Notre mémoire du Débarquement et de la Libération est marquée par les photographies mythiques de Robert Capa. Elles forment une véritable épopée que le romancier Alexis Jenni, prix Goncourt pour L'Art français de la guerre, retrace ici. De Londres en passant par l'Afrique du Nord et l'Italie, jusqu'à la Libération de Paris puis le Berlin de l'été 1945, l'ouvrage fait revivre au plus près les épisodes de cette histoire. Le romancier éclaire le talent de Capa pour dire l'humanisme à l'oeuvre dans la libération de l'Europe : « Capa l'empathique montra qu'en 1945 c'était l'humanité qui gagnait », écrit-il. Il montre comment le photoreporter a forgé la figure du héros démocratique et lui a donné les traits d'un homme ordinaire, animé par un désir de liberté. Ce livre est un éloge de ce désir, dont nous sommes aujourd'hui les héritiers.

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Ceci est le portrait d'un instrument de travail. Un scooter de la marque Rumi. À ne pas confondre avec une Vespa, qui, à la suite de son succès, finit par devenir un nom générique, comme Mobylette pour vélomoteur. L'engin est typique des deux-roues d'après-guerre : rustique, robuste, mais avec une touche de modernité qui tient pour l'essentiel au profilage de son phare. Le Rumi était fabriqué en Italie, une des patries du design industriel où il fut rebaptisé Formicchino, en français « petite fourmi ». L'envie nous taraude de sauter sur sa selle comme sur le dos d'une bestiole à remonter le temps pour s'en aller « rumiser » le soir dans les rues de Rome au temps de la Dolce Vita.

Ce portrait du Rumi est aussi celui de son propriétaire, fatalement invisible puisque c'est lui qui prend la photo. On devine cependant son labeur à voir le barda posé sur le trottoir à côté : une sacoche et un appareil photo. Vavavoom ! Profession : reporter. Et sans casque, cela va de soi.

Gérard Lefort Lire la suite Fermer

Créé en 1911, L'Atelier rouge d'Henri Matisse est devenu l'une des oeuvres les plus influentes de l'histoire de l'art moderne. Acquise en 1949 par le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, où elle est depuis exposée, cette toile représente l'atelier de l'artiste à Issy-les-Moulineaux, en proche banlieue parisienne. Elle montre un espace rempli de peintures, de meubles et d'objets décoratifs. La décision radicale de Matisse de recouvrir de rouge la majeure partie de la surface du tableau a fasciné des générations de chercheurs et d'artistes, mais il restait encore beaucoup à découvrir sur la genèse et l'histoire de l'oeuvre.

Cet ouvrage abondamment illustré accompagne l'exposition consacrée à L'Atelier rouge qui réunit, pour la première fois depuis qu'ils ont quitté l'atelier de l'artiste, les tableaux, sculptures et objets qui y figurent - qu'il s'agisse des trois peintures aujourd'hui conservées au Danemark dans les collections du SMK - Statens Museum for Kunst, dont Le Luxe (II) (1907-1908), ou de pièces moins connues qui n'ont été localisées que récemment.

Publié en français à l'occasion du volet parisien de l'exposition à la Fondation Louis Vuitton, Matisse, L'Atelier rouge propose des analyses d'Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture au MoMA, et de Dorthe Aagesen, chercheuse et conservatrice en chef au SMK. Ensemble, elles retracent le parcours du tableau de Matisse, de sa commande initiale à son arrivée à New York, en passant par l'historique de ses expositions et de ses propriétaires successifs. Par leurs recherches approfondies et leur lecture attentive, elles transforment notre compréhension de cette oeuvre clé de l'art du XXe siècle. Lire la suite Fermer

Magritte en 400 images propose une sélection d'oeuvres de René Magritte, des plus emblématiques aux moins connues. Ce choix délibéré vise à surprendre le lecteur et à lui faire découvrir d'autres facettes de l'artiste surréaliste belge en dévoilant des gouaches uniques ou de surprenantes bouteilles peintes.
L'ensemble de la création picturale de René Magritte est présenté en sept chapitres, depuis les premiers tableaux abstraits des années vingt jusqu'aux oeuvres surréalistes majeures des années cinquante et soixante en passant par la période Renoir et la période vache.

Les styles intemporels d'une maison de couture légendaire.

Christian Dior a redéfini la mode de l'après-guerre en inscrivant au goût du jour le glamour, la féminité et l'audace. Ses créations, qui évoquent l'espoir et la beauté, ont d'abord incarné la période de l'après-guerre puis les décennies qui ont suivi.

