«Le 10 novembre 1975, jour anniversaire de la mort d'Arthur Rimbaud, mon premier album, Horses, sortait chez Arista Records. [...] Nous n'avions aucune idée de la manière dont il serait reçu à travers le monde, mais nous étions ravis que l'on nous propose de faire une tournée en Europe. J'étais particulièrement excitée à l'idée de jouer à Paris.» Patti Smith, New York, mars 2025 Claude Gassian, connu pour ses photographies de personnalités du monde de la musique, était en 1975, à la sortie de Horses, un jeune photographe qui a eu l'occasion d'accompagner Patti Smith le temps de deux séjours parisiens. De ces journées hors du temps, est né un ensemble photographique, aussi unique que précieux, resté depuis dans ses archives. Ces images inédites ont refait surface et nous emmènent en voyage dans les seventies, moment rare pour tous les amateurs de cette époque et pour les inconditionnels de Patti Smith. Lire la suite Fermer

Eva Jospin a relevé le défi de la «Grande Blanche illustrée», collection où les artistes ont carte blanche pour se confronter aux plus grands auteurs de la littérature. L'oeuvre de l'artiste plasticienne française, reconnue pour ses sculptures et installations monumentales principalement réalisées en carton, se distingue par la récurrence du motif de la forêt et du paysage, qu'elle travaille avec une grande minutie, transformant le carton en oeuvres poétiques. Pour son entrée dans la collection, elle a choisi d'illustrer L'Homme qui plantait des arbres, de Jean Giono. Paru en 1953, cet éternel classique de l'écrivain est un chant de réconciliation entre l'Homme et la nature. L'écrivain met en scène sa rencontre, au cours d'une promenade en Haute-Provence, avec un personnage extraordinaire : un berger solitaire et paisible qui plante des milliers d'arbres. Les dessins d'Eva Jospin, forêts denses ou ruines majestueuses, évoquent un sentiment de contemplation et nous interrogent sur nos manières de penser et d'habiter le monde à l'heure de l'urgence climatique. L'artiste s'empare avec brio de ce texte, plantant à son tour une forêt d'espoir. Lire la suite Fermer

L'histoire de Vivian Maier (1926-2009) est celle d'une nanny ayant traversé sa vie dans le silence avant d'être révélée comme photographe. Autodidacte, elle invente son langage à la croisée de la photographie humaniste et de la street photography. Qu'elle s'intéresse aux enfants ou aux quartiers ouvriers, elle représente ceux qui sont les oubliés du rêve américain. Ses autoportraits témoignent d'une quête d'identité au sein d'un monde où elle ne semblait pas avoir de place.

Sebastião Salgado n'a cessé de montrer sa foi en l'homme, une solidarité sans faille ni mièvrerie devant la douleur, une compétence dans l'analyse des situations extrêmes, une farouche énergie, enfin, pour affirmer ce qu'il est, un photographe humaniste. L'ampleur de chacun de ses travaux, véritables inventaires de la condition humaine contemporaine, de la famine, de l'homme au travail ou de l'exode, suffit à faire sa réputation et justifie tous les prix qu'il a reçus.

Coédition Fondation Louis Vuitton / Citadelles & Mazenod
Gerhard Richter se décrit lui-même comme un "peintre classique". Ce catalogue de l'exposition majeure organisée par la Fondation Vuitton vise à présenter l'évolution complète de sa carrière, qui s'étend sur plus de six décennies. Plus de 250 oeuvres mettent en lumière à la fois les continuités et les ruptures dans ses réalisations, qui comprennent non seulement des peintures, mais aussi des dessins exquis, des photographies surpeintes et des sculptures.
Formé à Dresde, Richter s'intéresse aux genres historiques de la peinture et cherche à les réinterpréter dans le contexte de l'époque contemporaine, révélant la beauté et les questions éthiques à travers des sujets apparemement conventionnels. Il a également exploré diverses techniques de peinture, créant des oeuvres qui vont du calme et du raffinement à l'énergie débordante, reflétant son engagement physique dans le processus créatif.
Exposition du 15 octobre 2025 au 02 mars 2026 Lire la suite Fermer

