Lorsqu'en 1914, Amedeo Modigliani rencontre le marchand Paul Guillaume, au coeur d'un Paris cosmopolite, il est à un moment charnière de sa carrière. Il abandonne la sculpture pour se consacrer exclusivement à la peinture. Cet ouvrage se propose d'explorer les liens entre les deux hommes dans le contexte artistique et littéraire parisien des années 1910, leur amour commun pour les arts africains, ainsi que le rôle déterminant de Paul Guillaume dans la diffusion de l'oeuvre de Modigliani sur le marché de l'art en France et aux États-Unis au lendemain de la mort de l'artiste.

Ce livre présente la richesse, la diversité et la force de l'oeuvre de l'artiste de street art le plus connu au monde... et pourtant dont personne ne connait l'identité. Il permet de suivre l'évolution de Banksy aux États-unis, en France, en Palestine, au Royaume-Uni ou encore en Ukraine, à travers plus d'une centaine d'oeuvres emblématiques, légendées et remises dans leur contexte.
C'est le catalogue raisonné original du musée Banksy où toutes ces oeuvres sont reproduites dans un contexte urbain, permettant au grand public de les découvrir de manière réaliste et d'en saisir la force, y compris celles qui n'existent plus, qui ont été volées ou dégradées.
Une plongée immersive dans le monde de Banksy, incluant les oeuvres les plus récentes réalisées en Ukraine. Lire la suite Fermer

À l'occasion de la célébration des 50 ans de la mort de Pablo Picasso, l'exposition « Picasso, 2023 dessins », organisée par le Centre Pompidou, mettra en lumière la part la plus foisonnante de sa création à travers la présentation de plus de 2000 dessins et gravures.
Depuis les études de jeunesse jusqu'aux oeuvres ultimes, le dessin est le lieu, pour Picasso, d'une invention toujours renouvelée autour des puissances du trait, allant de la ligne serpentine au dessin hachuré et aux compositions proliférantes, des nuances délicates du pastel aux noirs profonds de l'encre. Cette traversée de l'oeuvre graphique, sorte de journal intime tenu compulsivement, dont les carnets sont les exemples les plus précieux, offrira une immersion au coeur du travail du dessinateur.
L'exposition mettra en avant l'extraordinaire collection du Musée national Picasso-Paris, issue des ateliers de l'artiste et conservée par lui jusqu'à sa mort. Le parcours proposé, non linéaire, bousculant la stricte chronologie, permettra de créer des échos entre différentes périodes, et mettra en regard des chefs-d'oeuvre reconnus et des dessins présentés pour la première fois. Lire la suite Fermer

Ce livre brosse le portrait fascinant d'une femme libre et engagée. Photojournaliste, correspondante de guerre, artiste surréaliste, Lee Miller a été l'une des femmes photographes les plus importantes du XXe siècle. Initiée à la photographie dès son plus jeune âge, elle a perfectionné son art à Paris, où elle a fréquenté des artistes d'avant-garde comme Jean Cocteau, Picasso et Man Ray avec qui elle a longuement collaboré. Après avoir ouvert son propre studio de photographie à New York, faisant d'elle une photographe reconnue, elle se rend au Moyen-Orient et en Europe avant d'y devenir reporter de guerre. Expérience bouleversante qui la marqua profondément, c'est aussi au cours de cette période qu'elle prit nombre de ses photos les plus emblématiques.

Une exploration de l'amitié entre G. Stein et P. Picasso, qui s'est cristallisée autour de leurs approches respectives du cubisme. Des parallèles entre les textes de la poétesse et les toiles du peintre rendent compte des similitudes entre leurs créations littéraires et picturales. L'héritage esthétique de l'écrivaine auprès des artistes contemporains américains est également abordé.

Textes de Natalie Adamson, Hermann Arnhold, Éric de Chassey, Benoît Decron, Pierre Encrevé, Amandine Meunier, Camille Morando, Alfred Pacquement

Gallimard/Fondation Louis Vuitton

Le catalogue de la première exposition rétrospective d'Agnès Varda.