Dans ce très bel ouvrage sont présentées, à travers plus de 60 pièces, les conceptions emblématiques et intemporelles de la maison de couture ainsi que celles des stylistes de génie qui ont suivi : Yves Saint Laurent, John Galliano et Maria Grazia Chiuri...

De 1947 à aujourd'hui on y découvre l'histoire, faite de hauts et de bas, d'une incontournable icône du style.

Nouvelle édition revue et augmentée d'un titre phare de la collection Photo Poche : 23 500 exemplaires vendus. Une réédition enrichie de 10 nouvelles photographies.
Reconnue du grand public depuis les années 2000, l'oeuvre de Saul Leiter, ce photographe américain a atteint un renommée mondiale ; peintre talentueux, contemporain de Robert Frank, ami d'Eugene Smith, il s'inscrivit avec passion dans le fameux mouvement de la "street photography" new yorkaise des années 50, en le parant des attraits de la couleur.
Un exposition monographique sera présentée aux Rencontres d'Arles.

Un moineau et des fleurs, un arbre sous la neige, la montagne au loin... Le poète Kobayashi Issa (1763-1828) n'a jamais été aussi heureux que dans son jardin, à composer des vers inspirés par la nature et les saisons. Sont ici réunis 100 de ses plus beaux haïkus, illustrés par de célèbres artistes, de Hiroshige à André Kertész, avec des oeuvres qui mêlent estampes japonaises, dessins à l'encre et photographies contemporaines.

Pour cette nouvelle exposition de grande envergure, la photographie est à l'honneur au Fonds Hélène et Édouard Leclerc pour la Culture avec la première rétrospective de l'artiste Henri Cartier-Bresson en Bretagne !

Conçue par Clément Chéroux, commissaire et directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson, ce parcours guidé de près de 300 oeuvres parmi les plus connues, mais aussi de découvertes, vous invite à la (re)découverte de cet artiste incontournable. À travers l'histoire de cet oeil multifacette, cette grande rétrospective retrace aussi celle du XXe siècle.

Conçu par Constantin Brancusi comme un
environnement total et une oeuvre en soi, son atelier fournit
une matrice conceptuelle pour cette rétrospective qui se
déploie bien au-delà de ses murs.
Mettant en lumière les aspects multiformes de
l'oeuvre de l'artiste, ce catalogue a été imaginé comme une
façon ludique d'entrer dans son monde à travers une centaine
de mots-clés, abolissant ainsi toute forme de hiérarchie entre
ces derniers, allant du nom de ses modèles et amis à ses
sources d'inspiration ou matériaux et concepts. Les maîtresmots de son oeuvre : reproduction, modularité, intégration
architecturale, pièces mises en mouvement, lumière,
musique...
Richement illustré de documents d'archives
(photographies, lettres, etc.), de dessins et de reproductions
de ses sculptures, ce « dictionnaire » Brancusi est ponctué de
citations de l'artiste et enrichi des connaissances les plus à jour
grâce aux contributions de 30 spécialistes internationalement
reconnus. Lire la suite Fermer

L'histoire de la lecture féminine se reflète dans la peinture et la photographie. Les artistes de toutes les époques ont représenté des femmes en train de lire. Pourtant, il aura fallu des siècles avant qu'il soit accordé aux femmes de lire à leur guise. Ce qui leur incombait d'abord, c'était de broder, de prier, de s'occuper des enfants et de cuisiner. Dès l'instant où elles envisagent la lecture comme une possibilité de troquer l'étroitesse du monde domestique contre l'espace illimité de la pensée, de l'imagination, mais aussi du savoir, les femmes deviennent dangereuses. En lisant, elles s'approprient des connaissances et des expériences auxquelles la société ne les avait pas prédestinées. C'est ce chapitre captivant de l'histoire de la lecture féminine que Laure Adler et Stefan Bollmann explorent, avec un soin particulier du détail. Le fil de l'analyse conduit du Moyen Âge au temps présent, en s'attachant plus spécialement à certaines oeuvres de Rembrandt, Vermeer, mais aussi Manet, Matisse ou Hopper, jusqu'à la fameuse photographie d'Eve Arnold montrant Marilyn Monroe en train de lire Ulysse de James Joyce. De courts textes de commentaire accompagnent ce choix de peintures, de dessins et de photographies. Lire la suite Fermer

