La référence sur l'histoire de l'art dans un nouveau format de poche, avec une nouvelle préface de la petite-fille de l'auteur.

Histoire de l'art est un best-seller dans le monde entier depuis plus de soixante-dix ans. Attirés par la simplicité et la clarté de son propos, les lecteurs de tous âges et de tous horizons ont trouvé dans le professeur Gombrich un maître qui allie savoir, sagesse et un don pour transmettre sa passion pour le sujet. Remis au goût du jour, avec une nouvelle couverture et une préface de Leonie, la petite-fille du professeur Gombrich, ce format de poche confirme le succès de cette oeuvre classique auprès des amateurs d'art et va devenir un ouvrage de référence pour les générations futures. Lire la suite Fermer

«Je crois à la résolution future de ces deux états, en apparence si contradictoires, que sont le rêve et la réalité, en une sorte de réalité absolue, de surréalité, si l'on peut ainsi dire. C'est à sa conquête que je vais, certain de n'y pas parvenir mais trop insoucieux de ma mort pour ne pas supputer un peu les joies d'une telle possession.» Des projets et des promesses du premier Manifeste du surréalisme (1924) aux prises de position, politiques et polémiques, affirmées dans le Second Manifeste du surréalisme (1930), se dessine ici une théorie de l'expérience esthétique qui a bouleversé tous les domaines de la création au XX? siècle.

Offrant un miroir à la société, l'art du portrait a élaboré ses codes et ses modes au fil des siècles. Considéré, en Occident, comme un genre à part entière, il a connu avec la photographie une profonde remise en question. Adulé puis abandonné, c'est dans la rue qu'il retrouve aujourd'hui ses lettres de noblesse grâce à l'art urbain. Longtemps apanage d'une élite sociale, conservé dans l'écrin des demeures puis des musées, il s'exhibe à présent au grand jour et à la vue de tous. Dorénavant, les artistes urbains s'émancipent des commanditaires de naguère pour choisir leurs modèles. Qu'ils reprennent des figures célèbres ou fabriquent de nouvelles icônes, ils régénèrent le genre du portrait dont ils épousent et bousculent les techniques comme les codes. Richement illustré, cet ouvrage nous montre, à partir d'un vaste choix d'oeuvres emblématiques de l'histoire de l'art (peintures et photographies), comment les plus grands artistes urbains s'approprient ce genre artistique pour mieux le remettre en question. Lire la suite Fermer

La figure exceptionnelle de Frida Kahlo révélée dans toutes ses nuances et sa vitalité par le grand spécialiste de son oeuvre

Un corps blessé, une vie de passions et de souffrances, une énergie créatrice inouïe, ce sont tous ces éléments qui font de Frida Kahlo une figure capitale. Composé d'un ensemble de « tableaux vivants », ce texte plonge dans l'intimité de sa vie et de son oeuvre : on l'accompagne autant dans ses promenades que dans ses rencontres avec Diego Rivera ou Trotski, on l'entend inventer des mots, jurer, chanter. D'une manière terriblement vivante, Gérard de Cortanze nous retranscrit son art, ses réflexions sur les origines, le Mexique, la religion ou la mort ; en somme la beauté terrible de son univers pictural. Car c'est le sens même de son oeuvre : Frida Kahlo ne peint que ce qu'elle vit. Lire la suite Fermer

Initialement paru en 1938, le Dictionnaire abrégé du surréalisme propose un panorama rare de l'exultation artistique constitutive du mouvement.

L'anthologie de référence de la poésie surréaliste, de ses origines il y a cent ans, jusqu'aux années 1970.
Si le surréalisme a des sources lointaines chez Rimbaud, Nerval ou Lautréamont, puis des sources plus directes chez les dadaïstes, c'est autour de Breton et de ses amis - Soupault, Eluard, Aragon, Desnos - que le mouvement s'organisa vers 1924.
La Révolution surréaliste était née.

