peinture occidentale du Moyen Âge à l'époque contemporaine, des mosaïques byzantines au paysagisme abstrait.
Riche d'arguments techniques, esthétiques, philosophiques, scientifiques et théologiques, ce livre ouvre une vaste réflexion sur un sujet passionannt. Invitation à la contemplation, aux rêveries littéraires et poétiques, il convie aussi le lecteur à une magnifique envolée artistique - entre ciels limpides et ciels tempétueux, ciels de l'aube et ciels nocturnes -, sous l'éclairage des grands maîtres de la peinture.
"Je veux maintenant absolument peindre un ciel étoilé. Souvent il me semble que la nuit est encore plus richement colorée que le jour, colorée des violets, des bleus et des verts les plus intenses. Lorsque tu y feras attention tu verras que certaines étoiles sont citronnées, d'autres ont des feux roses, berts, bleus, myosotis."
(Lettre de Van Gogh à sa soeur Wilhelmina, septembre 1888)
L'AUTEUR
Daniel Bergez est agrégé de l'Université, docteur d'État ès lettres et sciences humaines et spécialiste des études littéraires. Depuis quinze ans, ses travaux et publications portent sur les rapports entre littérature et peinture : Littérature et peinture (A.Colin), Peindre, écrire. Le dialogue des arts (La Martinière) ; et sur les peintres : Le Salon et ses artistes (Hermann), Gao Xin Jian, peintre de l'âme (Seuil).
Il a déjà publié chez Citadelles & Mazenod Écrire l'amour, Peindre le rêve, Écrire la nature et Écrire la mer. -
« Une peinture n'est pas la repre sentation d'une expe rience. C'est l'expe rience me me. »
Mark Rothko
Mark Rothko, apre s son installation aux E tats-Unis, commence a peindre au de but des anne es 1930. Si ses oeuvres figuratives du de but sont marque es par l'influence de la mythologie antique et du surre alisme, il s'oriente de s les anne es 1940 vers une esthe tique abstraite avec sa se rie des Multiformes, puis celle des Classiques et des Black and Grays.
Ses couleurs sature es aux formes flottantes et expansives invitent a une expe rience sensible, tactile, laissant au spectateur sa part de cre ation dans l'oeuvre. Cette vision du peintre aspire a un langage universel s'adressant a tous, loin de l'intellectualisation et des processus techniques de re alisation.
Derrie re un apparent myste re et un caracte re insaisissable empreints de spiritualite , ses toiles convient par leur impact e motionnel a interroger l'horizon de nos origines, de notre destine e, de notre existentialite .
« Les oeuvres de Rothko sont des tableaux vivants ! C'est un art habite par l'observateur, anime et constamment revivifie par des vivants. » (Christopher Rothko) -
Née en novembre 1887 dans le Wisconsin, Georgia O'Keeffe étudie à l'Institut d'art de Cicago et à la Ligue des étudiants en art de New York. Figure incontournale du cercle d'Alfred Stieglitz, éminent photographe et galeriste new-yorkais dont elle sera la muse et la compagne, elle est au centre de l'effervescence de l'art américain au début du XXe siècle.
Tout au long du siècle, elle dessine en pionnière une voie qui lui est propre, entre figuration et abstraction, modernisme et primitivisime, végétal et minéral, nature et architecture. Ses vues urbaines, ses fleurs, ses paysages hypnotiques - rives sylvestres du Lake George, plaines et canyons du Texas, panoramas désertiques du Nouveau-Mexique ... -, ses squelettes et os d'animaux, souvent en gros plans, forment des motifs récurrents qui s'inscrivent dans un courant biomorphique et subjectif en rupture avec l'abstraction géométrique.
À travers cette monographie de référence, Citadelles & Mazenod invite ses lecteurs à célébrer l'originalité et la singularité d'une artiste visionnaire, en présentant un panorama iconographique d'une ampleur sans précédent. -
LE LIVRE À la fin du XIXe siècle au sein du groupe des Nabis, Bonnard participe activement à la construction de la modernité esthétique. Sa peinture propose des formules inédites et radicales de transformation de l'espace et de la narration. Il milite en faveur d'un art décloisonné englobant toutes les techniques et abolissant la hiérarchie traditionnelle des genres. Amoureux de l'art du Japon et des estampes en particulier, l'artiste adopte leur formule d'un espace bidimensionnel et l'utilisation d'aplats de couleur. Le déferlement des avant-gardes au début du xxe siècle relègue Bonnard à l'arrière-plan de la scène artistique parisienne. Discret et modeste, le peintre poursuit avec opiniâtreté ses recherches révolutionnaires sur la couleur, la lumière, la matière et l'espace, puisant son inspiration dans son environnement familier tout en se faisant l'écho des angoisses du monde contemporain.
