« Prune Nourry est plus qu'une grande artiste. Elle est également psychologue, sociologue et anthropologue, puisant dans sa compréhension de l'Histoire et de l'humanité pour créer de l'art qui nous relie à notre passé et les uns aux autres. » George Lucas
L'artiste soulève des questions éthiques liées à la notion d'équilibre au sens large : le corps et son processus de guérison, le déséquilibre démographique dû à la sélection du genre et les dérives scientifiques, les écosystèmes et l'interdépendance entre les espèces vivantes. Les oeuvres qu'elle produit associent sculpture, installation, performance et font souvent l'objet de rituels, parfois d'enfouissement ou de disparition, qu'elle documente avec des photographies et des vidéos. Ses projets, internationaux, découlent de rencontres avec des spécialistes, généticiens, sociologues, anthropologues ou archéologues, qui, comme l'artiste, sont souvent « guidés » par la sérendipité, ou l'art de faire une découverte par hasard lors de recherches sur un autre sujet.
La terre, sa matière de prédilection, est au coeur de la pratique de Prune Nourry, son point d'ancrage. Elle collabore avec de nombreux artisans qui lui permettent d'explorer d'autres matériaux et de nouvelles techniques. En Chine, par exemple, elle crée une « armée de filles » en terre cuite avec des artisans locaux, les Terracotta Daughters, inspirée des guerriers de Xi'an. Véritable colonne vertébrale de son travail sur près de 20 ans, elle est exposée autour du monde entre 2013 et 2015, de Shanghai à Paris en passant par Zurich, New York et Mexico, avant d'être ensevelie en Chine dans un lieu qui sera tenu secret jusqu'à son excavation en 2030.
Elle construit fin 2022 au Château La Coste une sculpture architecture troglodytique, une femme enceinte allongée sur le dos émergeant du paysage, Mater Earth, qui a nécessité la participation de 80 personnes issues de 14 corps de métiers différents. Cette installation pérenne, dont les fondations sont en pierres et la structure en briques de terre crue et cuite, porte en elle tous les thèmes chers à l'artiste : les mythes de création, la Terre, la fertilité et ses rites.
Début 2025, à la galerie Templon, Paris, l'exposition Vénus est pensée en lien avec son oeuvre monumentale Les Vénus dionysiennes pour le Grand Paris Express dans la gare Saint-Denis-Pleyel, créée en tandem avec l'architecte Kengo Kuma. Elle réunit des portraits de huit femmes sous forme de Vénus en bronze ou en terre cuite.
In het gevarieerd oeuvre van James Ensor vormt de satire een van zijn meest geliefde uitdrukkingsmiddelen. De vaak knarsende en soms ronduit schaamteloze humor van de Oostendse schilder verschijnt in grotesk of burlesk aandoende taferelen waarin hij zonder aarzeling de spot drijft met historische feiten, sociaal onrecht aanklaagt of kritiek uit op de politiek van zijn tijd. Deze expo maakt deel uit van Ensor 2024, ter ere van 75-jarig overlijden van kunstenaar James Ensor.
Le 18 septembre 1924, Le Corbusier s'installe au 35, rue de Sèvres, à Paris, au premier étage de l'aile désaffectée d'un couvent occupé par des Jésuites. Il y bénéficie de « la disposition de murs très importants pour l'étude des dessins », pour achever son pavillon de l'Esprit nouveau à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925. Le plus emblématique des architectes du xxe siècle y restera quarante ans, jusqu'à sa mort en 1965. Quarante années pendant lesquelles défileront dans ce couloir de 40 m de long, 3,50 m de large et 4 m de haut, plus de deux cents architectes venant d'une quarantaine de pays, au premier rang desquels Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret, Iannis Xenakis, Josep Lluis Sert, André Wogenscky, Roger Aujame, José Oubrerie, Junzo Sakakura... S'appuyant sur une iconographie en partie inédite et des témoignages d'anciens collaborateurs, cet ouvrage retrace en détail la vie de ce lieu emblématique, de sa naissance à sa destruction. Il restitue, grâce à des photographies d'époque, les nombreux réaménagements de Le Corbusier, comme la création de son studiolo de 6 mètres carrés dans lequel il expérimenta les grands principes de son architecture. Il revient également sur l'incroyable aventure humaine du 35S et dresse le portrait d'un homme habité par son art - l'architecture, comme la peinture -, ses idées et ses projets.
