L'ouvrage le plus complet consacré à l'artiste français JR, dans une nouvelle édition augmentée de ses derniers projets
JR : L'art peut-il changer le monde ? rassemble tous les projets artistiques collaboratifs réalisés par JR à travers le monde. Cette monographie exhaustive est illustrée de plus de 350 photographies de ses projets, de ses oeuvres exposées en galerie et des coulisses de son travail. Réalisé en étroite collaboration avec l'artiste, ce livre inclut ses oeuvres récentes. Chaque chapitre présente une oeuvre majeure, depuis Expo 2 Rue, qui a lancé sa carrière, à The Chronicles of Miami, une immense fresque murale composée de plus de 1 000 portraits, exposée à Miami entre décembre 2023 et janvier 2024. Préfacé par George Lucas, l'ouvrage inclut également une bande dessinée de Joseph Remnant, une introduction de Nato Thompson et un texte de la réalisatrice italienne Alice Rohrwacher, qui retracent l'histoire fascinante de JR. Lire la suite Fermer

Embarquez pour un surprenant périple à travers une histoire de l'art dépoussiérée par la superstar du street art ! Défiant une nouvelle fois les conventions au gré de ses innombrables fresques, installations urbaines et parodies picturales, l'artiste porte un regard subtil et acéré sur les grands classiques qu'il réinvente en toute irrévérence et qu'il nous invite, dans le même temps, à reconsidérer à l'aune de nos préoccupations actuelles. + de 40 oeuvres célèbres revisitées par banksy, présentées et analysées par le critique d'art, Kelly Grovier.

Un moineau et des fleurs, un arbre sous la neige, la montagne au loin... Le poète Kobayashi Issa (1763-1828) n'a jamais été aussi heureux que dans son jardin, à composer des vers inspirés par la nature et les saisons. Sont ici réunis 100 de ses plus beaux haïkus, illustrés par de célèbres artistes, de Hiroshige à André Kertész, avec des oeuvres qui mêlent estampes japonaises, dessins à l'encre et photographies contemporaines.

Banksy est connu entre autres pour ses oeuvres sur le mur de séparation entre la Palestine et Israël et ses installations sauvages dans les plus grands musées du monde.Dans un monde où nous sommes bombardés de messages publicitaires qui envahissent l'espace public, ses oeuvres offrent un regard différent - un regard à la fois drôle et incisif, sans être dogmatique pour autant.
Ce livre, première traduction française de l'ouvrage anglais Banksy, Walls and Piece, rend compte de cette production artistique hors normes, mélange de subversion et d'ironie, qui interroge sur un mode décalé et percutant, notre réalité sociale et culturelle.
L'ouvrage accompagnera la sortie en France du film Faites le mur ! (Exit through the gift shop), réalisé par Banksy lui-même. Il a été présenté aux festivals de Sundance, Berlin et Deauville.
L'événement est soutenu par une importance promotion médias : partenariat France Inter, Le Monde, Télérama, Les Inrockuptibles, dossier dans Beaux-Arts Magazine.
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La monographie la plus comple`te a` ce jour sur Willem de Kooning, figure de proue de l'expressionnisme abstrait aux E´tats-Unis.
Une façon de vivre : l'art de Willem de Kooning est l'ouvrage le plus complet sur l'un des peintres les plus influents du XXe siècle. Ponctuée de citations de l'artiste, cette e´le´gante monographie retrace la vie personnelle et artistique de Willem de Kooning, de ses ce´le`bres Woman a` ses dernie`res toiles, a` travers de nombreuses photographies personnelles et reproductions qui remettent son oeuvre en contexte.
Judith Zilczer est autrice et commissaire d'exposition honoraire au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de la Smithsonian Institution, a` Washington. Elle est conside´re´e comme une spe´cialiste de premier plan de l'art de Willem de Kooning.
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Dieter Rams est l'un des designers les plus influents du XXe siècle. Ses créations pour des marques comme Braun et Vitsoe ont influencé la vie de millions de personnes. Pendant plus de soixante ans, il a défini les caractéristiques esthétiques, techniques et fonctionnelles de certains des produits de consommation les plus appréciés au monde. Mais Dieter Rams s'est aussi distingué par sa manière de regarder les objets qui nous entourent et par sa capacité à reconnaître leur valeur et leur utilité. Rédigé par l'historien du design Klaus Klemp et réalisé en étroite collaboration avec Dieter Rams lui-même, ce livre est le premier catalogue raisonné de l'ensemble des oeuvres du designer, qui incarne - tant esthéti­quement que fonction­nellement - sa vision unique du design. Les produits, présentés de manière chrono­logique, sont accom­pagnés d'une description détaillée et d'une légende complète indiquant notamment leur taille et leur poids. Cet ouvrage est un guide de référence incon­tour­nable et se veut un hommage à la contribu­tion fonda­mentale de Dieter Rams à l'histoire du design industriel. Lire la suite Fermer