Abordant toutes les facettes de sa création selon un découpage combinant chronologie et thématiques, ce livre révèle la variété des sujets d'un oeuvre nourri par l'intimité, les lieux où il résidait - Paris, la Normandie, la côte d'Azur - et ses sociabilités. Il éclaire également les enjeux esthétiques qui sous-tendent son engagement dans la voie de la modernité pour donner la pleine mesure de son génie. La justesse de ses sensations visuelles, traduites par des variations infinies et subtiles de couleurs et de formes, fait de Bonnard un artiste universel qui ne cesse de nous émerveiller. -
Le 16 mars 1955, Nicolas de Staël, âgé de 41 ans, se donnait la mort à Antibes, laissant une oeuvre considérable - des milliers de peintures, dessins et gravures. Sa figure s'entoura très vite d'une aura de légende. Travailleur intransigeant et passionné, le peintre a marqué par la fulgurance de dix années d'intense création l'art de l'après-Seconde Guerre. Des enchevêtrements abstraits au milieu des années 1940 aux aplats lisses irradiants de ses deux dernières années, son cheminement l'a conduit à éprouver la peinture dans un éternel questionnement, renouvelant sans relâche le motif, l'espace, la lumière, la couleur, le volume et le trait.
Cette monographie, avantageusement illustrée, retrace la biographie de cet artiste emblématique et l'évolution formelle de son oeuvre en le replaçant dans le contexte de son époque.
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Ouvrage de référence, L'Aquarelle étudie au fil d'une remarquable iconographie, le développement de l'aquarelle occidentale en tant que technique - singularisée par la polychromie et l'exigence de transparence -, et en tant que genre à partir de la fin du XVIIIe siècle, depuis la pratique du dessin colorié dans l'enluminure médiévale jusqu'aux lavis libres et éclatants de couleurs des artistes de l'abstraction. Portée par les paysagistes, les artistes naturalistes puis les jeunes avant-gardes, elle connaît sa période d'apogée dans le derniers tiers du XIXe siècle. Vers la fin du siècle, c'est en France que s'est déplacé l'épicentre de la modernité : Johan Barthold Jongkind, Paul Cézanne et, dans une moindre mesure, Paul Signac - héritier de Delacroix - seront à l'origine des révolutions majeures pour l'histoire de l'aquarelle au XXe siècle.
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LE LIVRE Les éditions Mermod publient en 1951 une édition de luxe de Pour un herbier, illustré par Raoul Dufy. Cet ouvrage est le fac-similé du n° LXXXIX (exemplaire réservé à l'artiste et aux collaborateurs) de l'édition originale, conservé à la biblliothèque de l'Institut national d'histoire de l'art, au sein de la prestigieuse collection Jacques Doucet.
La rencontre entre Colette et Dufy était celle de sensibilités voisines. Souvent, dans les derniers temps, Colette me demanda à revoir cet ouvrage.
Maurice Goudelek (dernier époux de Colette), dans Près de Colette, Flammarion, p.247-248 -
Au tournant du XIXe siècle, Vienne, capitale du vaste empire austro-hongrois, devient l'épicentre d'une pensée avant-gardiste qui s'exprime contre le conservatisme ambiant, symbolisé par les façades néo-classiques de la Ringstrasse. Musique, littérature, philosophie, arts plastiques ouvrent de nouvelles voies à la perception. Les cafés de la vieille ville s'animent de l'effervescence de cette émulation créatrice. C'est l'époque de Sigmund Freud et de Ludwig Wittgenstein, de Gustav Mahler et d'Arnold Schonberg, de la Sécession (1897-1905) - courant conduit par les artistes Gustav Klimt, Joseph Hoffmann et Koloman Moser qui ambitionnent de rassembler les arts en une Gesamtkunstwerk, une oeuvre d'art totale. Dans cet esprit, la Wiener Werksätte, atelier fondé en 1903, réunit architectes, décorateurs, stylistes et artisans pour diffuser auprès du plus grand nombre cette nouvelle esthétique de la modernité.