Artiste contemporain né à Barcelone en 1955, Jaume Plensa commence à exposer, au début des années 1980, des volumes en tôle découpée et soudée, en fonte d'acier, puis des installations procédant de techniques de plus en plus variées. Des emprunts à la littérature et à la poésie, parfois la sienne, viennent mêler le verbe et la citation à la matière sculptée ou dessinée. Dans les années 1990, la lumière et la transparence du verre ou de la résine accompagnent la prise en compte nouvelle du corps humain et de son échelle. Une famille de silhouettes anonymes et méditatives peuple aujourd'hui l'univers de Jaume Plensa.
En 1994, il est invité par la ville de Valence pour exposer dans l'espace urbain et dans les salles du musée municipal. Plutôt que d'exposer au musée, l'artiste choisit de créer 21 portes en fonte d'acier, qu'il fit installer dans 21 lieux emblématiques de la cité. Répondant à l'invitation renouvelée de la ville, le sculpteur et dessinateur de renommée internationale livrera prochainement une sculpture de 4 mètres de hauteur réalisée en acier inoxydable. Composée à partir des différents alphabets du monde, lettres et symboles s'entrelacent de manière aléatoire telle une dentelle de métal déployant le dessin d'une silhouette qui, en position assise, évoque un corps humain autant qu'une communauté universelle.
L'ouvrage propose une déambulation libre entre la proposition imaginée en 1994 et celle pensée pour la place des Ormeaux en 2024, au coeur du centre historique. Il offre aussi une large part à la production graphique de l'artiste. Dessins et estampes entretiennent des relations étroites avec le corps humain et s'associent aux mots des plus grands poètes et dramaturges - Dante, Baudelaire et Shakespeare... - comme à ceux de la Déclaration universelle des droits de l'Homme.
Max Jacob, le cubisme fantasque retrace le parcours du poète-peintre sous un angle inédit, dressant le portrait d'un artiste protéiforme, dont le travail et les amitiés en ont fait l'une des figures majeures de la modernité durant la première moitié du XXe siècle.
À l'occasion des 80 ans de la déportation du poète en 1944, l'ouvrage explore ses liens avec l'univers cubiste, ses collaborations avec les plus grands peintres, poètes, intellectuels et musiciens de son temps, ainsi que ses séjours à Céret et en Espagne.
Une centaine d'oeuvres de Max Jacob et de ses contemporains, de Pablo Picasso à Amedeo Modigliani, en passant par Juan Gris, Marie Laurencin, Moïse Kisling, Jean Metzinger, Serge Férat, la baronne d'Oettingen, Louis Marcoussis, Alice Halicka ou encore Dora Maar, mettent ainsi en avant les différentes facettes du travail de l'artiste, entre littérature et arts graphiques.
Ce nouveau livre d'Invader est conçu comme une time capsule qui restera consultable quand Instagram, les smartphones ou même Internet auront disparu et auront été remplacés par d'autres technologies. Alors, on pourra parcourir cet « instabook », témoignage de dix années d'activités d'un artiste sur le grand réseau social d'une époque.
Ce catalogue, publié à l'occasion d'une exposition d'Invader au MIMA de Bruxelles, revientent sur sa pratique du Rubikcubisme. Le terme, inventé par l'artiste en 2005, fait référence à son travail d'atelier autour du Rubik's cube, célèbre casse-tête coloré, avec lequel il crée des tableaux et sculptures.