Façonné par son activisme militant et son mode de vie nomade qui la mène de son Italie natale à la Russie, le parcours incandescent de Tina Modotti (1896-1942) suscite la fascination. Essentiellement produite entre 1923 et 1930, son oeuvre frappe par son caractère fulgurant, de la photographie d'art de ses débuts à une approche plus personnelle tournée vers la dénonciation des conditions de vie des défavorisés. C'est au sein du Mexique postrévolutionnaire que se forgent tant sa conscience politique que le style particulier, à la fois sensible et critique, avec lequel elle saisit sur le vif les mouvements sociaux et les inégalités sans jamais négliger la qualité de la photographie. Ses images fortes, parfois teintées de propagande, de la précarité des travailleurs, des symboles de l'émancipation de la classe ouvrière, de la misère des zones urbaines, ainsi que des femmes et de leur rôle au sein de la communauté, en font l'instigatrice du photojournalisme dans le pays. Croisant l'analyse du travail de Tina Modotti avec les mouvements historiques qu'elle a traversés et l'étude de la diffusion de ses tirages dans les revues illustrées de l'époque, cet ouvrage entend rompre avec le récit romancé que certaines biographies ont véhiculé à son sujet pour révéler le regard précurseur dont est dotée cette citoyenne du monde engagée dans les luttes de son temps. Lire la suite Fermer

Amoureux des fleurs et des jardins, Yves Saint Laurent y trouvait une source s'inspiration infinie. Mille et un boutons de roses, brins de muguet, lys en majesté, avalanches de bougainvilliers ou pétales de coquelicots, ont été métamorphosés dans ses créations. Le couturier a usé des fleurs comme d'une palette de motifs et de techniques : appliquées, imprimées, brodées, les fleurs ont paré les femmes Yves Saint Laurent.

Tour à tour décrite comme artiste conceptuelle, photographe, vidéaste et même détective, Sophie Calle a développé une pratique immédiatement reconnaissable, alliant le texte à la photographie pour nourrir une narration qui lui est propre. Elle fait désormais partie des plus grandes artistes du XXIe siècle.

Surtout connue pour ses travaux en architecture, en urbanisme et en design de mobilier, Charlotte Perriand a pourtant développé, au cours de son oeuvre, une « parenthèse photographique » durant l'entre-deux-guerres. Pratiquée à titre personnel et dans le cadre de ses recherches, la photographie de Charlotte Perriand s'avère prolixe : clichés documentaires, photos brutes, photomontages militants ancrés dans les luttes politiques et sociales de son époque.
Aborder son oeuvre du point de vue de la photographie revisite l'histoire du médium en soi : Charlotte Perriand est de ces « non-photographes » qui annoncent l'avènement de l'image comme langage hégémonique et transversal de communication. Pionnière de la modernité, la photographie est pour Charlotte Perriand une machine à créer, à communiquer, économique, rapide, capable de traduire le regard de « l'homme nouveau », d'appréhender le monde et de l'exprimer ; pour elle, c'est une machine à révéler, à noter et à émouvoir. Lire la suite Fermer

Le Géant de Zeralda, Jean de la Lune, Otto, Les Trois Brigands... On connait Tomi Ungerer pour ses albums, et depuis les années 1960, il en a effectivement révolutionné le genre ! Avec lui, c'est tout un monde de rebelles et de laissés-pour-compte qui prennent les premiers rôles, distillant une bonne dose de tendresse et de subversion dans la littérature jeunesse. Les sujets qui fâchent, qui font peur ? Il n'hésite pas à s'en emparer, estimant qu'on peut parler de tout aux enfants.

Mais l'art de Tomi Ungerer se déploie aussi dans des affiches engagées, des recueils de dessins satiriques, des assemblages détonnant... Des créations protéiformes, qui ont un point commun : célébrer les différences.

L'Hôtel de Caumont consacre son exposition d'été 2024 à Pierre Bonnard (1847-1947) et à l'influence de l'art du Japon sur ce dernier. Il s'agit de la première exposition sur le sujet, qui permettra de montrer comment Bonnard a intégré dans son traitement de l'espace, du temps, du mouvement et de la narration l'esthétique de chefs-d'oeuvre de l'art nippon. De nombreuses estampes japonaises seront exposées en regard des peintures, dessins et estampes du peintre français afin d'illustrer les affinités formelles et l'importance de cette source d'inspiration pour l'artiste. Pour celui que l'on surnomera le "nabi japonard", le Japon met Bonnard sur la voie de la couleur, de la lumière, de l'instantané et de l'expression des sentiments éphémères.