De ses liens avec l'histoire de l'art à sa dimension sociale et politique, Viva Varda ! parcourt les grands thèmes de l'oeuvre polymorphe d'Agnès Varda (1928-2019). La photographe, cinéaste et artiste a déployé sur soixante-dix ans une oeuvre personnelle et fondamentalement ancrée dans le temps. Sa filmographie compte plus de quarante courts et longs-métrages naviguant entre fiction et documentaire, dont les incontournables Cléo de 5 à 7 (1962), Sans toit ni loi (1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (2000) et Visages Villages (2017). Précurseuse de la Nouvelle Vague, elle est l'une des rares femmes de sa génération à avoir fait carrière en tant que réalisatrice. Globe-trotteuse et artiste de conviction, Varda témoigne aussi d'une grande attention au monde et aux bouleversements sociaux. Son oeuvre, traversée par les thèmes du féminisme et de la marginalité, demeure d'une très grande actualité. Ce livre, sous la direction de Florence Tissot, accompagne la première exposition rétrospective d'Agnès Varda, conçue par la Cinémathèque française. Il regroupe des textes de spécialistes français et anglo-saxons, ainsi qu'une filmographie commentée par de nombreuses personnalités. Préfacé par Costa-Gavras, il est illustré de plus de 300 documents (archives, images de films, oeuvres d'art, photographies, etc.), dont de nombreux inédits, provenant en grande partie des archives personnelles d'Agnès Varda conservées à Ciné-Tamaris, la société familiale qu'elle a créée, gérée par Rosalie Varda et Mathieu Demy. Lire la suite Fermer

Nouvelle édition revue et augmentée d'un titre phare de la collection Photo Poche : 23 500 exemplaires vendus. Une réédition enrichie de 10 nouvelles photographies.
Reconnue du grand public depuis les années 2000, l'oeuvre de Saul Leiter, ce photographe américain a atteint un renommée mondiale ; peintre talentueux, contemporain de Robert Frank, ami d'Eugene Smith, il s'inscrivit avec passion dans le fameux mouvement de la "street photography" new yorkaise des années 50, en le parant des attraits de la couleur.
Un exposition monographique sera présentée aux Rencontres d'Arles.

Publié pour la première fois en 1994 et régulièrement réédité et enrichi depuis, «Des histoires vraies» revient cette année pour la huitième fois augmenté de trois récits inédits. Sophie Calle continue à nous raconter ses histoires, dans un langage précis et sobre, avec le souci du mot juste. Tantôt légères et drôles, tantôt sérieuses, dramatiques ou cruelles, ces histoires vraies, toutes accompagnées d'une image, livrent dans un work in progress les fragments d'une vie.

Cet ouvrage, présenté comme un grand album luxueux, regroupe les projets que JR a réalisé à Paris. Disparition de la pyramide du Louvre, excavation de la même pyramide, intervention au Panthéon, à l'Opéra ou sur les quais de l'île saint-Louis, ses oeuvres, réalisées avec l'aide collaborative du public, ont marqué le paysage et les esprits des Parisiens et du monde entier.

Marc Chagall (1887-1985), au fil d'une vie traversée par deux guerres et un exil, est à l'origine d'une oeuvre puissamment ancrée dans l'histoire du XX? siècle. Figure emblématique du déplacement et de la migration, l'artiste sillonne le monde au gré des tourments du siècle, de l'Empire russe à la France, de l'Allemagne à la Palestine, des États-Unis au Mexique et, enfin, en Méditerranée. Son art, empreint d'un profond humanisme et d'une forte conscience politique nourris par ses racines juives et par la pluralité des cultures découvertes, se fait le messager d'un engagement sans faille pour l'homme et ses droits, pour l'égalité et la tolérance entre les êtres. Porté par un grand cri de liberté, il confronte l'oeil aux guerres et aux combats artistiques, transcendés par la force poétique et l'imaginaire, le pouvoir de la dérision et de l'humour. Crayon et pinceau deviennent ainsi des armes de paix, révélant l'idéalisme sans condition du «peintre témoin de son temps», sa foi inébranlable en l'harmonie et la paix universelle entre les hommes. Lire la suite Fermer