À travers plus de deux cents impressions d'époque, le volume présente un large éventail, exhaustif et inédit, de l'oeuvre de Brassaï. Hongrois de naissance mais parisien d'adoption, Brassaï - pseudonyme de Gyula Halász - fut l'un des principaux acteurs de la photographie du xxe siècle, celui que son ami Henry Miller surnommait « l'oeil vivant ». Ses clichés d'un Paris mystérieux sont célèbres. Dévoilés par l'éclairage public, enveloppés dans la brume ou baignés par la pluie, ils offrent un témoignage sur l'atmosphère nocturne qui régnait dans la capitale à son époque. Mais Brassaï a également voyagé dans l'Europe entière, en Italie et en Espagne entre autres, et aux États-Unis, laissant derrière lui des photographies qui portent l'empreinte de sa curiosité et de son style. Sa production est proposée ici, de ses premiers clichés influencés par le mouvement surréaliste aux iconiques images de Paris dans ses habits voluptueux et mondains. Une attention particulière a été portée aux « graffiti », immortalisés par Brassaï lors de ses explorations des murs parisiens, révélateurs de son attachement aux arts visuels et à des artistes comme Jean Dubuffet. Enfin, les photographies dédiées au nu féminin, à la mode, aux portraits de ses amis artistes et d'enfants, et ces petits paradoxes et sculptures involontaires que la réalité offrait à son regard et que Brassaï, créateur d'images, savait saisir dans l'immédiateté de l'instant.
Né en Chine en 1895, Sanyu arrive à Paris au lendemain de la Grande Guerre, dans le sillage des premiers artistes venus d'Asie se former aux techniques de l'art occidental. À la tradition académique de l'École des beaux-arts, le jeune homme préfère toutefois le climat de liberté créative des ateliers de la Grande Chaumière, dans le Montparnasse cosmopolite et euphorique des Années folles. Il y côtoie l'avant-garde artistique et s'initie aux recherches formelles de l'art européen tout en restant fidèle à son propre héritage culturel. Ses dessins suscitent rapidement l'intérêt de ses pairs, fascinés par une ligne souple qui porte en elle toute la richesse et la complexité de la tradition calligraphique et picturale chinoise. Tombé dans l'oubli après sa mort en 1966, Sanyu n'a été redécouvert que récemment. Il est aujourd'hui considéré en Chine et à Taïwan comme l'un des maîtres de la peinture à l'encre moderne.
Malgré les tribulations personnelles qui le maintiennent dans un mouvement constant, Ai Weiwei demeure un aimant culturel. Fondée sur ses positions politiques et son activité sur les réseaux sociaux comme sur ses interventions dans l'espace public, son approche contemporaine du «ready-made» et sa connaissance de l'artisanat traditionnel chinois, la renommé d'Ai dépasse largement le monde de l'art.
Réalisée à partir de l'Édition collector limitée publiée par TASCHEN, cette monographie explore chaque étape de la carrière d'Ai, jusqu'à sa libération des geôles chinoises. Il comprend une large part de documents visuels qui retracent l'évolution du maître, depuis son premier séjour à New York jusqu'à ses dernières créations, et met l'accent sur certains moments déterminants : sa percée mondiale au début des années 2000, son oeuvre en porcelaine Sunflower Seeds pour le Turbine Hall de la Tate Modern, sa réaction après le tremblement de terre au Sichuan en 2008 et sa détention par la police en 2011. Grâce aux images des coulisses de son studio, aux photographies de production et aux nombreuses citations extraites d'interviews exclusives d'Ai, le livre offre un aperçu privilégié de sa méthode de travail, de ses influences et de son envergure.
L'ouvrage comprend des textes d'Uli Sigg, ami de longue date d'Ai et ancien ambassadeur de la Suisse en Chine, et de Roger M. Buergel, commissaire de l'exposition Documenta de 2007 qui accueillit l'oeuvre Fairytale.