Dana Wyse est une écrivaine canadienne et une artiste contemporaine. Son entreprise pharmaceutique fictive, Jesus Had A Sister Productions, crée des pilules et des objets joyeusement emballés qui offrent la promesse d'un changement instantané. Combinant texte et images vintage, le travail de Dana Wyse reflète une société surmédicalisée, au bord de la folie. Son remède à l'inconfort des temps modernes est simple : pour survivre à notre bref séjour sur Terre, nous devons apprendre à rire de nous-mêmes. Elle est membre de l'équipe de recherche Art & Flux à l'université de la Sorbonne, à Paris. Elle ne vit pas avec un chat.

La collection complète des photographies de fleurs de Robert Mapplethorpe dans une superbe nouvelle édition
Connu pour son oeuvre avant-gardiste et provocatrice, Robert ­Mapplethorpe (1946-1989) est l'un des artistes les plus importants du xxe siècle. Il a étudié la peinture, le dessin et la sculpture à Brooklyn dans les années 1960, avant d'acquérir un Polaroid en 1970 et de se lancer dans la photographie. À partir de 1973 et jusqu'à sa mort, en 1989, il a exploré le monde des fleurs selon divers procédés, dont le Polaroid et le tirage Dye-­transfert. Ses compositions de roses, d'orchidées, de marguerites, de tulipes et de nombreuses espèces communes ou rares, ­soigneusement élaborées, ont bouleversé la façon dont nous percevons habituellement le thème, classique et familier, des fleurs dans l'art. Cette oeuvre magnifique et surprenante est rassemblée dans cet élégant ouvrage, avec un avant-­propos de Dimitri Levas, ami proche de ­Mapplethorpe, et une introduction d'Herbert Muschamp. Lire la suite Fermer

Depuis quand un urinoir n'est plus un urinoir? Depuis que Marcel Duchamp (1887-1968) a déclaré que c'était de l'art. Le tollé soulevé par l'artiste français et sa Fontaine (1917), un urinoir en porcelaine installé dans une galerie, a provoqué des ondes de choc qui se sont propagées dans le monde institutionnel de l'art jusqu'à aujourd'hui.

Duchamp a bâti son oeuvre sur la remise en cause de la notion d'art et a, en cours de route, ouvert notre esprit à des possibilités alors insoupçonnées. Après avoir indirectement adopté le cubisme au début de sa carrière, l'artiste s'est fait connaître avec son Nu descendant un escalier (1912), un mélange inédit d'abstraction, de cubisme et de futurisme, où la controverse est née du nu que l'on croit reconnaître à la mécanique décomposée de son mouvement. Au même moment, Duchamp entame son incursion vers les désormais iconiques «readymades» - des objets choisis apparemment au hasard que Duchamp présente comme des oeuvres d'art - tels que la Roue de bicyclette (1913), le Porte-bouteilles (1914) et une pelle à neige, intitulée En prévision du bras cassé (1915).

Duchamp a provoqué bien des apoplexies parmi les spectateurs respectueux des traditions, en commettant des outrages tels que L.H.O.O.Q. (1919), pour lequel il exposa une mauvaise copie de la Mona Lisa de Léonard de Vinci affublée d'une moustache et d'une barbiche avec, pour faire bonne figure, un jeu de mot trivial que découvre le public en prononçant une à une les lettres du titre.

Cet ouvrage aborde tous les aspects osés et scandaleux de l'art de Duchamp dans un panorama qui reprend l'essentiel de ses oeuvres, et évoque non seulement sa créativité novatrice, mais aussi une période décisive de l'art occidental. Car c'est à ce moment, parmi les charges répétées contre les grands maîtres et la parodie de poésie censée naître des objets trouvés, que l'art a effectué sa première transition, des expériences purement «rétiniennes» vers une pratique évoluant vers un art conceptuel. Lire la suite Fermer

Le "Purgatoire" succède au premier volume de "La Divine Comédie" illustrée par Barcelo et dédié à l'"Enfer" (1 400 ex. vendus), paru l'année dernière à l'occasion de la célébration des 700 ans de la mort de Dante Aligheri (1265-1321). Barceló est l'un des artistes les plus importants de notre époque, fervent lecteur des grands classiques de la littérature ; sa grammaire visuelle singulière et la nouvelle traduction - amplement louée - de "La Divine Comédie" par Danièle Robert (Actes Sud) dialoguent de manière exceptionnelle.

