A definitive survey on the Dada participant and pioneer of abstraction between art and craft, spanning her textiles, marionettes, stained glass, paintings and more Accompanying the first retrospective of Taeuber-Arp's work in the United States in 40 years, Sophie Taeuber-Arp: Living Abstraction is a comprehensive survey of this multifaceted abstract artist's innovative and wide-ranging body of work. Her background in the applied arts and dance, her involvement in the Zurich Dada movement and her projects for architectural spaces were essential to her development of a uniquely versatile and vibrant abstract vocabulary. Through her artistic output and various professional alliances, Taeuber-Arp consistently challenged the historically constructed boundaries separating fine art from craft and design.
This richly illustrated catalog explores the artist's interdisciplinary and cross-pollinating approach to abstraction through some 400 works, including textiles, beadwork, polychrome marionettes, architectural and interior designs, stained glass windows, works on paper, paintings and relief sculptures. It also features 15 essays that examine the full sweep of Taeuber-Arp's career. Arranged into six chapters that follow the exhibition's sections, these essays trace the progression of Taeuber-Arp's creative production both chronologically and thematically. A comprehensive illustrated chronology, the first essay on Taeuber-Arp's materials and techniques, and an exhibition checklist based on new research and analysis detail the expansive nature of Taeuber-Arp's production.
Sophie Taeuber-Arp was born in 1889 in Davos, Switzerland, and trained at the interdisciplinary Debschitz School in Munich. In 1914, she began a successful applied arts practice in Zurich, where she also taught textile design and participated in the Dada movement. Starting in the late 1920s, Taeuber-Arp completed several architectural and interior design projects, most significantly the Aubette entertainment complex in Strasbourg. When she moved to Paris in 1929, she turned her attention to abstract paintings and painted wood reliefs. During the Nazi occupation, Taeuber-Arp spent her final years in the South of France, and died of accidental carbon monoxide poisoning in 1943.
Couvrant 65 ans de carrière du célèbre artiste et reflétant sa propre approche interdisciplinaire, Ed Ruscha / Now Then présente plus de 250 objets, produits de 1958 à aujourd'hui, y compris des peintures, des dessins, des estampes, des films, des photographies, des livres d'artistes et des installations. Publié pour accompagner la présentation la plus complète de l'oeuvre de l'artiste à ce jour, et sa première exposition personnelle au MoMA, ce catalogue richement illustré met en évidence les oeuvres les plus appréciées d'Ed Ruscha ainsi que des aspects moins connus de sa pratique. Les essais d'un groupe interdisciplinaire de contributeurs examinent l'oeuvre de Ruscha sous un nouveau jour, au-delà des catégories de l'art pop et conceptuel auquel il a traditionnellement été associé. Ils soulignent son exploration matérielle du langage, ses expériences avec des matériaux non conventionnels - comme la poudre à canon, le chocolat ou le tabac à chiquer - et ses livres auto-publiés.
Publié à l'occasion de la plus grande exposition de son travail aux États-Unis depuis plus de 30 ans et de la première grande rétrospective consacrée à Käthe Kollwitz dans un musée de New York, ce livre retrace la carrière de l'artiste des années 1890 au début des années 1940. Il présente environ 120 dessins, gravures et sculptures provenant de collections publiques et privées d'Europe et d'Amérique du Nord. Les projets les plus emblématiques de l'artiste mettent en valeur son engagement politique, tandis que des études et des épreuves de travail rarement vues éclairaient son processus créatif en constante évolution. Les essais explorent des aspects cruciaux de son art, de sa carrière et de son héritage, notamment son approche révolutionnaire du deuil des femmes et la réception de son travail parmi les artistes aux États-Unis.
Ce catalogue accompagne une exposition prévue au Kunstmuseum de Berne (octobre 21 - janvier 22), puis à la collection Menil à Houston au Texas (mars - août 2022) et enfin au MoMA (octobre 2022 - février 2023). Cette rétrospective revient sur l'ensemble de sa carrière et examine les influences qu'elle a eue sur les artistes des générations suivantes.
Adam Pendleton (né en 1984) travaille à la croisée de l'abstraction et de la politique. Combinant des références historiques et contemporaines apparemment incommensurables, l'oeuvre de Pendleton aborde des questions de dialogue et d'écriture, de langage et d'assemblage, et la manière dont la l'identité noire figurent. Pour Adam Pendleton: Who is Queen? Pendleton mettra en scène une exposition et une installation multimédias à grande échelle qui mettra en contact les mécanismes formels du contrepoint musical - le pliage et le déploiement de voix simultanées - avec l'esthétique de la protestation. Ce reader servira d'introduction et de catalogue à l'exposition et sera composé de sources textuelles photocopiées, dont beaucoup se rapportent directement au contenu et à la programmation de l'exposition.
Lygia Clark (1920 -1988) appartient à une génération d'artistes et d'intellectuels brésiliens particulièrement actifs au cours des années 60 et 70, qui se sont imprégnés des courants artistiques internationaux de leur époque et y ont contribué de manière originale. Le MoMA lui consacre une exposition (10/15 - 24/08/2014) qui présente les étapes importantes de la carrière de l'artiste à travers quelque 300 oeuvres organisées en trois sections : abstraction, néo-concrétisme et renonciation à l'art.
In 1931, Diego Rivera was the subject of The Museum of Modern Art's second monographic exhibition, which set new attendance records in its five-week run. The Museum brought Rivera to New York six weeks before the show's opening and gave him on-site studio space. There he produced five "portable murals" --large blocks of frescoed plaster, slaked lime and wood that feature bold images drawn from Mexican subject matter and address themes of revolution and class inequity. After the opening, to great publicity, Rivera added three more murals, now taking on New York subjects through monumental images of the urban working class and the city during the Great Depression. Published in conjunction with an exhibition that brings together key works made for Rivera's 1931 show, this catalogue casts the artist as a highly cosmopolitan figure who traveled between Russia, Mexico and the United States and examines the intersection of artmaking and radical politics in the 1930s. Illustrated with reproductions of each panel as well as related paintings, drawings, prints and documentary photographs, the book's essays investigate the international politics of muralism, Rivera's history with MoMA, the iconography of the portable murals and technical aspects of the artist's working process. Diego Rivera (1886-1957) was a central figure in the development of Mexican muralism, an ambitious public art initiative intended to relay Mexico's ideals after the Revolution (1910-1920). A highly cosmopolitan artist, Rivera had spent many years in Europe before returning to Mexico in 1921, and in 1927 he traveled to the Soviet Union where he met Alfred Barr, the soon-to-be founding director of The Museum of Modern Art, New York. Rivera's artistic celebrity benefitted from major commissions in the United States, including murals for the Pacific Stock Exchange, the California School of Fine Arts in San Francisco, MoMA and the Detroit Institute of Arts. By the 1930s, he enjoyed an unrivaled status at the center of international debates about public art and politics..