Alberto Giacometti (1901-1966), artiste emblématique du XXe siècle, fréquente, dans le contexte de l'après-guerre et jusqu'à la fin de sa vie, différents cercles artistiques, des photographes, des écrivains et des philosophes, échangeant avec toute une nouvelle génération d'intellectuels, du surréalisme finissant à l'engagement existentialiste naissant. Ouvert sur son époque, sociable, actif et créatif dans la diffusion de son oeuvre, il est ainsi regardé par ses contemporains et admiré pour sa sculpture et sa peinture, d'une figuration expressive, qui semblent rendre compte d'un monde meurtri, en reconstruction mais aussi en plein questionnement.

Mêlant sculptures, peintures, gravures, photographies et documents d'archives, cet ouvrage invite à une plongée dans ces années essentielles pour la compréhension des mutations artistiques et intellectuelles de l'après-guerre. Giacometti y apparaît comme un homme pleinement de son temps. Lire la suite Fermer

Tout à la fois figure mythique de la culture contemporaine et outsider de l'industrie cinématographique, David Lynch ne cesse d'acculer le spectateur dans ses retranchements. Réalisateur multi-récompensé, son oeuvre entre en résonnance avec le subconscient, les désirs et les peurs les plus enfouies de chacun. Décrié par certains, adulé par d'autres, le travail de ce cinéaste hors-normes ne laisse personne indifférent. Son style novateur et surréaliste a même engendré un nouvel adjectif : « lynchien ». Depuis plus de quarante-cinq ans, le travail de Lynch fascine, déconcerte et provoque les téléspectateurs. De ses courts-métrages expérimentaux des années 1960 à ses longs-métrages comme Eraserhead, Elephant Man, Blue Velvet ou encore Mulholland Drive ? sans oublier la cultissime série Twin Peaks ? David Lynch a repoussé les limites de la narration. Riche en illustrations, cet ouvrage est autant un portrait de ce « tsar du bizarre » qu'une rétrospective de son travail où film noir, road movie, histoires d'amour, étrangetés et mystères se conjuguent pour donner naissance à des oeuvres uniques et inoubliables. Ponctué d'interviews et d'analyses de sa carrière, ce recueil permet de lever le voile, autant que faire se peut, sur l'une des énigmes du cinéma mondial. Ian Nathan est un spécialiste du cinéma. Ancien rédacteur-en-chef du magazine Empire, il contribue régulièrement aux Cahiers du Cinéma, The Times ou encore The Independant. Il est également l'auteur de Alien : genèse d'un mythe, Guillermo del Toro : Enchanteur du cinéma et Tim Burton : itinéraire d'un enfant particulier, tous disponibles aux éditions Huginn&Muninn. Lire la suite Fermer

Le "Purgatoire" succède au premier volume de "La Divine Comédie" illustrée par Barcelo et dédié à l'"Enfer" (1 400 ex. vendus), paru l'année dernière à l'occasion de la célébration des 700 ans de la mort de Dante Aligheri (1265-1321). Barceló est l'un des artistes les plus importants de notre époque, fervent lecteur des grands classiques de la littérature ; sa grammaire visuelle singulière et la nouvelle traduction - amplement louée - de "La Divine Comédie" par Danièle Robert (Actes Sud) dialoguent de manière exceptionnelle.

« Une de mes plus tenaces ambitions d'éditeur avait été de publier les Fables de La Fontaine dignement illustrées. C'est au peintre russe Marc Chagall que je demandai l'illustration du livre. On ne comprit pas ce choix d'un peintre russe pour interpréter le plus français de nos poètes. Or c'est précisément en raison des sources orientales du fabuliste, que j'avais songé à un artiste à qui ses origines et sa culture rendaient familier ce prestigieux Orient. Mes espérances ne furent pas déçues : Chagall fit une centaine de gouaches éblouissantes ».
Ambroise Vollard, Souvenirs d'un marchand de tableaux, Paris, 1937 Ainsi se souvient Ambroise Vollard, le célèbre marchand d'art qui, en 1926, confie à Marc Chagall ce projet.

