Sebastião Salgado n'a cessé de montrer sa foi en l'homme, une solidarité sans faille ni mièvrerie devant la douleur, une compétence dans l'analyse des situations extrêmes, une farouche énergie, enfin, pour affirmer ce qu'il est, un photographe humaniste. L'ampleur de chacun de ses travaux, véritables inventaires de la condition humaine contemporaine, de la famine, de l'homme au travail ou de l'exode, suffit à faire sa réputation et justifie tous les prix qu'il a reçus.

L'histoire de Vivian Maier (1926-2009) est celle d'une nanny ayant traversé sa vie dans le silence avant d'être révélée comme photographe. Autodidacte, elle invente son langage à la croisée de la photographie humaniste et de la street photography. Qu'elle s'intéresse aux enfants ou aux quartiers ouvriers, elle représente ceux qui sont les oubliés du rêve américain. Ses autoportraits témoignent d'une quête d'identité au sein d'un monde où elle ne semblait pas avoir de place.

Le Centre Pompidou consacre une monographie à Suzanne Valadon (1865-1938), artiste emblématique et audacieuse, l'une des plus importantes de sa génération. À la marge des courants dominants de son époque - le cubisme et l'art abstrait sont en germe alors qu'elle défend avec ardeur la nécessité de peindre le réel - elle place le nu, féminin comme masculin, au centre de son oeuvre, représentant les corps sans artifice ni voyeurisme

Paolo Roversi, né en 1947, développe depuis plus de cinquante ans une oeuvre hantée par la fragilité de toute forme de beauté et par la délicatesse que requiert sa conception de l'élégance. Au fil des années, Paolo Roversi cherche, invente son propre langage photographique, accueillant les hasards et les accidents comme des opportunités de se réinventer. Chacune de ses photographies de mode est un portrait.

« L'artiste doit voir toutes choses comme s'il les voyait pour la première fois. Toute sa vie il doit voir comme il l'a fait quand il était enfant. » Durant sa carrière de peintre, qui a duré près de soixante ans, Henri Matisse (1869-1954) est resté fidèle à ce principe : conserver la fraîcheur du regard, observer chaque chose comme une découverte, laissant ainsi toute sa place à l'émotion. Toutefois, ajoutait l'artiste, « regarder quelque chose comme si nous ne l'avions jamais vu auparavant demande beaucoup de courage » : car si l'instinct lui paraît indispensable, il ne peut s'exprimer qu'à travers un travail permanent, une réflexion constante. C'est donc en conjuguant spontanéité et méthode que Matisse a conduit toute sa création, autour de ce qui a été sa préoccupation essentielle : la couleur. Destinée à bouleverser le regard moderne, son oeuvre s'est exprimée au travers d'une variété de techniques qu'il a toujours cherché à approfondir, à renouveler : peinture, dessin, sculpture, livres illustrés, et jusqu'à cette invention singulière, les gouaches découpées réalisées à la fin de sa vie.
Ce livre rend compte de cette incroyable invention plastique, à travers une cinquantaine d'oeuvres emblématiques, et retrace ainsi dans leur chronologie les incessantes recherches du peintre en ce domaine, depuis la fameuse période « fauve », magnifique explosion de couleurs pures entamée à Collioure, en passant par les somptueuses toiles réalisées sous le soleil du Midi, jusqu'aux ultimes « papiers découpés » qui ont permis au vieil homme de dessiner directement au ciseau dans la couleur. Si certaines influences ont été déterminantes, celle de Cézanne pour commencer, mais aussi plus tard celles de l'Orient, dont il a sublimé les arabesques chatoyantes dans ses Odalisques, ce sont ces nombreux voyages qui ont au fil du temps tissé un véritable métissage de sources d'inspiration. « Vous allez simplifier la peinture », lui avait prédit son maître Gustave Moreau : l'oeuvre de Matisse montre à l'évidence comment son génie s'est exprimé avec une immense liberté, échappant à tout carcan pour exprimer une profonde joie de vivre.