« Une peinture n'est pas la repre sentation d'une expe rience. C'est l'expe rience me me. »
Mark Rothko

Mark Rothko, apre s son installation aux E tats-Unis, commence a peindre au de but des anne es 1930. Si ses oeuvres figuratives du de but sont marque es par l'influence de la mythologie antique et du surre alisme, il s'oriente de s les anne es 1940 vers une esthe tique abstraite avec sa se rie des Multiformes, puis celle des Classiques et des Black and Grays.
Ses couleurs sature es aux formes flottantes et expansives invitent a une expe rience sensible, tactile, laissant au spectateur sa part de cre ation dans l'oeuvre. Cette vision du peintre aspire a un langage universel s'adressant a tous, loin de l'intellectualisation et des processus techniques de re alisation.
Derrie re un apparent myste re et un caracte re insaisissable empreints de spiritualite , ses toiles convient par leur impact e motionnel a interroger l'horizon de nos origines, de notre destine e, de notre existentialite .
« Les oeuvres de Rothko sont des tableaux vivants ! C'est un art habite par l'observateur, anime et constamment revivifie par des vivants. » (Christopher Rothko) Lire la suite Fermer

Le 31 mai 2023, Ellsworth Kelly (1923-2015) aurait eu 100 ans. A partir de l'observation de son environnement direct, il a redéfini l'abstraction dans la seconde moitié du XXe siècle, conduisant ses formes épurées, aux couleurs souvent éclatantes, au-delà des attendus de la peinture et de la sculpture.

Près de dix ans après sa disparition, ses oeuvres exercent toujours la même fascination, par leur intensité et leur équilibre, la qualité de leurs adresses visuelles, les espaces qu'elles créent, leur sensualité paradoxale exprimée dans la rigueur. La Fondation Louis Vuitton a la chance de témoigner quotidiennement de cela grâce à la présence dans son auditorium d'une installation pérenne, une des toutes dernières réalisations de l'artiste.

Cet ouvrage offre une introduction et un panorama de son oeuvre, à l'image de l'exposition qu'il accompagne et qui se tient à la Fondation Louis Vuitton du 7 mai 2024 au 9 septembre 2024. Première exposition en France à aborder son oeuvre avec un spectre chronologique aussi large, elle est composée de plus de centaine d'oeuvres, peintures, dessins photographies et collages. Comme elle, ce livre permet d'appréhender pleinement le travail accompli par l'artiste. Ses travaux sont reproduits ici accompagnées d'études de familiers de son oeuvre (Jean-Pierre Criqui, Suzanne Hudson) ou d'apports sur des aspects moins connus (Corey Keller sur la photographie, Alex da Corte sur la liberté se son oeuvre, Sarah Rogers sur sa réception au Moyen-Orient). Il comporte aussi une chronologie richement illustrée. Peter Eeleey y revient notamment sur le séjour décisif de Kelly en France dans l'immédiate après-guerre, son apport à la scène américaine au tournant des années 1950 et 1960. Et plus en aval, il suit le développement et les ramifications complexes d'une oeuvre abordant toutes les échelles de la perception, du trait sur une feuille, à l'intervention dans l'espace architectural. Lire la suite Fermer

Lorsqu'en 1914, Amedeo Modigliani rencontre le marchand Paul Guillaume, au coeur d'un Paris cosmopolite, il est à un moment charnière de sa carrière. Il abandonne la sculpture pour se consacrer exclusivement à la peinture. Cet ouvrage se propose d'explorer les liens entre les deux hommes dans le contexte artistique et littéraire parisien des années 1910, leur amour commun pour les arts africains, ainsi que le rôle déterminant de Paul Guillaume dans la diffusion de l'oeuvre de Modigliani sur le marché de l'art en France et aux États-Unis au lendemain de la mort de l'artiste.

Une exposition au Musée d'Art Moderne de Paris, du vendredi 22 mars 2024 au dimanche 18 août 2024.
Le Musée d'Art Moderne propose une exposition rétrospective de l'oeuvre de Jean Hélion (1904 - 1987), peintre et intellectuel dont l'oeuvre traverse le XXe siècle. Organisée de manière chronologique, l'exposition rassemble plus de 150 oeuvres provenant de grandes institutions françaises et internationales ainsi que de nombreuses collections privées. Jean Hélion, La prose du monde est une exposition incontournable pour les amateurs d'art abstrait et de peinture.