Nomade à sa façon, Henri Matisse aura fait le tour du monde. De Collioure à Moscou, de Padoue à Séville, de Biskra à Tanger, de New York à Tahiti, il ne dissocie jamais le voyage de la peinture. Et sa culture d'une connaissance des autres. Si le pittoresque lui fait horreur, il n'affirme pas moins, en 1933 : «La rêverie d'un homme qui a voyagé est autrement plus riche que celle d'un homme qui n'a jamais voyagé.» En restituant la géographie de Matisse, ce livre fait respirer autrement le récit et l'intelligence de son oeuvre, loin des sempiternelles ruptures plastiques ou de la quête abstraite que l'histoire de l'art n'a cessé de mobiliser.

Le désert vu par Raymond Depardon à travers 60 ans de reportages politiques, de commandes photographiques, de tournages cinématographiques et d'explorations personnelles en Afrique du nord et au Moyen-Orient. Onze pays, leurs paysages, leurs peuples et leurs conflits, immortalisés en noir et blanc par une légende du photojournalisme.

Né en Italie de parents américains, le peintre John Singer Sargent (1856-1925) passe l'essentiel de sa carrière à Londres et le plus clair de sa vie à voyager. Paris sera pour lui bien plus qu'une simple étape. Lorsqu'il s'y installe en 1874, la capitale est en effervescence et le jeune artiste brillant y trouve sa voie. Formé dans les ateliers de Carolus-Duran et de Léon Bonnat, Sargent séduit le Tout-Paris. Par la virtuosité de sa touche, la force de ses portraits et l'élégance de son regard, il impose son style singulier. Le milieu artistique français salue ce talent hors du commun, qui choque parfois, avant que la reconnaissance ne cède peu à peu la place à une certaine méfiance... et à l'oubli au XXe siècle. Cent ans après sa disparition, cette rétrospective exceptionnelle, rassemblant près de 130 oeuvres majeures, redonne toute sa lumière à la période parisienne de Sargent - sans doute la plus décisive et la plus vibrante de sa carrière. Lire la suite Fermer

Pierre Soulages (1919-2022) a toujours refusé d'établir une hiérarchie entre les
différentes techniques qu'il utilise. À côté des peintures sur toile, il est également
l'auteur d'un ensemble considérable de peintures sur papier qu'il a mené, avec
quelques interruptions tout au long de son parcours pictural, jusqu'au début des
années 2000.
En 1948, il est invité à participer à une exposition sur la peinture abstraite française
en Allemagne. L'une de ses peintures est choisie pour l'affiche et va ainsi contribuer
à le faire connaître.
Privilégiant le brou de noix dans les premières années, Pierre Soulages reviendra
souvent à cette matière, dont il aime les qualités de transparence et d'opacité, de
luminosité également en contraste avec le blanc du papier. Il emploie aussi l'encre
et la gouache pour des oeuvres aux dimensions plus petites qui ne cèdent en rien à
la puissance formelle et à la diversité.
L'oeuvre sur papier de Pierre Soulages qui fut longtemps conservée par l'artiste, a
été souvent moins montrée que les peintures sur toile et rarement rassemblée dans
des expositions à part entière.
L'originalité de ce catalogue est dû à Colette Soulages qui a pris soin de réunir les
oeuvres sur papier de façon chronologique et thématique, et aussi grâce aux écrits
de trois experts du peintre qui apportent une nouvelle dimension à cette oeuvre
moins présentée et la reprise d'un texte de Michel Ragon. Lire la suite Fermer

Le Centre Pompidou et le Musée de la musique-Philharmonie de Paris s'associent pour concevoir et produire une grande exposition sur l'imaginaire de la musique dans l'oeuvre de Vassily Kandinsky. Présentée à la Philharmonie de Paris du 14 octobre 2025 au 1er février 2026, cette exposition rassemble près de 200 oeuvres du maître et objets de son atelier (partitions, disques, livres, outils, etc...), qui tous expriment la place fondamentale de la musique dans son quotidien, dans sa vocation de peintre et dans l'évolution de sa pratique vers l'abstraction.