Dans tous les pays du monde, le mouvement a eu ses adeptes, ses prodiges. Plusieurs générations de poètes et d'écrivains, de René Char à Julien Gracq, d'Aimé Césaire à Jacques Prévert, d'Antonin Artaud à Joyce Mansour, d'Octavio Paz à Fernando Arrabal, s'engageront dans le sillage de ces initiateurs : même longtemps après avoir pris leurs distances avec le groupe, tous conserveront dans leurs écrits l'empreinte de cette expérience créative débridée.

Cent ans après la parution du premier
Manifeste de Breton, Seghers republie l'anthologie de référence sur la poésie surréaliste, ici illustrée par Stéphane Manel. Maintes fois rééditée, elle rassemble un choix étonnant de poèmes, des années 1920 jusqu'aux années 1960, et restitue, en un seul volume, l'essentiel du message surréaliste. Qu'il soit connaisseur ou néophyte, le lecteur, emporté dans la pleine luxuriance des images, dans le vertigineux délire littéraire, y fera de passionnantes découvertes. Lire la suite Fermer

L'année 2024 n'est pas seulement celle des JO ! Elle célèbre aussi les 100 du Surréalisme, mouvement majeur du 20e siècle cristallisé sous la plume d'André Breton, porté à son apogée par Dali et Magritte, mais aussi par Jean Arp, Paul Delvaux, Leonir Fini, Meret Oppenheim, et dont l'influence sur le 20 et 21e siècles demeure inégalée ! Ce mouvement fascinant, dynamique et provocateur est né au lendemain de la Grande Guerre. Il puise ses racines et ses thématiques dans l'inconscient, le rêve, la sexualité, la violence. Quels sont les grands fondements de ce mouvement ? Quels artistes, hommes comme femmes, l'ont durablement marqué ? Comment interpréter ses oeuvres étranges et mystérieuses ? Ce livre évènement propose une redécouverte des plus grands artistes surréaliste et une exploration des oeuvres fondatrices en peinture mais aussi en littérature, en poésie, au cinéma, en photographie... LE livre référence sur le Surréalisme ! Lire la suite Fermer

Ce livre se revendique comme une synthèse. Il invite le lecteur à découvrir à la fois les grandes fonctions de l'art, mais aussi la diversité des formes possibles de la création et les corrélations qui peuvent les unir. Enrichir le regard : Un dispositif concerté permet des allers et retours entre le texte, les commentaires et les images, tout au long de l'ouvrage. Découvrant, sur des millénaires, les échanges et les redécouvertes, d'une civilisation à l'autre, d'un continent à l'autre, le lecteur apprendra à confronter, ne serait-ce que pour mieux les différencier, des productions d'époques ou de lieux qu'il n'aurait pas songé à rapprocher.

Quel est le sens caché des Lignes de Nasca ?Pourquoi Les Demoiselles d'Avignon de Picasso ont-elles tant choqué le monde artistique ?Quelle est la signification des peintures japonaises du XIXe siècle ? Quarante et un historiens de l'art, critiques, experts, artistes ou enseignants ont participé à l'élaboration de cet ouvrage unique pour nous aider à mieux comprendre l'évolution de l'art à travers les âgeset les continents.- Plus de 1 600 oeuvres commentées- 85 époques et mouvements clés de l'histoire de l'art présentés en détail- 160 chefs-d'oeuvre incontournables décryptés- Tous les outils indispensables (repères chronologiques, biographies d'artistes, détails agrandis, index détaillé)Nouvelle édition entièrement mise à jour.

100 000 ans de beauté réunit les contributions de plus de trois cent auteurs issus de diverses cultures, ou espaces linguistiques, et d'environ trente-cinq nationalités. La quête de beauté obsède l'espèce humaine depuis plus de cent mille ans. Le corps humain est son médium privilégié. Modelage du corps et définitions de canons, soins et applications de couleurs, coiffures et ornements, nudité et vêtements, l'extravagante variété de ces signes forme un langage qui dit l'appartenance culturelle, le genre, l'époque, l'âge et le statut social.