Ce livre brosse le portrait fascinant d'une femme libre et engagée. Photojournaliste, correspondante de guerre, artiste surréaliste, Lee Miller a été l'une des femmes photographes les plus importantes du XXe siècle. Initiée à la photographie dès son plus jeune âge, elle a perfectionné son art à Paris, où elle a fréquenté des artistes d'avant-garde comme Jean Cocteau, Picasso et Man Ray avec qui elle a longuement collaboré. Après avoir ouvert son propre studio de photographie à New York, faisant d'elle une photographe reconnue, elle se rend au Moyen-Orient et en Europe avant d'y devenir reporter de guerre. Expérience bouleversante qui la marqua profondément, c'est aussi au cours de cette période qu'elle prit nombre de ses photos les plus emblématiques.

Artiste et muse des surréalistes, Lee Miller s'est formée aux côtés de Man Ray et, ensemble, ils ont mis au point la technique de la solarisation. Elle travaille en tant que photographe de mode et portraitiste à Paris, New York ou encore Londres. En 1942, fait rare pour une femme, elle parvient à se faire accréditer par l'armée américaine et capture des images du Blitz à Londres, où elle a pris la tête du service photo du Vogue britannique.
Durant l'été 1944, elle devient l'une des cinq photoreporters femmes connues lors de la Seconde Guerre mondiale. Ses photos et ses articles sont publiés dans le magazine Vogue, éditions américaine et britannique.
Débarquée le 12 août 1944 à Omaha Beach, le 13, elle arrive à Saint-Malo pour réaliser un reportage sur le service des Affaires civiles, la ville est alors assiégée. C'est ainsi qu'elle devient la seule correspondante de guerre en Europe sur le front. Munie de son Rolleiflex, elle va partout où elle le peut, parle aux habitants et sert d'interprète (elle a vécu plusieurs années en France avant-guerre) ; elle suit la progression des troupes et enregistre des photos capitales - notamment le bombardement au napalm de la cité d'Aleth, images que le Vogue britannique choisit de ne pas montrer, puis de la libération de la ville. En cinq jours environ, Lee prend environ 300 clichés de Saint-Malo, mais aussi de Cancale, Dinard, Dinan et Rennes, et rédige des textes qui accompagnent son reportage, constituant ainsi un témoignage exceptionnel. Lire la suite Fermer

Vers la fin de sa longue vie de création, Lucio Fontana (1899-1968) affirma non sans satisfaction : «Il y a quarante ans, on pouvait parler de futur. Comme alors, aujourd'hui non plus nous ne pouvons pas dire ce que sera le futur ; cependant, au cours de mes quarante ans d'activité et de ce que je vois dans le monde de l'art, il y a bien eu un futur.» Par cette expression ambiguë, l'artiste faisait allusion au renouvellement conceptuel de l'art auquel il avait cru fortement, qu'il avait anticipé dans son oeuvre et qui s'était effectivement produit dans l'art des protagonistes des dernières générations. À travers ce prisme, ce catalogue propose un voyage dans l'ensemble de l'oeuvre de Fontana, avant et après la Guerre, en Argentine et en Italie, et surtout une évocation de la variété de sa création : peintures, papiers, sculptures, céramiques et installations d'ambiance, lumineuses et spatiales. Le lecteur découvrira, au-delà des Concetti spaziali («concepts spatiaux»), des Attese («attentes») et des Buchi («trous»), un artiste figuratif et informel, un homme classique et futuriste... Un personnage à clefs en somme. Textes de Silvia Bignami, Luca Bochicchio, Paolo Campiglio, Valérie Da Costa, Benoît Decron, Jacopo Galimberti, Alfred Pacquement, Daniela Sbaraglia et Giorgio Zanchetti. Lire la suite Fermer

À l'occasion de la célébration des 50 ans de la mort de Pablo Picasso, l'exposition « Picasso, 2023 dessins », organisée par le Centre Pompidou, mettra en lumière la part la plus foisonnante de sa création à travers la présentation de plus de 2000 dessins et gravures.
Depuis les études de jeunesse jusqu'aux oeuvres ultimes, le dessin est le lieu, pour Picasso, d'une invention toujours renouvelée autour des puissances du trait, allant de la ligne serpentine au dessin hachuré et aux compositions proliférantes, des nuances délicates du pastel aux noirs profonds de l'encre. Cette traversée de l'oeuvre graphique, sorte de journal intime tenu compulsivement, dont les carnets sont les exemples les plus précieux, offrira une immersion au coeur du travail du dessinateur.
L'exposition mettra en avant l'extraordinaire collection du Musée national Picasso-Paris, issue des ateliers de l'artiste et conservée par lui jusqu'à sa mort. Le parcours proposé, non linéaire, bousculant la stricte chronologie, permettra de créer des échos entre différentes périodes, et mettra en regard des chefs-d'oeuvre reconnus et des dessins présentés pour la première fois. Lire la suite Fermer