La collection L'ART+GRAND, présentée dans une reliure luxueuse, propose, à travers un texte didactique, de découvrir les plus grands artistes de l'histoire de l'art. Outre une soixantaine de toiles parmi les plus célèbres, l'ouvrage reproduit six tableaux exceptionnels sous forme de DÉPLIANTS grand format qui permettent d'observer ces chefs-d'oeuvre dans les moindres détails. L'ART+GRAND offre ainsi une immersion inédite dans la matière et la touche picturale. Lire la suite Fermer

Tom Wesselmann (1931-2004) est considéré comme l'un des plus importants artistes Pop de sa génération, avec une production qui s'étend sur presque cinq décennies, des années 1950 aux années 2000. Né à Cincinnati, l'artiste fera de New York son lieu de vie et de création, et il y restera jusqu'à son décès, le 17 décembre 2004. Catalogue de l'exposition présentées à la Fondation Louis Vuitton, l'ouvrage explore toutes les périodes créatives de l'artiste et retrace les grandes lignes du mouvement Pop Art. Les oeuvres de Wesselmann seront entourées des plus grands noms du Pop Art et de ses héritiers, révélant alors les influences passées, ainsi que l'impact de l'artiste sur les futures générations. De Marcel Duchamp, à Ai Weiwei, en passant par Kurt Schwitters, Hannah Hoch, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Kaws, Jeff Koons, ou encore Martial Raysse, Meret Oppenheim, Tomokazu Matsuyama, Derrick Adams, Mickalene Thomas, c'est tout un pan de l'histoire de l'art contemporain qui prend forme dans un ouvrage sans précédent. Catalogue de l'exposition événement «Pop Forever. Tom Wesselmann» présentée à la Fondation Louis Vuitton du 16 octobre 2024 au 3 mars 2025. Lire la suite Fermer

Pour la première fois en France depuis la rétrospective que le Musée National d'Art Moderne avait consacré au peintre en 1982, l'exposition du Musée national Picasso-Paris revient sur les premières années de Jackson Pollock (1912-1956) : depuis 1938, date de ses premières oeuvres marquées par l'influence des muralistes mexicains, jusqu'en 1947 lorsque Pollock réalise ses premiers drippings. Peu exposé pour lui-même, le corpus de ces années charnières navigue entre références figuratives et recherches formelles abstraites. Il témoigne des diverses sources qui nourrissent les recherches du jeune artiste, croisant à l'influence des arts amérindiens celle des avant-gardes européennes, au sein desquelles Pablo Picasso figure en bonne place.

Fruit d'une collaboration poétique entre la photographe et la chanteuse, des portraits de Patti Smith se mêlent à ses chansons et ses poèmes.

Nouvelle édition revue et augmentée d'un titre phare de la collection Photo Poche : 23 500 exemplaires vendus. Une réédition enrichie de 10 nouvelles photographies.
Reconnue du grand public depuis les années 2000, l'oeuvre de Saul Leiter, ce photographe américain a atteint un renommée mondiale ; peintre talentueux, contemporain de Robert Frank, ami d'Eugene Smith, il s'inscrivit avec passion dans le fameux mouvement de la "street photography" new yorkaise des années 50, en le parant des attraits de la couleur.
Un exposition monographique sera présentée aux Rencontres d'Arles.

Tour à tour décrite comme artiste conceptuelle, photographe, vidéaste et même détective, Sophie Calle a développé une pratique immédiatement reconnaissable, alliant le texte à la photographie pour nourrir une narration qui lui est propre. Elle fait désormais partie des plus grandes artistes du XXIe siècle.

Par les sérigraphies ou dessins qu'il colle sur les murs des villes, Ernest Pignon-Ernest met en évidence ce qui s'y voit comme ce qui ne s'y voit plus. Pour provoquer la pensée et la mémoire, il cite El Greco comme Le Caravage, Luca Giordano comme Rubens ou Ingres. Ces citations sont des détails de leurs oeuvres qu'il récupère ou "corrige", qu'il "traduit" pour que, sur telle ou telle façade, ils trouvent la place qui devait être la leur. Les dessins d'Ernest Pignon-Ernest ouvrent des parenthèses dans les murs pour que s'éveille la conscience.