Des peintures rupestres au street art : de quoi émerveiller les amateurs comme les passionnés d'art !

Au fil des pages, cet ouvrage didactique et richement illustré nous fait voyager d'une époque à l'autre. En suivant une frise chronologique, il présente les oeuvres les plus importantes de l'art occidental, tout en les replaçant dans leur contexte politique, économique, culturel et social. Ainsi, il donne à voir l'évolution des styles et des di érents courants, et permet de comprendre en profondeur les infl uences qui ont conduit aux plus grands chefs-d'oeuvre, tout en apportant de nouveaux éclairages à l'histoire de l'art. Des peintures rupestres au street art : de quoi émerveiller les amateurs comme les passionnés d'art !

Au fil des pages, cet ouvrage didactique et richement illustré nous fait voyager d'une époque à l'autre. En suivant une frise chronologique, il présente les oeuvres les plus importantes de l'art occidental, tout en les replaçant dans leur contexte politique, économique, culturel et social. Ainsi, il donne à voir l'évolution des styles et des différents courants, et permet de comprendre en profondeur les influences qui ont conduit aux plus grands chefs-d'oeuvre, tout en apportant de nouveaux éclairages à l'histoire de l'art. Lire la suite Fermer

Recueil de textes littéraires de trois peintres et écrivaines ayant rejoint le mouvement surréaliste à la fin des années 1930. En étudiant les sciences ésotériques, en pratiquant l'alchimie, en expérimentant le voyage astral et en concevant des jeux de tarot, elles ont contribué, dans un esprit d'avant-garde, à réconcilier la connaissance et l'intuition ainsi que la science et la poésie.

«Vraisemblablement, sans André Breton, n'aurions-nous jamais vu combien le commencement de tout ce qui nous importe est lié au désir. Autant au désir de ce qui est autre qu'au désir de l'autre, rien ne va plus à l'encontre du monde qu'on est en train de nous imposer. C'est pourquoi, comme en écho à ce que j'avançais il y a trente-trois ans, il ne m'a pas paru inutile d'ajouter à titre d'illustration cinq textes écrits au fil du temps. Qu'il s'agisse, à propos de Nadja, des immenses et inquiétantes volutes du hasard et des rues qui sculptent nos destins, qu'il s'agisse, avec René Crevel, de la vie se perdant pour se trouver dans ses élans insensés, qu'il s'agisse des plus violents déchirements du temps chez Leonora Carrington, aucun ne se ressemble, mais tous ont en commun d'avoir été partie prenante du pari éperdu que le surréalisme aura fait sur l'amour se confondant alors avec la poésie comme puissance d'ébranlement.» Trente-trois ans plus tard, cet essai incisif et brillant conserve toute sa pertinence, surtout dans la perspective du centenaire du Manifeste du surréalisme. Pourquoi sommes-nous incapables d'appréhender ce mouvement en dehors de célébrations culturelles ? Aujourd'hui que nous voilà pris au piège de millions d'images, aurions-nous oublié qu'il s'agissait d'abord et toujours de refuser ce qui nous empêche d'être ? Révolte indissociable des sources vives de la poésie, comme Annie Le Brun nous le rappelle, en se faisant l'écho du grand questionnement surréaliste : «La médiocrité de notre univers ne dépend-elle pas essentiellement de notre pouvoir d'énonciation ?» Lire la suite Fermer

Le projet Les portes du rêve. 1924-2024 : le surréalisme à travers ses revues a été conçu à l'occasion du centenaire de la publication du premier Manifeste du surréalisme (le 15 octobre 1924) ; il se propose de passer en revue les différentes composantes de nature culturelle (artistique, littéraire, théâtrale, photographique et cinématographique, mais aussi philosophique-politique et idéologique) qui ont contribué à déterminer « un espace » spécifique de la créativité occupé par l'expérience surréaliste. Il s'agit d'un moment culturel qui a été perçu comme particulièrement problématique et troublant justement en raison de la richesse des contributions ainsi catalysées, et qui a suscité les réactions les plus diverses : de l'adhésion enthousiaste et dénuée de toute critique aux polémiques les plus vives, jusqu'à la condamnation et au rejet, et ce également sur le plan politique.

