" Le livre que le monde entier s'arrache." Le Figaro.

"Une ode à la beauté et à la sagesse." Le Parisien.

" Les Yeux de Mona n'est pas seulement un roman d'initiation à l'art; il est aussi un conte universel". La Croix.

Cinquante-deux semaines : c'est le temps qu'il reste à Mona pour découvrir toute la beauté du monde.

C'est le temps que s'est donné son grand-père, un homme érudit et fantasque, pour l'initier, chaque mercredi après l'école, à une oeuvre d'art, avant qu'elle ne perde, peut-être pour toujours, l'usage de ses yeux.

Ensemble, ils vont sillonner le Louvre, Orsay et Beaubourg.

Ensemble, ils vont s'émerveiller, s'émouvoir, s'interroger, happés par le spectacle d'un tableau ou d'une sculpture. Empruntant les regards de Botticelli, Vermeer, Goya, Courbet, Claudel, Kahlo ou Basquiat, Mona découvre le pouvoir de l'art et apprend le don, le doute, la mélancolie ou la révolte, un précieux trésor que son grand-père souhaite inscrire en elle à jamais.

Grand roman d'initiation à l'art et à la vie, histoire d'une relation solaire entre une petite fille et son grand-père, Les Yeux de Mona connaît un destin fabuleux : traduit dans plus de vingt pays avant même sa parution en France, c'est un phénomène international.

Sélectionné pour le Grand Prix RTL-Lire Magazine Littéraire 2024. Lire la suite Fermer

« À force de vouloir m'abriter en toi, j'ai perdu de vue que c'était toi, l'orage. Que c'est de toi que j'aurais dû vouloir m'abriter.Mais qui a envie de vivre abrité des orages ? »Frida parle haut et fort, avec son corps fracassé par un accident de bus et ses manières excessives d'inviter la muerte et la vida dans chacun de ses gestes. Elle jure comme un charretier, boit des trempées de tequila. Elle aime participer à des manifestations politiques, mettre des fleurs dans les cheveux, parler de sexe crûment et se rendre dans des fêtes à réveiller les squelettes. Et elle peint.Par-dessus tout, Frida aime Diego, le peintre le plus célèbre du Mexique, son crapaud insatiable, fatal séducteur, qui couvre les murs de fresques gigantesques.L'auteure expose les passions, l'art et les souffrances de la peintre fracassée, cette magicienne des couleurs et prêtresse d'une féminité affranchie. Les Inrocks.Un roman incandescent. Elle.Une existence splendide et terrible romancée avec panache et style, verbe goulu et phrases torrides. Télérama.Grand Prix des lectrices Elle 2020. Lire la suite Fermer

Septembre 1908. Gabriële Buffet, une jeune femme de vingt-sept ans, indépendante, musicienne, féministe avant l'heure, rencontre Francis Picabia, un peintre à succès et à la réputation sulfureuse. Il avait besoin d'un renouveau dans son oeuvre, elle est prête à briser les carcans : insuffler, faire réfléchir, théoriser. Elle devient « la femme au cerveau érotique » qui met tous les hommes à genoux, dont Marcel Duchamp et Guillaume Apollinaire. Entre Paris, New York, Berlin, Zurich, Barcelone, Étival et Saint-Tropez, Gabriële guide les précurseurs de l'art abstrait, des futuristes, des Dada, toujours à la pointe des avancées artistiques. Ce livre nous transporte au début d'un XXe siècle qui réinvente les codes de la beauté et de la société.Sensible, fin, intelligent... Une réussite. Nelly Kaprièlian, Les Inrockuptibles.Un récit ciselé avec une tendresse lumineuse. Bernard Géniès, L'Obs.Prix Grands Destins du Parisien Week-End. Lire la suite Fermer

