Née en 1972 à Osaka et vivant en Allemagne depuis 1997,
l'artiste plasticienne Chiharu Shiota commence par étudier
la peinture au Japon. Sa première installation « Becoming
Painting », qu'elle réalise en Australie. Elle marque le début
d'une oeuvre protéiforme qui combine performance, body
art et installations pour questionner, à partir d'une émotion
individuelle forte, des notions universelles telles que le
temps, le rêve, la mort et les relations humaines.
Ses installations à travers le monde sont presque
toujours temporaires, destinées à être expérimentées
puis remémorées : l'émotion du spectateur constitue une
partie intrinsèque de son travail. La présence du corps,
prépondérante dans ses premières performances, est
peu à peu remplacée par des objets qui sont comme
l'extension, annonçant ce qui constitue le thème central
de toutes les oeuvres de Chiharu Shiota : l'existence dans
l'absence, la trace qui provoque la mémoire. Ainsi, ses
toiles immenses, noires, blanches ou rouge sang, révèlent
les connexions invisibles entre les individus, qu'elles soient
nouées, emmêlées, coupées, attachées ou étirées.
Ce livre constitue non seulement une rétrospective
des installations de Chiharu Shiota, mais il se propose
également d'interroger son identité personnelle pour
comprendre sa trajectoire artistique. Cela est d'autant plus
primordial que Chiharu Shiota s'inspire de ses propres
émotions et d'événements marquants de sa vie pour
penser ses oeuvres. La perspective biographique de cet
ensemble de « milestones » permet donc d'appréhender
et de comprendre bien plus profondément la démarche
créatrice de l'artiste.
Abdelkébir Rabi' was born in 1944 amidst the heights of Boulemane, Morocco's highest town. After training at the École Normale in Fez, he taught art and aesthetics in high school and then at the university until 2003. Born into a line of imams, Abdelkébir Rabi' challenges the anti-iconic principles he has inherited, seeking to reconcile artistic fervour and spiritual fulfilment. Inspired as much by the grandeur of the Middle Atlas mountains as by artists such as Marc Couturier and Antoni Tàpies, Abdelkébir Rabi''s work is a universal, meditative and contemplative quest. It unfolds in an infinite array of blacks of varying degrees of opacity, symbolising the interplay between light and shadow, figuration and abstraction, fullness and emptiness, the seen and the unseen. Each black line, often executed in a single gesture, contributes to create a pure and profound work, imbued with spirituality. Rabi' sees art as "a personal matter", and his solitary approach underlines his dedication to art.
Avec un texte de Joachim Pissarro, historien de l'art et président du festival Normandie Impressionniste, et un entretien d'Alexandre Lenoir par Anaël Pigeat, rédactrice en chef de
The Art Newspaper France et journaliste à Paris Match.
La galerie Almine Rech consacre à l'artiste une exposition, « Entre chien et loup », de ses dernières créations. À découvrir à New York, Tribeca, du 6 septembre au 19 octobre 2024.
Le travail d'Alexandre Lenoir explore la polyvalence de l'image peinte à partir de photographies personnelles retravaillées. Ses paysages foisonnants et mystérieux, souvent de taille monumentale, représentent des scènes qui semblent être issues de rêves ou de souvenirs lointains, dans un style singulier à la frontière entre figuration et abstraction.
Miguel Chevalier est un précurseur de l'art digital immersif. Expérimentateur insatiable depuis 1978, ses oeuvres in situ présentées dans le monde entier explorent des thèmes contemporains tels que la préservation des océans. Nourri par l'histoire de l'art, son travail aborde les logiques induites par l'ordinateur, telles que l'hybridation, la générativité, l'interactivité et l'IA. En utilisant divers outils numériques comme les dessins au robot et l'impression 3D, l'artiste questionne à la fois l'immatérialité de l'art et la matérialisation du virtuel. La singularité de Miguel Chevalier est mise en lumière dans cette nouvelle monographie, accompagnée d'un essai de l'historienne de l'art Laurence Bertrand Dorléac et d'un entretien avec Jérôme Sans, critique d'art, cofondateur du Palais de Tokyo à Paris.v
A wide-ranging monograph of over 100 prints by Hockney.
David Hockney (b. 1937) is renowned for his distinctive paintings, mostly portraiture and landscape, but also for his approach to works on paper and printmaking, mirror ing the vibrancy and diligent indexing seen in his broader body of work. Hockney's prints often showcase a dynamic interplay of color, form, and perspective, reflecting his keen eye for visual storytelling of intimate elements of his own life.