Le volume vise à relire la trajectoire du mouvement à travers l'étude de certaines revues animées par ses membres, c'est-à-dire les produits collectifs qui ont le mieux révélé sa complexité interdisciplinaire et sa force théorique, mais aussi ses contradictions et ses conflits internes. Depuis que l'extraordinaire exposition Dada and Surrealism Reviewed, organisée par Dawn Ades en 1978 (Londres : Arts Council Great Britain), a mis pour la première fois en lumière la centralité des périodiques dans l'économie globale du mouvement, Rosalind Krauss n'hésite pas à définir ces publications comme de « véritable[s] objet[s] surréaliste[s] », des oeuvres d'art en elles-mêmes qui défient les conventions et les frontières artistiques pour mélanger les langages et les formes d'expression.

Des essais réunis ici émerge, d'autre part, le rôle joué par les revues en tant que véritables laboratoires du surréalisme.

Lire la suite Fermer

50 chefs-d'oeuvre décryptés.
L'histoire de l'art peut être une matière intimidante, pleine de règles complexes et de jargon technique. Même pour les amateurs d'art chevronnés, la question de savoir comment fonctionne l'art est une éternelle énigme. L'Art décrypté propose une approche innovante : un voyage de découverte visuel et captivant qui déconstruit 50 oeuvres d'art majeures pour révéler les éléments qui en font justement des chefs-d'oeuvre.

Cet ouvrage décrit cinquante moments marquants de l'histoire de l'art - certains célèbres, d'autres moins - de la Renaissance à nos jours. Parmi ces dates clés : le dévoilement du David de Michel-Ange, la Fontaine de Marcel Duchamp, mais aussi les rencontres fortuites qui ont encouragé les artistes à créer de nouveaux styles fascinants, tels que l'impressionnisme, le pop art ou encore les expositions qui ont provoqué une réaction publique. L'approche narrative de Lee Cheshire est à la fois amusante et facile à retenir. Il célèbre l'ingéniosité et la collaboration artistique, mais ne craint pas d'aborder les disputes, les bagarres et les procès qui ont rythmé le cours souvent turbulent de l'art. Ce guide essentiel présente en outre une liste d'artistes, une sélection d'oeuvres pour aller plus loin et d'événements liés, ainsi qu'un glossaire indispensable de termes de l'art et un index des artistes. Lire la suite Fermer

À l'occasion des 100 ans de la publication du Manifeste du surréalisme, cet ouvrage donne à voir à travers des dialogues entre art et littérature, l'intense créativité collective qui a animé le mouvement jusqu'à sa disparition officielle en 1969. Le surréalisme a embrassé toutes les formes d'expression : la littérature et singulièrement la poésie, la peinture et la sculpture mais aussi la photographie qui y atteint ses lettres de noblesse. La finalité de ce livre est de restituer largement le mouvement, de ses antécédences à ses retombées avec, en son coeur, le surréalisme lui-même. En mettant en regard les oeuvres de plus de 100 écrivains et artistes, il donne à voir l'intense créativité collective qui a animé le surréalisme en France mais également en Belgique, en Tchécoslovaquie, et jusqu'au Japon. Ce livre est un voyage en toute liberté dans les rebonds d'une création qui, dans l'action, ne cessait de se repenser, un mouvement que l'on croit connaître mais qui surprend toujours. Avec des textes et des oeuvres d'art des figures majeures du surréalisme - de ses antécédences à ses retombées -, parmi lesquelles Louis Aragon, Antonin Artaud, André Breton, Claude Cahun, René Char, Salvador Dali, Giorgio De Chirico, Robert Desnos, Marcel Duchamp, Paul Éluard, Max Ernst, Alberto Giacometti, Vassily Kandinsky, Wifredo Lam, Michel Leiris, Dora Maar, René Magritte, Man Ray, André Masson, Henri Michaux, Lee Miller, Joan Miró, Meret Oppenheim, Francis Picabia, Toyen, Tristan Tzara... Lire la suite Fermer