Pierrette Bloch est l'une des artistes européennes les plus renommées de l'abstraction d'après-guerre. Indépendante, elle s'est tournée tout au long de son parcours vers les matériaux pauvres et les motifs réduits qu'elle organise entre ordre et désordre. Les oeuvres de Pierrette Bloch se situent à la convergence d'une multitude d'itinéraires singuliers, utilisant au fil des années aussi bien la peinture, le collage, le tissage, et dans lesquelles les questions de liberté d'expression et d'abstraction sont omniprésentes. Pour la première fois une grande rétrospective de son oeuvre sera présentée au musée MAMC+ de Saint-Étienne du 19 avril au 21 septembre 2025. Le catalogue d'exposition, à l'image de l'oeuvre de Pierrette Bloch, est protéiforme. Il offre une large place aux reproductions de la centaine d'oeuvres présentées au public dans l'exposition (peinture, collage, marouflage, peinture à la plume et au crin de cheval, etc.) mais il apporte également un éclairage original sur la vie et la production de Pierrette Bloch grâce aux regards portés par six auteurs. Aurélie Voltz, directrice du MAMC+, signe l'introduction de l'ouvrage , Marcel Cohen, écrivain, s'empare des anecdotes de vie de Pierrette Bloch pour nous livrer un bijou littéraire , David Quéré, ayant-droit de l'artiste et commissaire de nombreuses expositions dédiées à l'artiste, livre un texte étayé sur ses souvenirs avec Pierrette Bloch. Natalie Adamson et Camille Paulhan, toutes deux historiennes de l'art, proposent deux essais recontextualisant l'oeuvre et l'artiste. La contribution de Valérie Mréjen, romancière, plasticienne et vidéaste, s'appuie sur le fonds photographique familial de l'artiste pour créer une biographie fictionnelle dont les règles du jeu sont à définir. Un ouvrage monographique où l'on retrouve la gravité et l'humour caractéristique de Pierrette Bloch. Un ouvrage aussi inédit et surprenant que l'exposition à venir.
Catalogue « bio-monographique » éclairant la démarche de l'artiste, sculptrice et céramiste Valentine Schlegel, dont la pratique, intimement liée à son quotidien, répond à une logique certaine : celle de créer ses propres conditions de vie. Réalisé par l'artiste Hélène Bertin suite à une recherche sur Valentine Schlegel, édité par Hélène Bertin et Charles Mazé & Coline Sunier.
Née en 1925, Valentine Schlegel a développé une pratique plastique quotidienne entre Paris et Sète. À l'image d'un couteau suisse, elle maîtrise plusieurs techniques pour réaliser des objets usuels aux corps sculpturaux: couverts en bois, vases en céramique, sacs en cuir, cheminées en plâtre. Conçu sans hiérarchie, souvent en collaboration avec ses amis, ce corpus est fait d'objets de différentes dimensions et aux usages tantôt fantaisistes, tantôt quotidiens. Valentine Schlegel a également réalisé nombre d'éléments architecturaux en plâtre destinés aux intérieurs. Ces sculptures à vivre sont aussi, par leur caractère indéplaçable, la raison pour laquelle son travail est resté méconnu.
Valentine Schlegel: je dors, je travaille par Hélène Bertin est un catalogue « bio-monographique » réunissant une nouvelle iconographie et des documents d'archives. Des notices biographiques séquencent le livre et éclairent la démarche et la vie de Valentine Schlegel.
Grâce à une iconographie riche et précisément sélectionnée, cette monographie de référence permet notamment de documenter l'ensemble des cheminées que Valentine Schlegel a réalisées chez des particuliers - une centaine de 1959 à 2002. Les autres pans de son travail sont également abordés afin de saisir l'ensemble de sa pratique, intimement liée à son mode de vie, où les questions d'autonomie de production et d'amitié sont centrales.
«je dors» et «je travaille» sont deux énoncés peints sur une pancarte réversible accrochée à la porte de l'atelier sétois de Valentine Schlegel. Ils correspondent à deux temps différents de ses journées, invitant à l'isolement ou à la compagnie. Ces deux «activités» ne sont pas à prendre comme des opposés mais comme indissociables l'une de l'autre: elles servent de structure à l'édition en rendant perceptible les choix de modes de vie personnels et professionnels de Valentine Schlegel.
De par le déroulé chronologique, chaque page du livre peut être perçue comme un moment d'une journée, où la fabrication d'un ustensile de cuisine, la pratique de la sieste dans une couchette spécialement conçue à cet effet, la création d'une cheminée en plâtre pour la maison d'un collectionneur ou d'un sifflet en forme de sirène pour un cadeau à une amie sont les témoins d'une pratique totale et quotidienne, sans ordre hiérarchique mais répondant à une logique certaine: celle de créer ses propres conditions de vie.