Aucune exposition n'a jusqu'alors abordé ce sujet dans sa globalité, et surtout replacé la production du peintre, des paysages russes aux oeuvres du Bauhaus, dans l'effervescence musicale de son temps. Nul doute pourtant que les expériences d'Alexandre Scriabine, Thomas von Hartmann, Arnold Schönberg ou encore Anton Webern définissent l'horizon d'écoute essentiel de la modernité et de l'abstraction picturales. Du « choc » Wagner qu'éprouve Kandinsky en 1896 lors d'une représentation de Lohengrin à Moscou, à la découverte des oeuvres atonales de Schönberg en 1911 à Munich, de ses tentatives d'une nouvelle forme d'«art total» sur scène à l'enseignement prodigué au Bauhaus, la musique est une clé indispensable pour apprécier l'oeuvre de l'artiste russe.

Le catalogue de l'exposition rassemble des textes de nombreux spécialistes français et internationaux qui offrent une vision nouvelle des relations entre peinture et musique au cours de la première moitié du 20e siècle. Lire la suite Fermer

Tour à tour décrite comme artiste conceptuelle, photographe, vidéaste et même détective, Sophie Calle a développé une pratique immédiatement reconnaissable, alliant le texte à la photographie pour nourrir une narration qui lui est propre. Elle fait désormais partie des plus grandes artistes du XXIe siècle.

Nouvelle édition revue et augmentée d'un titre phare de la collection Photo Poche : 23 500 exemplaires vendus. Une réédition enrichie de 10 nouvelles photographies.
Reconnue du grand public depuis les années 2000, l'oeuvre de Saul Leiter, ce photographe américain a atteint un renommée mondiale ; peintre talentueux, contemporain de Robert Frank, ami d'Eugene Smith, il s'inscrivit avec passion dans le fameux mouvement de la "street photography" new yorkaise des années 50, en le parant des attraits de la couleur.
Un exposition monographique sera présentée aux Rencontres d'Arles.

Paolo Roversi, né en 1947, développe depuis plus de cinquante ans une oeuvre hantée par la fragilité de toute forme de beauté et par la délicatesse que requiert sa conception de l'élégance. Au fil des années, Paolo Roversi cherche, invente son propre langage photographique, accueillant les hasards et les accidents comme des opportunités de se réinventer. Chacune de ses photographies de mode est un portrait.

Peintre, créatrice de costumes et de masques, décoratrice de théâtre... Leonor Fini est une artiste aux multiples talents qui a inspiré de nombreux écrivains, poètes et photographes. Dans un texte riche et poétique, illustré de tableaux et d'archives, Laurence Benaïm part sur les traces de l'artiste, de Buenos Aires à Trieste, des bals parisiens aux rivages corses. Elle brosse ainsi un portrait personnel de sa vie et de son oeuvre, dessinant, en filigrane, une histoire artistique du XXe siècle.

Sagesse (1880) signe le retour de Paul Verlaine (1844-1896) sur la scène littéraire après plus de sept années d'absence, marquées par son incarcération et son élan nouveau vers le catholicisme. Dès 1889, Maurice Denis (1870-1943) entreprend d'illustrer le recueil. En 1911, celui-ci est publié à 250 exemplaires par l'éditeur et marchand d'art Ambroise Vollard. Bien qu'édité tardivement, il s'agit du premier livre illustré de Maurice Denis, concentrant les aspirations de l'art nabi et de la spiritualité fin-de-siècle. Pour sa réalisation, Denis travaille avec le graveur sur bois Jacques Beltrand pour élaborer des illustrations dans l'esprit des enluminures médiévales. Cet ouvrage présente le fac-similé de cette édition rare et recherchée des bibliophiles. Il est suivi d'une étude de Jean-Nicolas Illouz et Clémence Gaboriau, qui éclaire les étapes successives de la conception du livre, en reproduisant, pour la première fois, un ensemble inédit des travaux préparatoires, et qui expose la théorie du livre nabi telle qu'elle s'invente ici dans la rencontre de la lyrique mystique selon Verlaine et de l'art religieux selon Denis. Lire la suite Fermer

L'exposition explore les moments marquants de la trajectoire de Niki de Saint Phalle (1930-2002) et Jean Tinguely (1925-1991). Couple exceptionnel uni, au-delà de leur aventure sentimentale, par des liens artistiques indéfectibles dans un enrichissement réciproque, ils ont bénéficié d'une importante visibilité grâce à l'impulsion donnée par Pontus Hulten (1924-2006), premier directeur du Musée national d'art moderne au Centre Pompidou.