Tout quitter du jour au lendemain pour aller chercher, seule, au fin fond de la Chine communiste, les secrets oubliés de l'art antique chinois, était-ce bien raisonnable ? Fabienne Verdier ne s'est pas posé la question : en ce début des années 1980, la jeune et brillante étudiante des Beaux-Arts est comme aimantée par le désir d'apprendre cet art pictural et calligraphique dévasté par la Révolution culturelle. Et lorsque, étrangère et perdue dans la province du Sichuan, elle se retrouve dans une école artistique régie par le Parti, elle est déterminée à affronter tous les obstacles : la langue et la méfiance des Chinois, mais aussi l'insupportable promiscuité, la misère et la saleté ambiantes, la maladie et le système inquisitorial de l'administration... Dans un oubli total de l'Occident, elle devient l'élève de très grands artistes méprisés et marginalisés qui l'initient aux secrets et aux codes d'un enseignement millénaire.
De cette expérience unique sont nés un vrai récit d'aventures et une oeuvre personnelle fascinante, qui marie l'inspiration orientale à l'art contemporain, et dont témoigne son extraordinaire livre d'art L'Unique Trait de pinceau (Albin Michel). Lire la suite Fermer

La vie de Marguerite Matisse (1894-1982), fille aînée d'Henri Matisse, est aussi méconnue du grand public que son père est célèbre. Pourtant, elle a joué un rôle essentiel auprès du peintre, autant dans l'élaboration de son esthétique que dans la diffusion de son oeuvre. Tour à tour modèle, confidente, secrétaire, conseillère et ambassadrice de son travail, elle a été une source d'inspiration et un soutien indéfectible. Avec Marguerite Matisse, la jeune fille au ruban, Isabelle Monod-Fontaine et Hélène de Talhouët signent la première biographie de "Margot" et rendent à cette femme de l'ombre toute la lumière qui lui est due.
Née en 1894, Marguerite voit sa jeunesse marquée par la souffrance et la maladie : à l'âge de sept ans, elle subit une première trachéotomie, dont elle dissimulera longtemps la cicatrice sous un ruban noir. Privée d'une scolarité normale en raison de sa santé fragile, elle devient une « gosse d'atelier », témoin quotidien du travail de son père.
Elle grandit dans et à travers sa peinture, se donne tout entière à elle. Moderne et avant-gardiste, Marguerite entretient des relations avec les plus grands artistes et collectionneurs de son temps (André Derain, Braque, Juan Gris, Picasso, Renoir, Bonnard, Miró, André Masson, l'américaine Gertrude Stein et ses frères, les russes Chtchoukine et Morosov ). Résistante pendant la Seconde Guerre mondiale elle sera emprisonnée, puis torturée.
Un destin hors du commun sous le regard enveloppant d'un grand créateur. En racontant la vie de Marguerite, les autrices éclairent d'un jour nouveau Henri Matisse et restitue l'homme derrière le peintre, le père derrière le génie. Une biographie remarquable qui nous plonge dans l'intimité d'une famille d'artistes. Lire la suite Fermer

Peut-on encore aimer les oeuvres de Pablo Picasso, Ernest Hemingway, Roman Polanski et Michael Jackson ? Dans cet essai qui a fait beaucoup de bruit lors de sa sortie aux États-Unis, Claire Dederer, critique de cinéma pour le New York Times, explore un malaise qui s'est installé dans toutes les conversations : certains de nos films, livres et musiques préférés ont été créés par des « monstres ».
À la fois ode au plaisir d'une journaliste cinéphile qui raconte avec passion les oeuvres et confession d'une fan qui s'est sentie trahie, Les Monstres développe l'idée de « taches » sur les productions artistiques, aussi soudaines qu'indélébiles, devenues impossibles à ignorer. Il ne s'agit pas de dresser une liste noire de créateurs mais plutôt de proposer une réflexion sur la rencontre entre la biographie d'un artiste et celle de son public - dans la diversité des expériences et des traumatismes individuels. Claire Dederer examine une société post-romantique où le génie, qui avait été auréolé d'une gloire toute virile, n'est plus exempté de jugement moral.
Une oeuvre peut-elle être destituée à cause des actions répréhensibles de son créateur ? Quel que soit son contenu ? Et si elle a été réalisée avant le passage à l'acte de l'auteur, cela doit-il infléchir notre jugement ? Mais surtout, peut-on continuer à aimer ces oeuvres malgré tout ?
Véritable best-seller aux États-Unis, l'essai de Claire Dederer est une contribution essentielle au débat public. Conçu comme un Contre Sainte-Beuve contemporain et féministe, Les Monstres pétille de drôlerie et d'érudition, sans jamais tomber dans le relativisme ni la caricature.