L'oeuvre d'Henri Matisse (1869-1954) révèle sa croyance éternelle dans le pouvoir des couleurs pures et des formes simples. Bien qu'il soit surtout reconnu pour sa peinture, Matisse s'est aussi illustré en dessin, en sculpture, en lithographie, dans l'art du vitrail ainsi que du collage, dont il a développé sa propre technique de découpage quand son grand âge l'empêchait de rester debout et de peindre. Matisse a la plupart du temps peint des sujets classiques: nus, portraits, paysage animés de silhouettes, scène orientales et vues intérieures. Pourtant, son traitement des couleurs intenses et son dessin fluide lui confèrent une place de maître du XXe siècle. La palette de Matisse a particulièrement enchanté l'imagination moderne. Par son usage du bleu intense, du violet améthyste et du jaune d'oeuf dans toutes leurs nuances, il a libéré son oeuvre des carcans d'une représentation rigoureuse de la réalité et a plutôt cherché une «harmonie vitale», en prenant la musique comme source d'inspiration et figure de comparaison dans son travail. Des grands tableaux remplis de motifs aux portraits simples et tendres, ce livre présente l'immense richesse et l'intense créativité qui a caractérisé la carrière de Matisse, en parcourant ses premières oeuvres rattachées au mouvement fauviste jusqu'à ses derniers projets tels que Jazz et la chapelle du Rosaire, à Vence. Lire la suite Fermer

A l'occasion des 700 ans de Dante et de la nouvelle traduction de la Divine Comédie par Daniele Robert, une nouvelle édition de ce texte emblématique avec les dessins de Miquel Barcelo.

Pour l'artiste biélorusse Marc Chagall (1887-1985), la peinture formait une trame complexe, tissée de rêves, de contes et de traditions. Son langage visuel, immédiatement reconnaissable, s'est forgé une place unique au début du XXe siècle et est souvent reconnu comme précurseur en matière d'expression de la vie psychique.
Dans les toiles de Chagall, le pinceau se pose en touches libres, les couleurs, dont le bleu qu'il affectionne particulièrement, sont profondes et l'on remarque tout un répertoire de figures récurrentes tels que musiciens, coqs, toits, fleurs et amoureux en suspension dans le ciel. Ses compositions au charme éthéré sont souvent complexes, riches en références. Elles mêlent non seulement les couleurs et les formes, mais évoquent aussi ses racines juives et ses rencontres faites à Paris, de même que sa foi, révélée à travers des gestes d'amour et des symboles d'espoir, fait écho aux signes de traumatisme.
Cette introduction de référence à l'artiste explore les multiples formes que prend le vocabulaire perfectionné de Chagall. Entre les scènes de naissance, d'amour, de mariage et de mort, depuis les représentations de la Tour Eiffel jusqu'à celles de Vitebsk, sa ville natale, cet ouvrage rend hommage à un style unique, aussi gracieux à l'oeil qu'enchanteur pour l'imagination. Lire la suite Fermer

Des chapitres théoriques rappellent les grands principes techniques de la couleur, le vocabulaire qui lui est propre, ainsi que les symboliques et effets psychologiques de chaque teinte.

Puis trente palettes colorées sont proposées au lecteur. Chacune traduit une atmosphère particulière (romantique, tropicale, intemporelle, naturelle...) et se décline en 36 cercles de couleurs. Ces cercles présentent les références Pantone correspondantes aux teintes représentées. Au final, ce sont donc plus de 1 000 palettes harmonieuses qui sont mises à disposition du lecteur.

Le livre se termine par la présentation du lien entre couleur préférée (ou détestée !) et personnalité, ainsi que par des pages sur les tendances et l'usage des couleurs dans le marketing.

L'harmonie des couleurs - Édition Pantone ravira tous les usagers et amoureux de la couleur !
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Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) est considéré comme l'une des figures majeures de l'art européen du XXe siècle. Profondément moderniste, il bouleversa l'art mondial avec ses peintures aux couleurs vives et aux contours cernés, et diffusa ses idées grâce au collectif d'artistes Die Brücke (« Le Pont ») et au MUIM-Institut, école d'art moderniste, qu'il a fondés.
L'oeuvre de Kirchner a réconcilié passé et présent par le prisme de l'expressionnisme, reflétant les récentes idées de l'avant-garde artistique tout en explorant les approches et les sujets académiques traditionnels. Ses travaux abordent des questions sociales, morales et émotionnelles avec une grande intensité. Perspectives déformées, lignes dures et couleurs inhabituelles sont au coeur de sa pratique, de même que le désir permanent de saisir les formes humaines, qu'elles évoluent dans des espaces urbains animés, comme dans la Scène de rue à Berlin (1913), ou dans son atelier, célèbre pour sa décadence.
Cette introduction parcourt la carrière de Kirchner entre Allemagne et Suisse, jalonnée par la fondation de Die Brücke et son inclusion dans la tristement célèbre exposition d'«art dégénéré» organisée par les Nazis en 1937. Au fil des pages, on découvre des paysages colorés, des nus austères et des scènes de rues mouvementées et, surtout, une mise en valeur constante de l'expérience émotionnelle du peintre et du spectateur. Lire la suite Fermer