Passionné par la figure du street artiste
Banksy, l'auteur de ce livre s'intéresse au destin d'une
cinquantaine d'oeuvres qui ont disparu de leur
emplacement d'origine, ou qui n'y sont plus visibles.
Pièces recouvertes par des artistes rivaux, pans de mur
découpés pour être revendus, pochoirs oubliés dans des
gravats... : autant d'histoires étonnantes, émouvantes et
parfois révoltantes.
Quand l'art urbain se mêle à l'appât du gain et à la
surenchère des collectionneurs, conserve-t-il sa portée
d'art pour tous ? Est-il préférable de « sauver » une
oeuvre en la déplaçant ou de la laisser disparaître pour
ne pas la dénaturer ? Cet ouvrage explore ces
questionnements et retrace une page majeure de
l'histoire du street art.

Le Centre Pompidou consacre une monographie à Suzanne Valadon (1865-1938), artiste emblématique et audacieuse, l'une des plus importantes de sa génération. À la marge des courants dominants de son époque - le cubisme et l'art abstrait sont en germe alors qu'elle défend avec ardeur la nécessité de peindre le réel - elle place le nu, féminin comme masculin, au centre de son oeuvre, représentant les corps sans artifice ni voyeurisme

Née en 1975, Eva Jospin est diplômée de l'École nationale supérieure des beaux-arts
de Paris. Depuis une quinzaine d'années, elle crée avec minutie des forêts et des
paysages architecturaux qu'elle explore à travers différents supports. Dessinées
à l'encre ou brodées, taillées dans du carton ou sculptées dans le bronze, ses
oeuvres évoquent les jardins baroques italiens, les décors rocaille du xviiie
siècle et
les grottes artificielles.
Pensionnaire de la Villa Médicis à Rome en 2017 et élue à la section Sculpture
de l'Académie des Beaux-Arts en 2024, Eva Jospin a fait l'objet de nombreuses
expositions internationales d'envergure. Parmi celles-ci, « Among the trees » à la
Hayward Gallery à Londres (2020), « Paper Tales » au Het Noordbrabants Museum
à Den Bosch (2021), « Galleria » au musée de la Chasse et de la Nature à Paris (2021),
« Panorama » à la Fondation Thalie à Bruxelles (2023), « Palazzo » au Palais des
Papes à Avignon (2023), « Selva » au Museo Fortuny de Venise (2024) et « Eva JospinVersailles » à l'Orangerie du château de Versailles (2024).
Outre les oeuvres présentées au Grand Palais à l'occasion de l'exposition, cette
monographie retracera les derniers grands projets de l'artiste. L'ouvrage sera
également composé d'un essai de l'historien de l'art Pierre Wat ainsi que d'un
entretien d'Eva Jospin mené par la commissaire d'expositions Diana Campbell. Lire la suite Fermer

Le couple mythique californien, icône du design pop.
Créateurs ouverts, curieux et passionnés, Charles (1907-1978) et Ray (1912-1988) Eames laissent une oeuvre constituée de plus d'une centaine de meubles, véritables best-sellers du design dont beaucoup sont toujours édités et vendus aujourd'hui. Communicants de génie, ils ont révolutionné les modes d'exposition en associant les pratiques artistiques afin de captiver le public le plus large. La présence de leurs oeuvres dans les collections de musées majeurs, du Centre Pompidou (Paris) au Victoria & Albert Museum (Londres), en passant par le Los Angeles County Museum of Art ou le MoMA (New York), affirme leur contribution essentielle à l'art du XXe siècle.