Surtout connue pour ses travaux en architecture, en urbanisme et en design de mobilier, Charlotte Perriand a pourtant développé, au cours de son oeuvre, une « parenthèse photographique » durant l'entre-deux-guerres. Pratiquée à titre personnel et dans le cadre de ses recherches, la photographie de Charlotte Perriand s'avère prolixe : clichés documentaires, photos brutes, photomontages militants ancrés dans les luttes politiques et sociales de son époque.
Aborder son oeuvre du point de vue de la photographie revisite l'histoire du médium en soi : Charlotte Perriand est de ces « non-photographes » qui annoncent l'avènement de l'image comme langage hégémonique et transversal de communication. Pionnière de la modernité, la photographie est pour Charlotte Perriand une machine à créer, à communiquer, économique, rapide, capable de traduire le regard de « l'homme nouveau », d'appréhender le monde et de l'exprimer ; pour elle, c'est une machine à révéler, à noter et à émouvoir. Lire la suite Fermer

Figure majeure de l'Art nouveau et créateur du mouvement de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) est aujourd'hui mondialement célèbre pour son tableau Le Baiser. Cette étreinte éternelle, emblématique de son cycle d'or, symbolise une oeuvre puissamment décorative et novatrice.
Au coeur de la Vienne fin de siècle, capitale d'un empire en déclin, Klimt participe du bouillonnement intellectuel, scientifique et culturel de l'époque, porté par une bourgeoisie qui soutient la création picturale et offre un cadre propice à de nouvelles formes d'expression artistique.
Au travers de ses grandes fresques monumentales, telles que les frises Beethoven et Stoclet, ses portraits féminins sensuels et énigmatiques, marqués par les noms d'Emilie Floge et d'Adèle Bloch Bauer, ou encore ses envoûtantes allégories mythologiques, ses jardins luxuriants et ses paysages oniriques, Klimt ambitionne de réaliser une oeuvre d'art total, unissant peinture, architecture et musique. Il opère alors une véritable révolution stylistique autour de ses thèmes de prédilection que sont la beauté féminine, l'érotisme, la vie et la mort, dans un foisonnement de motifs végétaux et animaliers, de spirales et d'arabesques, de textures précieuses souvent rehaussés à la feuille d'or, dans un entrelacs de lignes courbes et ondoyantes.
Dans sa volonté de briser les conventions artistiques de son temps, Klimt, artiste engagé, a ouvert la voie à de nouvelles formes d'expression artistique, et a su défendre sa conception de l'art moderne qui seul peut sauver l'humanité et la conduire à la connaissance du bonheur.

La collection L'Art plus grand
Cette collection propose une découverte des plus grands artistes de l'histoire de l'art, présentée dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures d'un peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés d'une notice détaillée, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale.

Cet ouvrage consacré à Klimt propose les six dépliants suivants :
La frise Beethoven
Adèle Bloch Bauer
Serpent d'eau (I et II)
Le Baiser
Vierges
La frise Stoclet Lire la suite Fermer

«Donnez-moi votre mois de naissance et votre quantième pour mieux connaître vos vertus et vous aimer plus savamment» Max Jacob à Pierre de Massot Max Jacob (1876-1944) poète, romancier, peintre, figure majeure du surréalisme et du monde de la culture de la première partie du XX? siècle, fut aussi un grand passionné d'astrologie. De sa rencontre et des échanges avec l'astrologue Claude Valence (Conrad Moricand de son vrai nom, 1887-1954) prit forme Miroir d'Astrologie, publié en 1949, cinq ans après la mort du poète. Si Claude Valence y traite purement d'astrologie, Max Jacob y dresse des portraits de femmes de chaque signe, apportant ainsi, de manière assez inattendue, un véritable plaisir littéraire à la lecture de ce manuel. Inspiré par la palette de couleurs des années 1930-1940, Christian Lacroix dessine à la fois le bestiaire du zodiaque et les femmes de chaque signe décrites par Max Jacob. Il nous emmène de la sorte, tout au long de l'ouvrage, à la découverte du monde ésotérique de l'astrologie de Jacob et Valence. Lire la suite Fermer