Traduit de l'anglais (États-Unis) par Carine Chichereau Lire la suite Fermer

D'une enfance saccagée, Niki de Saint Phalle a extrait une oeuvre triomphale. Elle a peint à la carabine, créé des Accouchées sanglantes et des Mariées livides, des Nanas exultantes et des Black Heroes, des films hallucinés. La redécouvrir, c'est partir explorer un ailleurs : le Jardin des Tarots, qu'elle décrivait comme son grand oeuvre, son « destin ». Au fil d'une promenade initiatique, Gwenaëlle Aubry joue avec Saint Phalle, tire et rebat ses cartes, piste à la fois la puissance de métamorphose d'une « fille inarrêtable » et l'enfance fugitive: « Je suis venue te chercher, tu vois, un peu en retard mais je suis là, allez viens, n'aie pas peur, on va au Jardin ».

Un livre singulier porté par un souffle immense. Libération

Des descriptions merveilleuses et émerveillées. Le Monde des livres

Au plus près du secret du geste créateur de Saint Phalle. Télérama Lire la suite Fermer

Marie-Thérèse Walter a donné son prénom à la période la plus éblouissante, la plus joyeuse et la plus érotique de l'oeuvre de Picasso. Mais on ne sait pas grand-chose de cette égérie que le peintre s'est toujours efforcé de cacher. Sa vie bascule un soir d'hiver à Paris. Marie-Thérèse a dix-sept ans et n'a jamais entendu parler de cet homme de quarante-cinq ans qui lui demande de poser pour lui. Il est pourtant l'un des artistes les plus célèbres au monde. Dans ses bras, elle découvre l'amour fou, avant de subir la disgrâce. Son histoire est celle d'une passion dévorante, d'une folle inspiration, d'un aveuglement et d'une vénération. Une vie sous emprise, jusqu'au suicide quatre ans après la mort du maître.

En filigrane, c'est la relation trouble et complexe de Picasso avec les femmes que raconte le livre. Laurent-David Samama, Les Échos.

Ce récit, très alerte, dessine touche par touche l'attachant portrait d'une belle captive. Denis Cosnard, Le Monde des livres.

Brigitte Benkemoun est une enquêtrice obstinée. Tout la passionne, elle ne néglige rien. Colombe Schneck, Madame Figaro. Lire la suite Fermer

Il était resté glissé dans la poche intérieure du vieil étui en cuir acheté sur Internet. Un tout petit répertoire, comme ceux vendus avec les recharges annuelles des agendas, daté de 1951.
A : Aragon. B : Breton, Brassaï, Balthus... J'ai feuilleté avec sidération ces pages un peu jaunies. C : Cocteau, Chagall... E : Éluard... G : Giacometti... Chaque fois, leur numéro de téléphone, souvent une adresse. Vingt pages où s'alignent les plus grands artistes de l'après-guerre. Qui pouvait bien connaître et frayer parmi ces génies du XXe siècle ?
Il m'a fallu trois mois pour savoir que j'avais en main le carnet de Dora Maar.
Il m'a fallu deux ans pour faire parler ce répertoire, comprendre la place de chacun dans sa vie et son carnet d'adresses, et approcher le mystère et les secrets de la « femme qui pleure ». Dora Maar, la grande photographe qui se donne à Picasso, puis, détruite par la passion, la peintre recluse qui s'abandonne à Dieu.B. B.Un livre savoureux. Adrien Goetz, Le Figaro. Lire la suite Fermer

André Breton Anthologie de l'humour noir « L'humour noir est borné par trop de choses, telles que la bêtise, l'ironie sceptique, la plaisanterie sans gravité... (l'énumération serait longue), mais il est par excellence l'ennemi mortel de la sentimentalité à l'air perpétuellement aux abois - la sentimentalité toujours sur fond bleu - et d'une certaine fantaisie à court terme, qui se donne trop souvent pour la poésie, persiste bien vainement à vouloir soumettre l'esprit à ses artifices caducs, et n'en a sans doute plus pour longtemps à dresser sur le soleil, parmi les autres graines de pavot, sa tête de grue couronnée. » André Breton, 1939.