L'histoire de l'art peut se diviser en grands mouvements majeurs, liés à l'histoire des civilisations et les grands évènements historiques, culturels, politiques et internationaux.
De Rembrandt à Picasso, aucun artiste, aucune oeuvre ne saurait se comprendre sans l'influence du contexte qui l'a vu naître. C'est ainsi que cet ouvrage extrêmement illustré décrypte chaque grand mouvement et chaque oeuvre, la replaçant dans le contexte historique et culturel qui a permis sa réalisation et lui donne son sens.

A l'occasion du centenaire de la parution du Manifeste du surréalisme d'A. Breton, un mode d'emploi surréaliste pour appréhender différemment le monde. En 56 chapitres fondés sur les expériences menées par les surréalistes, l'auteure propose des recommandations décalées sur différents sujets : que lire, que manger, comment être jeune, comment provoquer un scandale, etc.

Partez à la découverte des dessous fascinants de 100 chefs-d'oeuvre de l'art mondial.
Que recèle l'une des fresques réalisées par Michel-Ange sur le plafond de la chapelle Sixtine ? Pourquoi Rembrandt peignait-il sans cesse son propre portrait ? Quel secret se cache derrière Le Printemps de Botticelli ou les installations lumineuses de Yayoi Kusama ?
Cet ouvrage propose des réponses simples et claires à toutes ces passionnantes questions. Si vous avez déjà admiré une oeuvre d'art en vous demandant ce qu'elle pouvait bien signifier, ce guide est fait pour vous. Il vous aidera à voir l'art autrement, et à l'apprécier davantage encore.

Lancé par le poète André Breton, le surréalisme est un mouvement littéraire et artistique devenu l'un des plus populaires du XXe siècle. Les artistes surréalistes se sont démarqués en laissant parler leur inconscient, leurs rêves, et, guidés par le seul hasard, ils ont créé des juxtapositions étranges d'objets et de mots sans rapport. Ils ont réalisé ces créations sur une multitude de supports et de matériaux, de Meret Oppenheim et sa surprenante tasse recouverte de fourrure au jardin fantastique d'Edward James, Los Pozas, situé au coeur de la forêt tropicale mexicaine.
Dans cet ouvrage, Amy Dempsey présente les figures incontournables du mouvement, leurs oeuvres et les lieux où les découvrir, et explore également les codes du surréalisme et l'héritage qu'il a laissé.
Ce guide essentiel comprend un glossaire indispensable, une chronologie des moments marquants du surréalisme et des suggestions de lectures pour aller plus loin.
Lire la suite Fermer

De Sofonisba Anguissola à Marina Abramovi ? en passant par Élisabeth Vigée-Lebrun, Camille Claudel et Georgia O'Keeffe, cet ouvrage explore à travers 60 chefs-d'oeuvre, les thèmes, les mouvements et les grands tournants qui ont façonné l'histoire des artistes femmes.Susie Hodge raconte les avancées réalisées pour obtenir une parité avec les artistes masculins, les importantes contributions faites aux mouvements artistiques et redécouvre des artistes oubliées ou éclipsées.Accessible, concis et richement illustré, le livre nous explique les quand, comment et pourquoi de la reconnaissance des artistes femmes.