Publié à l'occasion de l'exposition « Cette femme pourrait dormir dans l'eau - Valentine Schlegel par Hélène Bertin » au CAC Brétigny, du 30 septembre au 09 décembre 2017.
Hélène Bertin (née en 1989 à Pertuis, vit et travaille à Paris) traverse doucement la France en suivant les cours d'art appliqués au lycée en Avignon, de l'École des beaux-arts de Lyon puis de l'École des beaux-arts de Paris-Cergy. À la fin de ses études, elle s'installe à Paris et à Cucuron, son village natal. Elle développe une pratique qui met en mouvement le travail d'artiste, de curateur et d'historienne. Ses objets de sculptrice ont des qualités usuelles qui se dérobent à l'espace du white cube. Ils se vivent dans l'intimité de la sphère privée, comme l'espace de l'atelier, de la maison, et en extérieur. Hélène Bertin travaille aussi en collectif avec Plafond, avec qui elle partage des moments de réflexion et des expositions. Avec l'aménagement de son atelier à Cucuron, le « workshop culinaire » est l'un de ses terrains d'expérimentation collective où des artistes se regroupent autour de mets qu'ils confectionnent, mangent et digèrent ensemble. Investie dans son village, c'est dans un vignoble de vin naturel qu'elle a récemment organisé sa première exposition collective. Depuis plusieurs années, elle réalise des recherches autour de Valentine Schlegel qui, comme une guide, lui a ouvert sa pratique originale et libre de l'art.
Studies the evocative work of French artist Françoise Pétrovitch through the lens of absence.
Françoise Pétrovitch, born in 1964, is among the most distinguished contemporary artists in France. Her art reveals ambiguous, often transgressive worlds that play with conventional boundaries and defy interpretation. The intimate, the fragment, the disappearance, as well as themes such as doppelgängers, transition, and cruelty, run through her works, which are populated by animals, flowers, and creatures and whose atmosphere, alternately bright or nocturnal, rarely leaves a viewer untouched.
Framed by the topic of absence, this volume features new and recent drawings, prints, and video art by Françoise Pétrovitch. Absence can be agonizing, a tragedy. As a counterpart to presence, it is characterized by longing and projection; it describes the passing of time, distance, and lack. Richly illustrated and with essays on Pétrovitch's art and the various techniques she uses, the book offers a deep look into the worlds she creates.
Kubin's eerie, unsettling illustrations reveal his preoccupation with the world's evils
For Austrian artist Alfred Kubin (1877-1959), evil was intrinsic to his life and work. After a traumatic childhood growing up in Zell am See and subsequent mental crises, he began his artistic training in Munich in 1898. He processed his nightmares and obsessions in a large number of fantastical drawings. His subjects, perpetually pessimistic, remain relevant a century later: war, famine, pestilence, death and every horror in between. Kubin had a pronounced fear of the feminine, sexuality, night time and of being at the mercy of fate, all of which visited him in uncanny dreams. For Kubin, the aesthetic of evil proved to be the antithesis of the idyll: the deliberate suppression of a hideous reality.
Drawn from the Albertina Museum's collection of over 1,800 drawings by the artist, The Aesthetic of Evil displays Kubin's grotesque vision as well as his superb draftsmanship. Amid the violent, haunting atmosphere of his graphic works it is easy to see how Kubin became trapped in his dark visions, to the point where the inexhaustible, intangible specter of evil consumed his life. Essays by Elisabeth Dutz, Natalie Lettner and Brigitte Holzinger explore Kubin's cosmos of the sinister: his personal iconography of evil fueled by his nightmares and obsessions.
Artiste pluridisciplinaire, Guy de Rougemont (1935-2021) s'est affirmé autant dans la peinture que dans la sculpture et les arts décoratifs, dans un jeu permanent autour de la couleur, des lignes et des formes. L'emballage monumental des colonnes au musée d'Art moderne en 1974, le dallage très remarqué du parvis du musée d'Orsay en 1986 ou encore celui du ministère des Finances en 1987, mais aussi l'aménagement sur trente kilomètres de l'autoroute A4 en 1977 marquent toujours les esprits, résultat de la volonté de l'artiste d'inscrire l'art dans la vie des passants. Guy de Rougemont se réinvente constamment, entre espace public et privé, urbain et domestique, entre pop art et minimalisme. Sa table nuage, ses totems colorés, ses lignes serpentines, ses tapisseries pour le Mobilier national, ses couverts et autres oeuvres plus confidentielles lui valent une grande rétrospective au musée des Arts décoratifs en 1990. Il est élu académicien dans la section peinture en 1997.