La légende fait de Modigliani un peintre maudit, pauvre, incompris, caractériel, ravagé par le tourment, l'alcool et les drogues. Un être désespéré qui se serait suicidé par négligence.

Pour la première fois, ses lettres se trouvent réunies. Les lire ensemble, les mettre en rapport permet de découvrir un autre Modigliani. Un artiste joyeux, travailleur, animé d'une discrète mais solide foi en ses moyens, qui sait qu'il trace sa voie, et que cette voie est nouvelle.

Qui est vraiment Ai Weiwei ? Pour la première fois, l'artiste contemporain reconnu dans le monde entier et dissident chinois engagé contre la répression se raconte dans ces mémoires fulgurants, de sa jeunesse dans les camps de travail du goulag chinois avec son père Ai Qing, grand poète rejeté par Mao, à son exil en Europe. Comment sa jeunesse et sa vie dans un régime totalitaire lui ont-elles fait prendre conscience de la puissance révolutionnaire de l'art ? Il revient sur les provocations qui lui vaudront d'être emprisonné et sur la permanence de son combat contre les autorités de son pays.1000 ans de joies et de peines offre le récit d'un destin hors norme, un regard sans concession pour comprendre les différentes forces qui ont façonné la Chine moderne et un vibrant plaidoyer en faveur de la liberté d'expression.L'autobiographie de la star de l'art contemporain chinois est un témoignage effarant sur le rôle d'un artiste dans une dictature. Le Monde.Un texte bouleversant. L'Obs.Traduit de l'anglais et du chinois par Louis Vincenolles. Lire la suite Fermer

C'était l'époque où Paris était la capitale du monde. Sur les trottoirs de Montmartre et de Montparnasse, entre le Bateau-Lavoir et Closerie des Lilas, allaient les sublimes trublions qui inventaient l'Art moderne et le langage du siècle : Jarry, son hibou et ses revolvers, Picasso sympathisant anarchiste, Apollinaire l'érotomane, Modigliani et ses femmes. Max Jacob et ses hommes, Arago le flambeur ? Soutine le solitaire, Man Ray, Braque, Matisse, Breton et les autres... Ils venaient de tous les pays. Ils étaient peintres, poètes, sculpteurs, musiciens. Fauves, cubistes, surréalistes, fêtards, amoureux - libres.
Ils portaient des cravates en papier, des caleçons en guise de chemises... Plus tard, ils échangèrent leurs sandales trouvées contre des lavandières et des montres en or, sans jamais abandonner les exigences de leur jeunesse. Ainsi vont les artistes. Pendant trois décennies, ils menèrent le bal des plumes et des pinceaux. Ils y convièrent des brocanteurs devenus marchands, des couturiers-mécènes, une poignée de milliardaires, des filles de rues peintes comme des princesses.
Leurs vies sont flamboyantes comme leurs oeuvres. Et leurs oeuvres, belles comme la vie. Ils demeurent à jamais les personnages de leurs propres légendes. Ils furent et restent les héros du temps des Bohèmes : un monde magnifique dont les reflets éclairent encore le siècle tournant la page.
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Né à Pékin dans une famille de grands lettrés chinois, Zao Wou-Ki quitte la Chine d'avant Mao Zedong, après une formation dans la plus grande école des Beaux-Arts du pays où il a aussi été professeur. En 1948, il s'installe pour deux ans à Paris afin d'étudier la peinture française. Il noue à Montparnasse et à Saint-Germain-des-Prés des amitiés indéfectibles et participe ainsi à l'effervescence artistique de l'après-guerre. La découverte de l'abstract painting à New York en 1957 le conforte dans le choix d'une abstraction où se mêlent sa connaissance de la grande peinture chinoise et la liberté du geste désormais acquise. En raison de la prise de pouvoir de Mao, il ne peut revenir en Chine qu'en 1972 et y retourne fréquemment jusqu'en 2008. Cette autobiographie, écrite avec son épouse Françoise Marquet, témoigne de l'inébranlable volonté et plaisir de peindre de Zao Wou-Ki, de ses rencontres artistiques et amitiés exceptionnelles. Elle retrace un chemin créateur hors du commun où se mêlent les influences des abstractions européenne et américaine. Reconnu par la Chine comme leur grand peintre du xxe siècle, Zao Wou-Ki apporte aux jeunes générations d'artistes l'espoir de faire dialoguer les cultures chinoise et occidentale.
Complément biographique de Yann Hendgen
Postface inédite de Françoise Marquet Lire la suite Fermer