Avec ses quelque mille illustrations et plus de soixante artistes abordés, cette synthèse exceptionnelle menée par trois spécialistes de renom expose l'extrême fécondité de cette période dans tous les champs de la création ; peinture, dessin, arts décoratifs mais aussi architecture, photographie et arts appliqués tels que le graphisme, la verrerie, la joaillerie, la mode ... Un éclairage particulier est donné au rôle de la femme dans toutes ces disciplines. -
LE LIVRE L'émergence de l'abstraction au début du XXe siècle a mené à un changement total de paradigme. Cet ouvrage vise à retracer l'épopée de ces oeuvres qui s'émancipent du réel et la rupture majeure auquel cela a conduit en histoire de l'art.
NI absence du monde, ni sacrifice de la signification, l'abstraction vise un langage universel, en lien étroit avec les mutations technologiques de la société portées par les nouveaux médias, de la photographie au cinéma jusqu'à la vidéo et la révolution des cultures numériques.
Ce champ élargi des pratiques de l'art abstrait oblige à repenser la géographie globale de son histoire et de ses développements, en prenant en compte les circulations mondiales de cette aventure de l'esprit et des fomes.
Des aquarelles de William Turner aux expérimentations cybernétiques dans l'art contemporain, ce voyage en abstraction montre à l'échelle internationale - de l'Europe au Japon en passant par l'Amérique latine et les États Unis - la pluralité des formes, des pratiques et des concepts qui ont nourri cette quête. -
LE LIVRE A la lisie re entre l'essai personnel et la recherche, cet ouvrage e tudie les rapports qu'ont entretenu les artistes avec le visage au cours des xxe et xxIe sie cles. Si la dimension chronologique n'est pas absente de cette re flexion, le parcours du livre est toutefois the matique et e taye de points monographiques, plus particulie rement consacre s a l'analyse d'oeuvres d'artistes repre sentatifs : Giacometti, Bacon, Bonnard, Spillaert, etc. Au xxe sie cle, portrait ou visage, miroir social ou miroir de l'a me, semblent s'effacer partiellement. Les artistes proce dent plus par allusions que par descriptions : traces ou fragments, effacements ou recouvrements, fanto mes e vanescents. A l'e preuve de l'histoire des conflits et ge nocides du xxe sie cle, les visages s'ane antissent en forme spectrale ou s'e rigent en images de me moire. Paradoxalement, dans les anne es 1960, aux visages en voie de disparition s'opposent ceux qui sont omnipre sents, c'est le « retour au visage » ope re par le Pop Art et l'hyperre alisme ou la figure humaine devient l'e le ment d'un imagier de cline en se rie. Pour clore sa re flexion, l'auteur interroge les visages de l'absence : ceux qui n'ont pas droit a la parole ou pluto t a la repre sentation. Ces « visages d'exil » illustrent la violence d'un sie cle marque par les exodes. Masques, caricatures, portraits, faces, photomatons, se ries, selfies, transhumanisme, les visages repre sente s par les artistes n'ont pas fini de se transformer et de nous surprendre.
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Le présent ouvrage vise à cerner au plus près le style qui s'affirme entre 1905 et 1923 et qui a ses propres caractéristiques formelles et thématiques. Rapidement, il sera associé à l'Allemagne qui y voit émerger ses 2 mouvements principaux et fondateurs : la Brücke (le Pont) avec Erich Heckel et Ernst Ludwig Kirchner notamment, et le Blaue Reiter (le Cavalier bleu) avec, entre autres, Wassily Kandinsky et Franz Marc. Toutefois l'expressionnisme se propage également en Autriche mais aussi en Belgique et en France et laissera ses traces au-delà du début du xxe siècle, puisque l'on retrouve bien plus tard aux États-Unis l'appellation d'« expressionnisme abstrait » et celle, en Allemagne, de « néo-expressionnisme ».