L'ouvrage écrit par Gay Gassmann comporte des contributions de Jacques Grange, Pierre Passebon, Diane de Polignac, Julio Le Parc, Adrien Goetz, Hervé Lemoine et Julie Goy, et nous emmène dans l'oeuvre de l'artiste, ouvrant les portes de son atelier parisien, mais aussi de celui de Marsillargues, en Camargue, ce havre de paix qui lui était si cher.
C'est à Paris, lors d'une exposition consacrée à Picasso en 1927, que Francis Bacon prend la mesure de sa vocation de peintre.
En 1946, il part s'installer pour quatre ans sur la Côte d'Azur, à Monaco. Son séjour dans la Principauté marquera un tournant dans son art : avec sa série de « papes », il sera désormais le peintre de la figure humaine.
C'est également à Paris qu'il noue des amitiés avec nombre d'artistes et d'intellectuels, comme Giacometi ou Leiris, et qu'il connaît sa consécration en 1971 avec la rétrospective au Grand Palais. En 1975, il prend même un pied-à-terre dans le Marais.
Ce livre raconte les liens intimes de Bacon avec la France et Monaco.
Documenting the great, late, neglected work of a modernist master
The French avant-garde painter Francis Picabia (1879-1953) was one of the great innovators of 20th-century modernism, with a career defined by his restless, visionary approach. In 1945 he settled permanently in Paris and in his final years returned to abstract painting. This book delves into Picabia's practice between the years 1945 and 1953?an incredibly rich yet largely unknown period during which Picabia created paintings unlike anything he had produced before. Essays by art historian Arnauld Pierre and scholar Candace Clements shed new light on the hidden signs and symbols buried in his abstractions, the new painting techniques he employed, and the mysterious and fantastical reappearance of the "dot" in his work. Eternal Beginning is an essential resource, marking the first in-depth exploration of a crucial period in Picabia's practice.
Artiste encore en activité à 99 ans, Vera Molnar place sa pratique entre art concret, art construit et art conceptuel. Ses ancêtres plastiques sont incontestablement Kandinsky, Malevitch, Mondrian et Klee. Elle est également considérée comme une pionnière du dessin par ordinateur, ayant contribué à partir des années 1960 au mouvement de l'art numérique.
Cet ouvrage rétrospectif du travail de l'artiste présente les multiples visages de Vera Molnar en présentant ses premières oeuvres depuis la ??n des années 1940 jusqu'à aujourd'hui, avec ses dernières réalisations : vitraux pour l'abbaye de Lérins (Alpes-Maritimes), photogrammes, NFT...
Ce livre, le plus complet édité à ce jour, offre un regard particulier sur les apports de cette artiste majeure de l'art abstrait au champ particulier de l'art numérique.
L'ouvrage s'accompagne d'un ensemble de textes d'auteurs, spécialistes du travail de Vera Molnar et historiens de l'art : Vincent Baby, Florence de Méredieu, Jean-Claude Risset, Isabelle Ewig, Pierre Braun, Anne Tronche, Erwin Steller, Frieder Nake.
À l'approche de son centenaire l'artiste béné??ciera d'une exposition au Centre Pompidou à l'automne 2023.
Rayons de lumière.
Man Ray, le maître polyvalent de l'imagerie moderniste.
Man Ray (1890-1976) était un moderniste aux intérêts multiples, qui appliqua son talent à la peinture, à la sculpture, au cinéma, à l'estampe et à la poésie. C'est cependant son oeuvre photographique, notamment ses études de nus, ses photos de mode et ses portraits, qui ont inscrit son nom parmi les pionniers, auteurs d'un nouveau chapitre de l'histoire de l'art et de la technique photographique.