L'édition intégrale de l'oeuvre de Charlotte Salomon enfin de nouveau disponible !
Pionnière du roman graphique, Charlotte Salomon a été découverte du grand public grâce au roman Charlotte de David Foenkinos. Cette nouvelle édition, à prix réduit, de Vie ? ou Théâtre ? est attendue par ses nombreux admirateurs.
Vie ? ou Théâtre ? constitue un cas unique dans le champ de la création du XXe siècle. Il s'agit de la seule oeuvre de son autrice, Charlotte Salomon, jeune Allemande juive née en 1916 et assassinée à Auschwitz en 1942. Réfugiée en 1939 dans la région de Nice, elle assiste au suicide de sa grand-mère, qui se défenestre sous ses yeux. Elle découvre alors qu'elle est issue d'une lignée maternelle marquée par les suicides depuis plusieurs générations. Confrontée par ses origines à la double menace du nazisme et d'une tragédie familiale, Charlotte Salomon choisit d'y répondre en créant, entre 1940 et 1942, un roman graphique composé de 781 planches et de plusieurs centaines de calques. L'ensemble - mêlant gouaches, textes et annotations musicales - remet en scène l'histoire de sa famille depuis la Première Guerre mondiale jusqu'à 1940. À la lecture, Vie ? ou Théâtre ? se présente tout à la fois comme un document historique de premier ordre, une réflexion poussée sur la création artistique et le sens de l'existence, une comédie humaine sur le jeu des passions et un bouleversant roman d'apprentissage d'une jeune femme qui sait sa vie menacée, enfin une oeuvre totale qui ne présente aucun équivalent. Lire la suite Fermer

L'histoire de la lecture féminine se reflète dans la peinture et la photographie. Les artistes de toutes les époques ont représenté des femmes en train de lire. Pourtant, il aura fallu des siècles avant qu'il soit accordé aux femmes de lire à leur guise. Ce qui leur incombait d'abord, c'était de broder, de prier, de s'occuper des enfants et de cuisiner. Dès l'instant où elles envisagent la lecture comme une possibilité de troquer l'étroitesse du monde domestique contre l'espace illimité de la pensée, de l'imagination, mais aussi du savoir, les femmes deviennent dangereuses. En lisant, elles s'approprient des connaissances et des expériences auxquelles la société ne les avait pas prédestinées. C'est ce chapitre captivant de l'histoire de la lecture féminine que Laure Adler et Stefan Bollmann explorent, avec un soin particulier du détail. Le fil de l'analyse conduit du Moyen Âge au temps présent, en s'attachant plus spécialement à certaines oeuvres de Rembrandt, Vermeer, mais aussi Manet, Matisse ou Hopper, jusqu'à la fameuse photographie d'Eve Arnold montrant Marilyn Monroe en train de lire Ulysse de James Joyce. De courts textes de commentaire accompagnent ce choix de peintures, de dessins et de photographies. Lire la suite Fermer

Ce livre aborde Anselm Kiefer, dont on fêtera les quatre-vingts ans en 2024, à travers les sept concepts kabbalistiques, qui le hantent et qui constituent une clé de compréhension de son oeuvre. Démiurge, Anselm Kiefer fascine par les thématiques vertigineuses qu'il peint, bâtit, rêve, autant que par ses formats imposants. Disons-le, il fascine autant qu'il heurte et c'est bien le sens de l'art que de heurter, d'être en dissidence avec le politiquement correct.

Le créateur avant-gardiste français qui a marqué l'histoire du design des années 1970.

Pierre Paulin (1927-2009) fut un designer hors norme, hors cadre, suivant son instinct sur les chemins escarpés de la créativité. Il fut le premier à faire entrer les décors de la modernité à l'Élysée, ses fauteuils Tongue, Ribbon ou Groovy vintage sont cultes, ses systèmes de mobilier modulable sont aujourd'hui collectionnés par les amateurs d'art. Il dessina des assises sculpturales à coup de tubes, de mousse et de textiles housse aux couleurs pop comme des collections artisanales destinées à l'exercice du pouvoir; des produits industriels comme des espaces qui, métamorphosant les volumes, laissaient parler l'époque. En un demi-siècle, il a accompli l'exploit d'interroger toutes les facettes du design avec un talent qui résonne encore aujourd'hui. Lire la suite Fermer

En 1983, puis en 1989 et en 2006, Willy Ronis fait don de l'ensemble de son oeuvre à l'État français. Pour accompagner ce geste, il rassemble dans des albums une sélection de ses meilleures photographies ; pour chacune, il écrit un commentaire fait de souvenirs et d'anecdotes, s'attachant aux conditions de la prise de vue et aux informations relatives au tirage. Au total, ce sont 590 photographies qui forment un portrait sensible et autobiographique de Willy Ronis. Cet ouvrage exceptionnel reproduit l'intégralité du contenu, jusqu'alors inédit, de ces albums.

