Un hommage richement élaboré à l'artiste et designer d'avant-garde Sonia Delaunay, dont l'approche novatrice est reflétée dans l'interdisciplinarité et la conception inspirée de l'ouvrage. Décrit comme "la contribution la plus importante aux études sur Sonia Delaunay depuis une décennie", ce catalogue établit une nouvelle norme pour l'étude de cette artiste, designer et entrepreneuse pionnière de l'avant-garde (1885-1979). S'écartant des structures chronologiques traditionnelles pour mieux mettre en valeur les recherches novatrices qui unifient l'oeuvre intemporelle de l'artiste à travers les différents supports, cette publication démontre la polyvalence innée de Delaunay et sa volonté de créer sans limites matérielles en utilisant son langage unique de la lumière et de la couleur. Les textiles, la mode, les intérieurs, l'art du livre et bien d'autres domaines sont mis en lumière dans 26 chapitres rédigés par d'éminents chercheurs internationaux qui donnent un nouvel aperçu des stratégies d'auto-promotion de Delaunay, de ses efforts d'entrepreneuriat, de ses efforts de construction d'un héritage et de son vaste réseau de collaborateurs. Ces analyses approfondies, qui portent notamment sur le cinéma, les mosaïques, les tapisseries et la décoration d'intérieur, offrent une perspective complète sur les efforts déployés par Delaunay tout au long de sa vie pour unir l'art et la vie en exploitant l'énergie du progrès technologique et la beauté du savoir-faire artisanal. Enfin, une annexe fournit une note personnelle unique - un épilogue de Patrick Raynaud, le dernier membre vivant de l'atelier de Delaunay - qui constitue un témoignage émouvant des pratiques de travail de l'artiste vers la fin de sa vie. La conception graphique, réalisée par Irma Boom, créatrice de livres primée, reprend l'approche de Sonia Delaunay en matière de mise en page et de typographie, donnant naissance à un livre qui unit le passé et le présent pour devenir une oeuvre d'art à part entière.
Une publication importante d'écrits originaux sur Lucian Freud, y compris des entretiens avec des artistes contemporains de premier plan, marquant le 100e anniversaire de sa naissance Lucian Freud (1922-2011) est l'un des plus grands peintres figuratifs du XXe siècle. Avec un oeil inflexible et un engagement sans compromis envers son travail, il a créé des chefs-d'oeuvre qui continuent d'inspirer les artistes contemporains jusqu'à nos jours. S'étendant sur près de 70 ans, la carrière de Freud a souvent été éclipsée par sa biographie et sa célébrité. Ce livre revisite ses peintures à travers une large série d'approches originales. Les textes de divers écrivains internationaux émergents explorent des sujets allant des échos compositionnels des peintures de maîtres anciens dans les oeuvres de Freud à la contextualisation de sa pratique dans les luttes de classe des années 1980 en Grande- Bretagne. Tout au long du livre, des peintres contemporains de premier plan tels que Tracey Emin et Chantal Joffe donnent un témoignage perspicace de la pertinence de Freud aujourd'hui. Marquant le 100e anniversaire de la naissance de Freud, cette publication accompagne la première grande exposition de son oeuvre en 10 ans. Présentant de nouvelles perspectives sur ses peintures, il présente Freud à une nouvelle génération d'érudits et de passionnés - démontrant son importance internationale durable. Daniel F. Herrmann est conservateur des projets modernes et contemporains à la National Gallery de Londres.
Une excursion fascinante à travers les incomparables collections personnelles de Warhol, du plus bizarre au plus éclairant. Andy Warhol (1928-1987) demeure une icône du XXe siècle et une figure majeure du mouvement Pop Art. Il était également un collectionneur obsessionnel de choses grandes et petites, ordinaires et décalées. Depuis 1994, le musée Andy Warhol a étudié et sauvegardé les archives de l'artiste, qui regroupent des centaines de milliers de ces objets, étranges, amusantes et poignantes. De ce tableau, beaucoup de ces éléments ont été recherchés et décrits dans ce livre pour la première fois. Écrit par Matt Wrbican, le chef de file de la collection personnelle de Warhol, A is for Archive présente une sélection de cette collection, mettant en lumière le travail et les motivations de l'artiste, ainsi que sa personnalité et sa vie privée. Le volume est organisé par ordre alphabétique, rendant hommage à l'utilisation par Warhol d'une structure alphabétique fantaisiste: «A is for Autograph» (une sélection d'objets signés, dont beaucoup ont influencé ses oeuvres les plus populaires), «F is for Fashion» (ses collections de bottes de cow- boy, cravates et vestes), «S est pour Stamp» (oeuvres d'art de Warhol et autres relatives aux timbres et envois postaux), et «Z est pour Zombie» (un regroupement de photographies et d'éphémères de Warhol sous divers déguisements : drag, robot, zombie, clown). Le livre présente également un essai perspicace du critique d'art et biographe de Warhol, Blake Gopnik. Pour les myriades de fans de Warhol et de son monde interrogateur, ce volume est essentiel et inoubliable.
An unparalleled reassessment of Pierre Bonnard, exploring his paintings, drawings, photography, and prints.
As one of the founders of the post-Impressionist group the Nabis, French artist Pierre Bonnard (1867-1947) is frequently seen as a transitional figure between the Impressionists and modernists. This beautifully illustrated book offers a fresh interpretation, revealing the artist's central concern with expanding representation beyond the limits of natural vision. The result is a new understanding not only of Bonnard but of modernism itself.
Exploring how Bonnard's dazzling domestic scenes and landscapes reimagine perception, embodiment, and the passage of time, Lucy Whelan characterizes him as a painter of unusual insight in his consideration of the relationship between vision and representation. The book covers Bonnard's paintings, drawings, photographs, and prints, with special focus on his later works from the 1920s to his death in 1947, and draws on an in-depth study of the artist's diaries, interviews, and other written sources. A groundbreaking reassessment, Pierre Bonnard Beyond Vision presents an artist engaged in avant-garde forms of experimentation who complicated vision in innovative ways.
A definitive resource, full of fresh insights and new revelations, on one of the most influential interwar artists This richly illustrated book offers a definitive new assessment of the oeuvre of Kurt Schwitters (1887-1948), a central figure of the interwar European avant-garde. Active as an artist, designer, publisher, performer, critic, poet, and playwright, Schwitters is best known for intimately scaled, materially rich collages and assemblages made from found objects-often refuse-that the artist described as having lost all contact with their role and history in the world at large. But as Graham Bader explores, such simple separation of art from life is precisely what Schwitters's "poisoned abstraction" calls into question.
Considering works reaching from Schwitters's earliest collage-based pieces of 1918-19, through his 1920s advertising designs, to his seminal environmental installation the Merzbau, Bader carefully unpacks the meaning behind such projects and sheds new light on the tumultuous historical conditions in which they were made. In the process, he reveals a new Schwitters-aesthetically committed and politically astute-for our time. This authoritative account reframes our understanding of Schwitters's multifaceted artistic practice and explores the complex entwinement of art, politics, and history in the modern period.