On ne compte plus les critiques de l'ère numérique. Mais elles ont en commun de ne pas voir la nouveauté d'un monde où, pour la première fois, le capital et la technologie se confondent absolument, obéissant à la même croissance exponentielle, avec la même visée de tout réduire à un objet de calcul.

Ainsi le regard humain est-il devenu pour le capital la matière première la plus recherchée. Surtout depuis que la production et la reproduction des images sont redéfinies par la révolution que représente l'instantanéité de leur distribution. Aussitôt produite, toute image peut être immédiatement diffusée par n'importe quel possesseur de smartphone - autrement dit, tout le monde.

En une dizaine d'années, la distribution s'est imposée au coeur d'une nouvelle économie du regard, où il n'est aucune image qui ne soit en même temps objet de profit et moyen de contrôle.

Il en résulte une complète reconfiguration de notre perception. N'existe plus que ce qui est rendu visible par la technologie. Rien n'échappe à cette dictature de la visibilité, qui nous empêche de voir à quelle modélisation nos vies sont continuellement soumises, en fonction d'algorithmes envahissant tous les domaines, scientifique, politique, esthétique, éthique, érotique... Persuadés d'être de plus en plus libres, nous nous sommes bâti la plus inquiétante prison d'images.

Comme d'autres ont autrefois réussi à sortir du labyrinthe qui les retenait en en reconstituant les plans, notre seule chance est d'essayer de comprendre quelle sombre histoire se trame entre image, regard et capital. En dépend le peu de liberté qui nous reste.
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En 2010, plus de 750 000 personnes se sont pressées au Museum of Modern Art de New York pour avoir la chance d'assister à la performance célébrant les cinquante années de carrière de Marina Abramovic.
Traverser les murs, récit saisissant, épique et d'un humour impitoyable, raconte comment une jeune femme élevée par une mère folcoche, qui a grandi dans la Yougoslavie communiste de Tito, est devenue, en quelques décennies, une icône mondiale de l'art contemporain.
En repoussant les limites du corps humain, la peur, la douleur, la fatigue, dans une quête sans compromis de transformation émotionnelle et spirituelle, Marina Abramovic, qui compte parmi ses admirateurs Lady Gaga et Jay-Z, a révolutionné l'art de la performance, devenant l'une des plus importantes inspiratrices de l'esthétique de la pop culture au XXIème siècle.

Née en ex-Yougoslavie en 1946, Marina Abramovic est une figure majeure de l'art contemporain. Créatrice de performances artistiques mondialement célèbres, elle a exploré le body art jusqu'à en repousser les définitions. Elle vit entre New York et l'Hudson Valley, où elle a créé le Marina Abramovic Institute. Lire la suite Fermer

Cet essai s'articule sur un paradoxe : le monde actuel est régi par l'esthétique, le cosmétique alors qu'il n'existe plus d'oeuvre d'art dans le sens fort du terme. L'auteur constate la fin du régime traditionnel de l'art au profit d'oeuvres à sensation aux repères et à l'identité éphémères.