Né le 26 septembre 1962 à Brooklyn, Gregory Crewdson est un photographe américain connu pour ses mises en scène de banlieues à l'inspiration cinématographique et à l'effet dramatique. Il est diplômé de la Yale School of Art, dont il est actuellement le directeur des études photographiques, et vit et travaille à New York. Son travail est exposé à l'international, notamment lors d'expos solo à la galerie Gagosian de New York, au San Diego Museum of Art et à la galerie White Cube de Londres. Depuis une trentaine d'années, Gregory Crewdson dresse un portrait de l'Amérique moyenne, une Amérique aux yeux écarquillés vers les lumières d'un rêve en épuisement. Ses photographies, mises en scène avec les dispositifs propres au cinéma, assemblent les fragments d'un monde crépusculaire, nimbé de déshérence. Ce livre réunit les trois séries conçues entre 2012 et 2022 : Cathedral of the Pines (2012-2014), An Eclipse of Moths (2018- 2019), Eveningside (2021-2022). Envisagées comme une trilogie, elles déploient une vision inédite sur une décennie de création et offrent une vision complète de l'univers qui a imposé Gregory Crewdson comme l'une des figures majeures de la photographie. Cette trilogie est précédée de la série Fireflies (1996), incontournable pour saisir les mouvements intimes qui opèrent profondément dans l'art de Gregory Crewdson.
Philippe Cognée est un peintre, graveur et dessinateur né à Nantes en 1957. Actif sur la scène artistique depuis les années 1980, il s'inscrit dans le mouvement de retour à la peinture. L'artiste est connu pour sa pratique de la peinture à la cire, dont il détourne l'usage traditionnel. Il projette sur la toile les motifs photographiés ou filmés et les peint sur le support avec de la peinture à l'encaustique. Par la suite, il recouvre la toile d'un film plastique et utilise un fer à repasser afin de liquéfier la cire. Les motifs commencent ainsi à se déformer sous la chaleur, créant un effet de flou et de profondeur. Cette technique permet à Cognée de dissoudre des éléments représentés, brouillant souvent la frontière entre peinture figurative et abstraction.Paysages urbains, vues de supermarchés ou d'abattoirs, clichés de Google Street View - le peintre trouve son inspiration dans ce qui l'entoure. Tout en puisant dans le quotidien, Cognée crée, grâce à sa technique atypique, des oeuvres originales dans lesquelles, à travers la déformation du réel, il montre une vision poétique du monde.
The gender politics of abstraction: embroidered paintings and more from Ghada Amer New York-based painter and embroiderer Ghada Amer (born 1963) was raised in Cairo, Egypt, and later educated in Nice and Paris, France. Her experiences with sexism in both locations served as the impetus for her to forge new ground in a range of mediums, from painting and sculpture to ceramics and earthworks. With a background in abstract painting, Amer eventually turned to embroidery as a strategy for infiltrating the male space of painting with a material traditionally associated with women. Her work is frequently based on the images of female figures found in magazines, through which she explores the constructions of gender, sexuality and eroticism. Her embroidery is intentionally loose, with threads dangling from the canvas, provoking a pictorial effect not unlike Pollock's splattered paint. More recent works introduce a verbal element, with quotations and aphorisms. This volume reproduces these pieces along with a selection of works from across her career.
Né au Sénégal en 1977, Omar Ba vit et travaille entre Dakar et New York. Ses peintures - réalisées à l'aide de techniques et de matériaux variés - représentent des motifs politiques et sociaux aux multiples interprétations. Son vocabulaire plastique réactive des interrogations historiques et atemporelles tout en élaborant un propos artistique d'une absolue contemporanéité.
Omar Ba été formé aux Beaux-Arts de Dakar puis de Genève.
Ces dernières années, il a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives, dont Voyage au-delà de l'illusion aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (2022) et Global(e) Résistance au Centre Pompidou (2020). Ses oeuvres sont entrées dans plusieurs collections publiques dont celles du Centre Pompidou et du Centre National des National des Arts Plastiques (CNAP) en France, de la Collection Nationale Suisse (Bâle) et du Louvre d'Abu Dhabi.
À travers ses oeuvres complexes et lumineuses, Omar Ba interroge le politique, l'économie, l'exploitation des ressources, les maladies, mais aussi l'ambivalence ontologique du monde, entre civilisation et barbarie, entre passé et avenir. Cet ouvrage permet l'appréhension de ses peintures et fait écho à l'exposition inaugurale de la galerie Templon à New York.
Avec cette première monographie, l'artiste Toma-L et l'auteur Théophile Pillault reviennent ensemble sur deux décennies de création brute et débridée. À l'aube des années 2000, Thomas Labarthe découvre Jean Dubuffet au Centre Pompidou. Cette rencontre posthume, à travers une rétrospective, constitue alors pour lui « un véritable électrochoc, mais aussi un révélateur ». Trois mois plus tard, le jeune homme peint Mala Bestia, sa première toile. Depuis, Toma-L peint à l'instinct, librement, en marge de tout concept, concentré sur ses tripes et son geste. Personnages dissipés, lignes et formes sous tension, le peintre fait émerger un petit peuple agité, turbulent, charbonné sur papier ou sur toile.