Une cre´atrice avant-gardiste et atypique.
Discrète aventurière, à la fois curieuse et solitaire, aussi déterminée qu'insaisissable, Eileen Gray (1878-1976) a profondément marqué de son avant-gardisme l'histoire de l'Art déco et de la modernité. Tout à la fois peintre, designer, architecte et photographe, la créatrice irlandaise installée à Paris se distingue des artistes de son temps par son indépendance d'esprit, son audace et sa liberté. De ses paravents en laque à ses meubles en tube de métal, elle ne cesse d'innover, se jouant des frontières entre l'art et le design. Chargées d'émotion et de poésie, ses oeuvres inspirent aujourd'hui les plus grands créateurs. Sa villa E-1027, construite en 1926 à Roquebrune-Cap-Martin, est considérée comme l'un des plus brillants chefs-d'oeuvre de l'architecture du XXe siècle. Lire la suite Fermer

Claire Tabouret a été retenue sur concours pour réaliser les prochains vitraux de
Notre-Dame. Elle vient de créer les cartons pour une exécution de 6 nouvelles
verrières pour les chapelles du bas-côté sud, soit une surface vitrée de 121 m²
(représentant 5 % de la surface des 120 verrières - datant du xiie
au xxe
siècle, en
place dans la cathédrale. Son travail préparatoire comprend un puzzle de près de
700 pièces (des petits comme des grands formats ; différentes techniques : des
monotypes sur plexiglas aux cartons à échelle 1, soit des peintures monumentales
d'environ 7 mètres de haut). Claire Tabouret collaborera avec les ateliers du maître
verrier Simon-Marq.
« Dans une époque comme la nôtre marquée par les guerres, les divisions et les
tensions extrêmes, cette opportunité de mettre mon art au service de l'unité à
travers le thème de la Pentecôte est une magnifique main tendue, explique l'artiste.
J'ai considéré le chemin du visiteur comme un voyage profondément personnel et
spirituel à travers Notre-Dame. »
Dans la religion Chrétienne, l'épisode de la Pentecôte est écrit dans la Bible, dans
Les Actes des Apôtres, 5e
livre du Nouveau Testament : « Les disciples du Christ sont
tous ensemble dans le même lieu, tout à coup il vint du ciel un bruit comme celui
d'un vent impétueux et il remplit toute la maison où ils étaient assis. Des langues
semblables à des langues de feux leur apparurent séparées les unes des autres et
se posèrent sur chacun d'eux, et ils furent tous remplis du Saint Esprit. Ils se mirent à
parler en d'autres langues selon que l'Esprit leur donnait à s'exprimer. »
La Pentecôte est la célébration de la venue de l'Esprit Saint sur les anciens disciples
de Jésus Christ.
Ce catalogue va raconter l'histoire de ce projet avec une approche humaniste et
universaliste Lire la suite Fermer

«Vous savez, les gens se plaignent que je peins des horreurs. S'ils se figurent que ça m'amuse, moi, d'arriver ici tous les jours et de les voir au premier coup d'oeil ! Mais qu'est-ce que vous voulez que j'y fasse ? Je teste les limites de ma résistance.»

Surtout connue pour ses travaux en architecture, en urbanisme et en design de mobilier, Charlotte Perriand a pourtant développé, au cours de son oeuvre, une « parenthèse photographique » durant l'entre-deux-guerres. Pratiquée à titre personnel et dans le cadre de ses recherches, la photographie de Charlotte Perriand s'avère prolixe : clichés documentaires, photos brutes, photomontages militants ancrés dans les luttes politiques et sociales de son époque.
Aborder son oeuvre du point de vue de la photographie revisite l'histoire du médium en soi : Charlotte Perriand est de ces « non-photographes » qui annoncent l'avènement de l'image comme langage hégémonique et transversal de communication. Pionnière de la modernité, la photographie est pour Charlotte Perriand une machine à créer, à communiquer, économique, rapide, capable de traduire le regard de « l'homme nouveau », d'appréhender le monde et de l'exprimer ; pour elle, c'est une machine à révéler, à noter et à émouvoir. Lire la suite Fermer