Entrée dans la collection.Un peintre de notoriété mondiale.27 lettres inédites.

Après Bohèmes et Libertad !, Dan Franck poursuit son histoire des artistes et des intellectuels. Il évoque ici la période de la Seconde Guerre mondiale, de la débacle de 1940 à la Libération, avec des traîtres et des héros, des petites mains et des grandes plumes. André Malraux, Sartre, Aragon, Picasso, Marguerite Duras, Drieu la Rochelle... Une grande partie de la France qui peint, écrit, dessine, qui parfois trahit, et souvent collabore.

Ni mouvement ni discipline, l'art abstrait est surtout l'ouverture d'une nouvelle gamme de possibles. Art de la représentation mais non de la représentation de la réalité, il instaure un basculement radical contre une conception de l'oeuvre déterminée par le culte de la ressemblance. Sous ses différentes formes, il est avant tout une réflexion sur la peinture. Par le biais de nombreux domaines, ce panorama retrace le parcours, l'histoire de ce langage visuel, des premières expériences du XXe siècle jusqu'au oeuvres actuelles puis se consacre aux artistes et aux mouvements, en expliquant leur démarche, leur évolution, de Kandinsky et Cy Twombly ou Pierre Soulages...

Ce sont ici les ultimes paroles de Balthus, proférées au terme d'une vie qui a traversé le siècle. Elles ont été murmurées dans un souffle qui peu à peu allait s'amenuisant et parvenait cependant à être dominé par la jeunesse des souvenirs demeurés intacts. Balthus raconte son enfance avec sa mère Baladine et le poète Rainer Maria Rilke, sa vie de bohème dans le Paris des années 20, ses amitiés avec Picasso, Derain, Artaud, Giacometti, Saint-Exupéry, Char, Pierre Jean Jouve, Camus. Il parle de ses tableaux, de son amour pour Setsuko, son épouse japonaise, pour Harumi, sa fille, pour ses chats, pour les demeures seigneuriales. II confesse sa foi catholique, ses extases, et confie surtout ses réflexions sur la peinture, dénonce l'art contemporain, illusoire et annonciateur de la défaite de la civilisation.
Ces Mémoires sont le fruit d'un travail qui a duré deux années au cours desquelles Balthus s'est confié avec une rare spontanéité. Il voulait qu'on les comprît comme des leçons de vie, le dernier enseignement d'un maître qui préférait exprimer le monde par sa peinture plutôt que de s'exprimer lui-même.
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Il y a plusieurs entrées de lecture à ce roman.
Raïssi, le personnage principal, y pénètre par une porte secrète après une découverte extraordinaire. découverte qui bouleverse sa vie privée, approfondit son oeuvre d'artiste et sa relation avec la religion et le surnaturel. un artiste mystique ? oui, un initié aux secrets du monde islamique. l'histoire commence à fès en 1897 et se termine à mazagan en 1960. raïssi voyage vers dieu. il explore le monde à la croisée des pays, des civilisations et des religions.
Au-delà de l'histoire incarnée dans la période coloniale et post-coloniale, rayonne la promesse de la tolérance.

Quand, le 10 mars 1953, Tôge Sankichi - qui avait été irradié lors de l'explosion atomique du 6 août 1945 à Hiroshima - mourut (âgé de 36 ans) à l'hôpital, un ami posa près de sa tête un exemplaire des Poèmes de la bombe atomique. Ces poèmes, que Tôge avait écrits fiévreusement de 1949 à 1951 (et qui furent publiés pour la première fois en 1951), condensaient l'essentiel de son témoignage : constat, protestation, appel - toujours par la force d'une poésie neuve et libre. Ce sont, dit Ôé Kenzaburô (prix Nobel, auteur de Notes de Hiroshima), "les poèmes les plus admirables" qui aient été écrits "sur les drames causés par le bombardement atomique et la dignité de l'homme qui ne capitule pas devant eux."
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