André Marfaing (1925-1987) est un peintre et graveur non figuratif français associé à l'abstraction et à l'art informel. Ce catalogue raisonné constitue un répertoire complet de son oeuvre peint, depuis ses premières peintures de « jeunesse » (1948-1952) jusqu'à ses dernières oeuvres achevées en 1986. À la fin des années 1940, Marfaing commence son aventure avec la peinture. Ses premiers essais sont des natures mortes, des paysages ou encore des portraits. En 1952, l'artiste franchit le pas de la non-figuration, une étape fondamentale qui le conduit très vite à l'abstraction. Ses huiles sur toiles sont marquées par une prédominance du noir, appliqué en couches épaisses. La violence et la vivacité des gestes s'y révèlent. L'artiste fait apparaître des contrastes entre le noir et le blanc, entre l'ombre et la lumière, entre le vide et le plein. À partir de 1971, Marfaing se tourne vers la peinture acrylique, ce qui engendre des modifications formelles au coeur de sa peinture. Ses toiles deviennent alors plus épurées et ascétiques. Ce catalogue raisonné retrace pas à pas le chemin de l'artiste, donnant à découvrir les oeuvres, les écrits, les amitiés et les combats de ce grand représentant de l'art abstrait en France.
Cet ouvrage rend hommage à Giorgio Morandi (1890-1964) en tant que figure paradigmatique du XXe siècle : un homme qui a traversé deux guerres mondiales et qui a vécu de plein fouet les désillusions de l'époque. Dans ce contexte sombre, il recherchait un ordre strict et une harmonie formelle, tout en laissant place à l'incertitude et à la surprise. Ce volume analyse les peintures et oeuvres de l'artiste realisées entre les années 1920 et 1960, accompagnées de documents et de photographies inédits.
Ce livre est un document unique. Il montre comment Sophie est restée passionnément dévouée à son art malgré la menace de deux guerres mondiales. Cela ouvrira les yeux des lecteurs sur la façon dont une femme a non seulement trouvé et préservé son moi intérieur et sa joie dans des circonstances extrêmement difficiles grâce à ses oeuvres d'art, mais a également exploité une force énorme pour endurer la vie et rester fidèle à elle-même.
An affordable introduction to the Art Informel pioneer's poetical use of everyday materials.
A leading light of the Art Informel generation that also included Tàpies and Dubuffet, Alberto Burri (1915-95) continues to exert a huge influence on artists today, as the popularity of his 2015 Guggenheim show and the perpetual scarcity of Burri monographs attests. This volume--the most comprehensive book on the artist in print--explores the beauty and complexity of the creative process, "material poetry," that undergirded all of his work.
Burri worked with the most varied materials with an inexhaustible creative energy: tar, paper, fabric, jute sacks, combustions of plastic, wood and iron all found their way into his picture plane, transfiguring the vocabulary of painting for the postwar sensibility. The titles of Burri's various series convey this "material poetry" Gobbi (hunchbacks), Muffe (molds), Bianchi (whites), Legni (woods), Ferri (irons), Combustioni plastiche (plastic combustions), Cretti and Cellotex. This affordable volume introduces Burri's poetical vocabulary of materials for a new audience.
A tribute to Valerio Adami's more than 60 years of artistic research.
Realized in collaboration with the Valerio Adami Archive, the monograph is published on the occasion of the anthology that celebrates sixty-five years of research by Valerio Adami (1935), a well-known European painter (he lived between France and Italy) recognized as a valid interlocutor by all contemporary philosophers. Valerio Adami is a contemporary Italian painter belonging to the New Figuration movement.
Cet imposant catalogue retrace l'ensemble de la carrière de Marc Quinn, artiste britannique associé au mouvement des Young British Artists, dont les oeuvres monumentales et sulfureuses se vendent pour des centaines de milliers de dollars.
The work of one of the main protagonists of international contemporary art
Published in collaboration with the artist, the monograph brings together more than one hundred works, shaping a visual narrative of the rich artistic production of Giuseppe Penone (1947) that extends from the 1960s to the present day.
Ce catalogue, édité à l'occasion d'une rétrospective au Musée d'Art Moderne de Lugano (mars-juin 2005) propose un tour d'horizon de la vie et l'oeuvre de Basquiat.
A chronicle of the Surrealist art couple famed for their alien landscapes and biomorphic forms.
This volume delves into the fecund creative partnership between American artist Kay Sage (1898-1963) and French-American artist Yves Tanguy (1900-55), who were known for generating eerie landscapes sparsely populated with biomorphic life forms. They also married in 1940.
In this account of their relationship, particular attention is cast toward Sage, whose legacy has long been obscured by the better-known Tanguy, a key figure of French Surrealism. A visual chronology charts the various stages of Sage's practice in Italy and Paris before returning to New York in 1939. The book also reflects upon Tanguy's premature death in 1955 and Sage's subsequent choice to avidly promote and safeguard his legacy at the price of her own rising star. Over 50 images of works by Sage and Tanguy are supplemented by an abundance of new scholarship.
Une sélection exceptionnelle de sculptures présentée par Germano Celant et exposée à la fondation Vedova à Venise. On y découvre ses céramiques des débuts des années 60, mais aussi ses travaux en bronze, bois, aluminium et même porcelaine, ainsi que des esquisses préparatoires.