L'ouvrage se propose de retracer l'histoire de ce mouvement en la replaçant dans un contexte artistique en mutation et en mettant en avant les parcours et les oeuvres de ses représentants. -
Art déco ; encyclopédie des arts décoratifs des années vingt et trente
Alastair Duncan
- Citadelles & Mazenod
- 15 Septembre 2010
- 9782850883019
L'histoire de l'Art déco épouse celle de notre modernité. Né dans les grandes villes d'Europe et d'Amérique, contemporain du jazz, de l'automobile et des...? Lire la suite gratte-ciel, il a traversé deux guerres mondiales ainsi que la crise des années trente, et modelé notre environnement, du Golden Gate Bridge de San Francisco aux modestes lampes de nos bureaux. De tous les styles décoratifs du XXe siècle, l'Art déco est le plus élaboré. Il s'est développé, dans ses formes les plus pures, à partir d'une conception typiquement française du luxe et du raffinement, qui privilégiait souvent dans les années vingt les matériaux exotiques et précieux. En Europe comme en Amérique, le style paquebot , que l'on assimile désormais à l'Art déco, utilisa par la suite le métal et le plastique. Si Paris fut sa capitale spirituelle, l'Art déco eut en réalité une portée mondiale puisque les créateurs de tous les pays d'Europe et d'Amérique puisèrent dans les traditions artistiques et artisanales les plus variées, de l'Egypte pharaonique et de la Méditerranée antique aux colonies d'Asie et d'Afrique. Dans l'ouvrage le plus complet jamais publié sur les arts décoratifs de cette période, Alastair Duncan rend hommage à la richesse formelle et à la diversité internationale de l'Art déco, qui n'a cessé de séduire les collectionneurs et d'inspirer les créateurs. L'ouvrage est constitué d'une série d'essais sur les principaux arts décoratifs de la période : mobilier et décoration intérieure ; sculpture ; peinture, illustration, affiche, reliure ; verrerie ; céramique ; luminaire ; textile ; orfèvrerie, art du métal, laque, émail ; joaillerie. Chaque essai est suivi d'une biographie détaillée des plus grands artistes de la discipline. Un répertoire illustré de plus de quatre cents artistes, décorateurs et fabricants parachève cette somme unique consacrée à l'Art déco. Magnifiquement illustré et rédigé par l'un des plus grands experts mondiaux, cet ouvrage s'imposera comme la référence majeure sur l'Art déco pour de nombreuses années.?
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Technique de reproduction née au XX e siècle, la photographie se démocratise dans le courant du siècle suivant. Instrument de travail exceptionnel, ce « troisième oeil » permet aux peintres d'explorer un nouveau champ des possibles, entraînant le renouvellement de leur approche artistique et picturale. Parfois confinées à la sphère de l'intime, conservées dans des archives ou des albums de famille, ces photographies témoignent d'une nouvelle forme d'exploration du réel et d'un regard neuf porté sur le monde. Outil de travail, oeuvre à part entière ou pratique vernaculaire, cet ouvrage retrace l'histoire de la photo- graphie à travers l'oeil visionnaire de ces artistes.
Parmi les artistes : Edgar Degas, Thomas Eakins, Paul Richer, George Hendrik Breitner, Charles-François Jeandel, Alphonse Mucha, François Rupert Carabin, Edvard Munch, Vassily Kandinsky, Pierre Bonnard, Jean Édouard Vuillard, Maurice Denis, José Maria Sert, Ernst Ludwig Kirchner, Charles Sheeler, Josef Albers, René Magritte, Hans Bellmer, Balthus, Wols, Bernard Dufour, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Cy Twombly, Sol LeWitt, Gerhard Richter, David Hockney, Edward Ruscha, Sigmar Polke...
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Bernard Buffet ; les années 1950, entretien avec Pierre Bergé
Jérôme Coignard
- Citadelles & Mazenod
- 12 Octobre 2016
- 9782850886836
À l'occasion de la grande rétrospective consacrée à Bernard Buffet au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris à partir d'octobre 2016, ce livre revient, non sans prendre en compte les années 1946-1949 qui ont vu s'affirmer un artiste majeur, sur la période 1950-1958 que le peintre a partagée avec Pierre Bergé.
Sa connaissance de l'histoire de l'art et des grands maîtres l'a incité à réinventer la peinture en accordant une importance particulière au dessin. Une palette réduite, l'austérité des sujets traités, un certain "misérabilisme" de ses figures ont pu faire rapprocher son oeuvre du réalisme poétique du cinéma français des années 1930-1940 -une oeuvre que cet ouvrage invite à découvrir et à s'approprier à travers 100 reproductions et un entretien exclusif avec Pierre Bergé.