À travers une large sélection de ses oeuvres connues ou plus discrètes, cette monographie compose une vue d'ensemble vivante du travail protéiforme de Man Ray et de son legs photographique. Elle retrace sa vie depuis ses débuts d'artiste à New York jusqu'au rôle central qu'il joua dans l'avant-garde parisienne, qui le vit figurer dans la première exposition surréaliste avec Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró et Pablo Picasso, et au sein de laquelle il produisit des oeuvres aussi illustres que Noire et blanche et Le Violon d'Ingres. Au fil de très nombreux exemples de natures mortes et de portraits, notamment, on découvre comment Man Ray a constamment expérimenté de nouvelles techniques et poussé la photographie hors du domaine documentaire pour la transporter vers des expressions poétiques éthérées en jouant avec l'exposition multiple, la solarisation et sa version personnelle du photogramme qu'il s'amusait à baptiser «rayographie».
In 1955 the Franco-Belgian poet and visual artist Henri Michaux (1899-1984) tried
the psychedelic drug mescaline, an experience that transformed his artistic life and
provoked an outpouring of writings and distinctive drawings. Accompanying an
exhibition at the Courtauld Gallery, this fascinating catalogue celebrates these unique
drawings.
This catalogue and exhibition celebrate the unique Mescaline Drawings by the Franco-
Belgian poet and visual artist Henri Michaux (1899-1984). In January 1955, as part of an
experiment prompted by his publisher, Michaux, who was then 56 years old, tried the
psychedelic drug mescaline, a product derived from the Mexican peyote cactus. The
aim of the experiment was to investigate the effect of this type of non-addictive drug
on the creative act. Michaux considered these experiences to be a portal into the inner
workings of the mind.
The investigation transformed Michaux's artistic life and provoked an outpouring
of writings and distinctive drawings during the 1950s and 1960s, the latter being
at the centre of this exhibition. Created after the effects of mescaline (and at times
other drugs such as hashish, LSD and psilocybin) had passed, the drawings are the
astonishing transcriptions of the artist's sensation, rendered as if by a sort of shuddering
seismograph. This display and the accompanying catalogue, which present works rarely
seen in the UK, will showcase Michaux's extraordinary experience, one that pushed the
limits of what the essence of drawing is.
Fondation Beyeler's invitation to the voyage through the oeuvre of one of the moste famous modernist artists - from his early paintings to his legendary late silhouettes.
Henri Matisse is one of the most celebrated artists of Modernism. His groundbreaking work had a significant influence on his contemporaries and many subsequent artists to this day. The retrospective at the Fondation Beyeler spans all of the artist's creative periods. Beginning with the paintings from around 1900, the show advances through the revolutionary Fauvist paintings, the experimental works of the 1910s, the sensual paintings from the Nice period and the 1930s, and culminates in the legendary cut-outs of his late period. Drawing on Charles Baudelaire's poem Invitation to the Voyage from 1857, the exhibition and catalogue are conceived as a journey through Matisse's work and life.
Cette première monographie de l'artiste française installée à Los Angeles, célèbre pour son approche figurative et engagée dans laquelle le corps est le sujet central, présente une large sélection de ses oeuvres (de nombreuses peintures et dessins présentés sur des papiers différents, et quelques sculptures) ainsi qu'une douzaine vues d'exposition. Elle est accompagnée de deux textes critiques originaux écrits par Anna Katherine Brodbeck et Annabelle Teneze, ainsi que de douze citations choisies par l'artiste (Jorge Luis Borges, Alice Neel, Pierre Guyotat, Georges Bataille, Marguerite Yourcenar, Sebald, Oscar Wilde, Adonis, Agnès Martin...) qui ouvrent chacune des parties.
A wide-ranging monograph of over 100 prints by Hockney.
David Hockney (b. 1937) is renowned for his distinctive paintings, mostly portraiture and landscape, but also for his approach to works on paper and printmaking, mirror ing the vibrancy and diligent indexing seen in his broader body of work. Hockney's prints often showcase a dynamic interplay of color, form, and perspective, reflecting his keen eye for visual storytelling of intimate elements of his own life.