À l'occasion des 150 ans d'Alice, un livre vu par une des plus grandes artistes contemporaines.
De John Tenniel à Mervyn Peake, en passant par Anthony Brown, nombreux sont les artistes de hier et d'aujourd'hui qui ont illustré l'oeuvre de l'un des auteurs anglais les plus connus au monde. En voici une nouvelle version, qui détonne par son explosion créative et son originalité. S'accordent merveilleusement au texte, de manière presque étrange, les illustrations psychédéliques extraites de l'oeuvre de l'artiste Yayoi Kusama.
Couleurs flamboyantes, abondance de ronds, incessants jeux sur la typographie et la mise en page, le texte et les images s'entrelacent et se superposent, créant un lien sans cesse renouvelé et modernisé avec le monde rêvé de l'auteur.

Ce nouveau "Cahier de la Collection Lambert", un numéro double, bilingue français-anglais, est consacré à Cy Twombly (après ceux consacrés à Niele Toroni, Nan Goldin, Rob Ryman, Sol Lewitt), artiste américain parmi les plus reconnus, dont le travail est particulièrement bien représenté dans la Collection Lambert, témoignant de la complicité entre l'artiste et le collectionneur.
La Collection Lambert est le témoignage d'un marchand visionnaire, qui s'est passionné pour l'art minimal, l'art conceptuel et le land art avant de s'intéresser au retour de la peinture dans les années 1980, puis à la photographie, à la vidéo et aux installations dans les années 1990 et 2000.

Avec son mouvement Pittura Metafisica, le peintre italien d'origine grecque Giorgio de Chirico (1888-1978) fut une figure influente de l'avant-garde européenne dans l'entre-deux-guerres, aux côtés de maîtres comme Pablo Picasso et Paul Éluard.
La «peinture métaphysique» de l'artiste représente des statues ou des mannequins en personnages installés dans des espaces structurés par une perspective centrale exagérée - places urbaines, arcades, façades distantes ou intérieurs propices à la claustrophobie. La composition théâtrale de ses oeuvres s'appuie sur des lignes nettes, des clairs-obscurs intenses, des plans géométriques et des vides qui dégagent une sensation d'angoisse et de solitude. Les tableaux désarçonnent, obligent ceux qui les regardent à réévaluer la nature de la réalité et à chercher, au-delà des apparences, des souvenirs furtifs et des visions inattendues. Alors que les surréalistes rassemblés autour de Breton s'appuyaient sur les théories freudiennes de l'inconscient, Chirico était fasciné par Nietzsche.
Cette présentation rigoureuse de l'artiste s'aventure dans les moindres recoins obscurs et les ombres sinistres de la Pittura Metafisica de Chirico, tout en explorant aussi ses oeuvres tardives plus classiques, virage amplement critiqué par les surréalistes qui avaient tant aimé ses premières toiles. Lire la suite Fermer

Artiste extraordinairement prolifique, Norman Rockwell (1894-1978) a réalisé sa vie durant près de 4000 peintures, sans compter un nombre impressionnant d'oeuvres de commande commerciales, publicitaires ou éditoriales. Sa mort en 1978 fut ressentie comme la perte d'une icône nationale, d'un artiste qui, comme nul autre, avait célébré le rêve américain.

Peu intéressé par l'expérimentation et les techniques d'avant-garde, mais plutôt attentif à l'efficacité d'une composition et à la pertinence d'un thème, Rockwell a créé des peintures morales et simples, séduisantes par leur accessibilité et leurs aspirations. Soignées, pittoresques et très souvent joyeuses, ses oeuvres ont pour sujet des salles de classe, des scènes de bal et les fêtes de Thanksgiving, tandis que ses projets au long cours ont débouché sur des unes pour le magazine The Saturday Evening Post ainsi que des calendriers et des couvertures pour Boys' Life, publié par l'organisation Boy Scouts of America. Rempli d'optimisme et de patriotisme, son travail met en avant des professions traditionnelles, notamment celles de médecin ou de professeur, et les piliers conservateurs que sont l'armée, la famille et la foi.