Coédition Dilecta et Bourse de Commerce - Pinault Collection

Au milieu des années 1960, des artistes italiens commencent à exposer ensemble, sous l'étendard de l'expression « arte povera » - art pauvre -, une expression forgée en 1967 par Germano Celant, critique d'art et commissaire d'exposition, qui adapte le concept de « théâtre pauvre », mis en avant par le metteur en scène de théâtre expérimental Jerzy Grotowski. Les artistes associés à ce movement - Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario and Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini, Gilberto Zorio - s'intéressent principalement au croisement de l'art et de la vie, de la nature et de la culture. Ils suggèrent que l'essence d'une oeuvre d'art réside dans l'expérience subjective que l'on fait d'un matériau, de ses transformations et de l'espace. Ils concentrent leur attention sur l'énergie « primale » qui traversent toutes les facettes de la vie - une énergie vécue directement, qui échappe à toute représentation, idéologie ou langage. Cette énergie correspond aux forces physiques fondamentales de la nature (la gravité et les champs magnétiques) et fait également référence aux éléments primordiaux de la nature humains (la vitalité, la mémoire, les émotions). Ces artistes, originaires de Turin, Gêne, Bologne, Milan ou encore Rome, créent de façon très singulière, libre, non conventionnelle et non dogmatique, tant dans le champ de la peinture que de la sculpture, du dessin et de la photographie ; ce sont eux qui produisent les premières installations, performances et actions de l'histoire de l'art - passant d'un médium à l'autre dans se soucier de « style », se servant de matériaux (naturels comme artificiels) humbles afin de générer une véritable expérience de l'ici et maintenant.
Les artistes de l'arte povera s'intéressent à notre perception, alliant leur fascination pour la vie quotidienne à un profond respect de la tradition artistique. Se méfiant de l'intellectualisation excessive du champ artistique, ils empruntent à l'esthétique baroque son hétérogénéité et son apparente incohérence.
À la Bourse de Commerce - Pinault Collection, l'exposition, organisée par Carolyn Christov-Bakargiev, experte internationalement reconnue sur le sujet, retrace l'histoire de ce mouvement, depuis ses prémices en Italie jusqu'à son développement à travers le monde, en s'appuyant sur une sélection d'oeuvres des treize artistes principaux de l'arte povera issues de la Collection Pinault, de celle du Castello di Rivoli et de la Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT, ou d'autres prestigieuses collections, dont celles des artistes eux-mêmes.

Carolyn Christov-Bakargiev est une écrivaine, historienne de l'art et commissaire d'exposition italo-américaine. Elle a notamment dirigé le Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea et la Fondazione Francesco Federico Cerruti à Turin entre 2016 et 2023. Nommée personnalité la plus puissante du monde de l'art en 2012 par le classement Power 100 d'ArtReview, Christov-Bakargiev a été la directrice artistique de dOCUMENTA (13) (2012), événement pour lequel elle a par ailleurs également organisé des ateliers, des séminaires et des expositions à Alexandrie (Égypte), à Kaboul (Afghanistan) et à Banff (Canada).
Gabriele Guercio est un chercheur indépendant basé à Milan. Il écrit sur l'art moderne et contemporain, ainsi que sur l'histoire de la théorie de l'art.
Marcella Beccaria est historienne de l'art, conservatrice et auteure. Elle est actuellement conservatrice en chef et conservatrice des collections au Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea.
Riccardo Passoni est historien de l'art, critique et commissaire d'exposition.
Fabio Cafagna est historien de l'art Lire la suite Fermer

Le caractère chinois (mù), signifiant "oeil ", évoque à la fois le regard et sa capacité à organiser la réalité. Elément essentiel de l'écriture chinoise, il entre dans la composition d'un très grand nombre de sinogrammes et guide ici une réflexion sur une génération d'artistes chinois nés entre la fin des années 1970 et le début des années 1990. Ces artistes, qui ont grandi dans un contexte de basculement vers une société de consommation urbanisée et d'ouverture internationale, explorent leurs liens avec une histoire riche et complexe ainsi que leur place dans un monde en constante mutation.
La régulation des flux humains et d'information, à l'heure de l'emprise croissante des technologies numériques, est un des thèmes récurrents de leur travail. Le présent ouvrage met un accent particulier sur les créations des cinq dernières années et révèle la vitalité de la scène artistique chinoise. Lire la suite Fermer