Surréaliste, Claude Cahun excelle dans l'autoportrait et le photomontage. Elle y traduit son goût pour le symbolisme et une forme th éâtralisée de la vie. Son autobiographie par l'image fait une large place à l'identité de genre : elle préfère l'indéfinition. « Toute création est création de soi », dit-elle, rebelle à toute identification et considérant que « les étiquettes sont méprisables ».

Magritte en 400 images propose une sélection d'oeuvres de René Magritte, des plus emblématiques aux moins connues. Ce choix délibéré vise à surprendre le lecteur et à lui faire découvrir d'autres facettes de l'artiste surréaliste belge en dévoilant des gouaches uniques ou de surprenantes bouteilles peintes.
L'ensemble de la création picturale de René Magritte est présenté en sept chapitres, depuis les premiers tableaux abstraits des années vingt jusqu'aux oeuvres surréalistes majeures des années cinquante et soixante en passant par la période Renoir et la période vache.

A la fin du XIXe siècle, le peintre suédois Bruno Liljefors (1860-1939) s'est donné pour but de révéler la beauté de la nature suédoise. Il représente avec virtuosité et poésie l'énergie vitale qui anime ce monde sauvage. Délaissant le pittoresque, il s'attache à représenter, dans une explosion de détails et de couleurs, les animaux dans leur vie quotidienne : le grand-duc au coeur de la forêt profonde, les vols d'oies sauvages dans le crépuscule, mais aussi l'immensité the eaux qui bordent l'archipel de Stockholm. Les plumages deviennent des motifs d'orfèvrerie, les lacs silencieux annoncent l'aube bleue... A travers la nature sauvage, c'est l'âme de la Suède que l'artiste révèle dans son oeuvre.

Créé en 1911, L'Atelier rouge d'Henri Matisse est devenu l'une des oeuvres les plus influentes de l'histoire de l'art moderne. Acquise en 1949 par le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, où elle est depuis exposée, cette toile représente l'atelier de l'artiste à Issy-les-Moulineaux, en proche banlieue parisienne. Elle montre un espace rempli de peintures, de meubles et d'objets décoratifs. La décision radicale de Matisse de recouvrir de rouge la majeure partie de la surface du tableau a fasciné des générations de chercheurs et d'artistes, mais il restait encore beaucoup à découvrir sur la genèse et l'histoire de l'oeuvre.

Cet ouvrage abondamment illustré accompagne l'exposition consacrée à L'Atelier rouge qui réunit, pour la première fois depuis qu'ils ont quitté l'atelier de l'artiste, les tableaux, sculptures et objets qui y figurent - qu'il s'agisse des trois peintures aujourd'hui conservées au Danemark dans les collections du SMK - Statens Museum for Kunst, dont Le Luxe (II) (1907-1908), ou de pièces moins connues qui n'ont été localisées que récemment.

Publié en français à l'occasion du volet parisien de l'exposition à la Fondation Louis Vuitton, Matisse, L'Atelier rouge propose des analyses d'Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture au MoMA, et de Dorthe Aagesen, chercheuse et conservatrice en chef au SMK. Ensemble, elles retracent le parcours du tableau de Matisse, de sa commande initiale à son arrivée à New York, en passant par l'historique de ses expositions et de ses propriétaires successifs. Par leurs recherches approfondies et leur lecture attentive, elles transforment notre compréhension de cette oeuvre clé de l'art du XXe siècle. Lire la suite Fermer

Le maître incontesté de la couleur. Le fondateur de la modernité en peinture. Une richesse picturale inouïe. Le précurseur du fauvisme. Henri Matisse est tout cela, et tellement plus. D'une diversité et d'une profondeur étonnante et fascinante, l'oeuvre de Matisse est une des plus foisonnante de l'histoire de l'art. Son art est fondé sur la couleur, dans une recherche d'équilibre avec l'épure du trait. Il s'est attaché à certains thèmes récurrents, comme le mouvement du corps et la danse. Artiste majeur du XXe siècle, il a innové dans le domaine pictural et sculptural, mais aussi dans le dessin et le collage avec ses célèbres « papiers découpés ».
Quels sont les thématiques qu'il a explorées ? Quelles furent ses influences ? De quelle façon bouleversa-t-il totalement l'art moderne ?
Un panorama inédit d'une oeuvre essentielle. Lire la suite Fermer