Saluées par le Président Gerald Ford comme une «partie bien-aimée de l'héritage américain», les oeuvres de Rockwell en révèlent autant sur ses talents d'artiste que sur les valeurs populaires et les aspirations de l'Amérique du 20e siècle. Ce nouvel ouvrage introductif réunit ses principales peintures et illustrations, choisies parmi les réjouissantes et lumineuses créations de l'artiste, ainsi que des oeuvres plus insolites abordant les dessous de l'Amérique, afin de saisir cet artiste américain dans son intégralité et ainsi les valeurs et idéaux qui ont contribué à son succès. Lire la suite Fermer

Livre emblématique du mouvement suprématiste, les deux carrés est « construit » par El Lissitzki en 1920 à Vitebsk, après sa rencontre avec Malevitch. Ce célèbre livre-manifeste pour enfants d'une dizaine de pages est réalisé selon un processus de stylisation cubo-futuriste visuellement très e. cace dont on ne peut dire s'il est écrit ou dessiné. Un carré rouge a. ronte un carré noir au milieu de formes géométriques en mouvement. Cette première tentative de s'adresser aux enfants dans un langage abstrait est toujours aussi actuelle.

La nouvelle édition, qui reprend fidèlement celle publiée en 1947 par le MoMA, aussi bien dans la forme que dans le contenu, propose 40 estampes incontournables de Paul Klee (1879-1940), accompagnées d'un essai de James Thrall Soby (1906-1979). Une introduction de Christopher Cherix actualise cette publication conçue comme un élégant portfolio tiré en édition limitée et composé d'une série de planches individuelles des oeuvres de Klee.
Cet ouvrage est un modèle du genre pour l'exceptionnelle qualité des 40 reproductions des estampes provenant de la collection du MoMA, l'une des plus importantes au monde. Les Estampes de Paul Klee permet de découvrir une part moins connue de l'oeuvre de l'artiste qui a marqué l'histoire de l'art du XXe siècle et de redécouvrir la variété de ses oeuvres. Les Estampes de Paul Klee est le premier-né de la série "MoMA Classics", en coédition avec 5 Continents, qui permet au public francophone de découvrir des livres historiques du MoMA tels que Looking at Photographs de John Szarkowski, Machine Art de Philip Johnson ou Three Young Rats de Alexander Calder, jamais publiés en langue française auparavant.
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Hans Richter (1888-1976) a traversé toute l'histoire de l'art du XXe siècle : issu de l'expressionnisme, à la croisée du mouvement Dada, du constructivisme et du néo-plasticisme, il est l'inventeur du film abstrait et l'un des acteurs majeurs des avant-gardes des années 1910 et 1920. De Theo van Doesburg à El Lissitzky, de Kasimir Malévitch à Ludwig Mies van der Rohe ou Marcel Duchamp, il a tissé des liens d'amitié et collaboré avec bon nombre d'artistes européens de premier plan avant d'accompagner le basculement de la scène artistique de l'Europe vers les Etats-Unis, où il émigre au début des années 194o, et où il contribuera, à travers ses expositions, ses publications et son enseignement, à écrire l'histoire du mouvement moderne.
Mais la vie de Richter n'est pas limitée à la sphère de l'histoire de l'art : elle se confond avec l'Histoire tout court, souvent tragique, du siècle dernier, de la Grande Guerre à la révolution spartakiste et à la République de Weimar, de l'effondrement économique à l'avènement du nazisme et à la persécution des juifs. L'exposition "Hans Richter. La traversée du siècle" présentée au Centre Pompidou-Metz dresse ainsi le portrait d'un artiste-cinéaste qui a constitué un nouveau système des arts dans lequel le film occupe une place déterminante et d'un grand témoin de son temps, résolument engagé dans le réel.
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Peter Doig, peintre britannique qui a grandi à Trinidad, et Derek Walcott, poète originaire de Sainte-Lucie, ont conçu cet ouvrage, Paramin, qui, par-delà les hommes, a fait se joindre le verbe de l'un au trait de l'autre, et s'interpénétrer leurs imaginaires : "ma plume et ton coup de pinceau se mêlant en un mètre unique», a écrit le poète.

Fasciné par l'opéra de Wagner Parsifal, le peintre Geroge Baselitz a entrepris d'en dessiner l'univers à travers des personnages costumés, utilisés ensuite pour une production à l'opéra de Munich. Dans cet ouvrage collaboratif l'écrivain Alexander Kluge fait echo à ces dessins dans des histoires explorant des éléments marquant de l'oeuvre mythique initiée par Eschenbach au Moyen-Âge.