L'artiste réalise une centaine de gouaches en couleurs pour préparer le travail de gravure en noir et blanc, s'inspirant de sa culture russe et de la richesse des paysages français. Bien plus qu'un projet éditorial, cette commande est pour Marc Chagall un passeport vers la France, qui l'inscrit dans les pas des artistes et des écrivains français.

Cet ouvrage célèbre ce dialogue entre deux artistes exceptionnels, La Fontaine, styliste éblouissant et moraliste de la nature humaine, et Marc Chagall, qui livre sa vision onirique et personnelle des Fables, nourrie par les paysages enneigés de Vitebsk et par un animisme hérité des traditions hassidiques d'Europe de l'Est, ponctuée des couleurs et des atmosphères de la Bretagne, de l'Auvergne et du Midi de la France.

À travers une soixantaine de gouaches, accompagnées pour la première fois de leurs gravures, cet ouvrage grand format doté d'un jaspage rend hommage à cette rencontre originale. Il est complété d'une introduction qui relate la genèse et le sens de ce dialogue artistique.

Ouvrage réalisé avec l'aimable collaboration de l'association des amis de Marc Chagall : marcchagall.com Lire la suite Fermer

Tour à tour décrite comme artiste conceptuelle, photographe, vidéaste et même détective, Sophie Calle a développé une pratique immédiatement reconnaissable, alliant le texte à la photographie pour nourrir une narration qui lui est propre. Elle fait désormais partie des plus grandes artistes du XXIe siècle.

Pures, abstraites, géométriques ou graphiques, Yves Saint Laurent a inventé une multitude de nouvelles silhouettes en transgressant les formes traditionnelles de la mode.À travers 40 ans de couture, l'ouvrage Yves Saint Laurent, L'Art de la forme et ses trois chapitres - «Minimalisme», «Couleurs», «Noir et Blanc» - explorent la modernité du couturier et ses interrogations sur l'origine de la forme, en proposant des parallèles avec l'histoire de l'art du XXesup ; siècle.

Membre de l'agence Magnum, le photographe Harry Gruyaert est un des chefs de file de la photographie en couleur. Il a contribué à imposer les valeurs chromatiques, leur spécificité et leur maîtrise, comme substances de l'écriture et de l'acte photographique contemporains ; explorant toutes les potentialités de la "matière couleur", il offre des photographies couleurs remarquables, encore rehaussées par sa maîtrise du cadrage et de la composition, qui rendent magnétiques les lieux qu'il photographie.
Nouvelle édition entièrement remaniée jusqu'à ses derniers travaux photographiques.

Dans ce livre, Anne de Staël, fille aînée du peintre, rassemble ses souvenirs d'enfant augmentés d'une réflexion originale sur le rapport du dessin au tableau.

Les moments de vie évoqués étaient toujours mêlés à l'urgence et à l'intensité de l'expression picturale. Il ne s'agit donc pas ici d'une analyse d'historienne de l'art, mais du regard d'une enfant qui a grandi auprès de cette peinture et qui, devenue adulte, a cherché à dénouer le mystère de la création dont elle a été en partie témoin.
Jusqu'ici, le lien entre le trait du dessin - encre de Chine, fusain, mine de plomb - et la densité de la couleur n'avait jamais été aussi clairement établi.

Dans une langue toujours poétique, l'auteur a voulu montrer comment le travail du dessin dans l'oeuvre de Nicolas de Staël sous-tend la couleur. Le peintre est en effet l'un des plus grands coloristes de la peinture du XXe siècle, et nous découvrons ici l'importance de son travail de dessinateur. L'entrelacement des noirs et des blancs a aussi permis d'exalter la lumière au coeur du pigment. Devant un tableau, Anne de Staël fait surgir ses souvenirs, conséquence de l'émotion esthétique reçue. L'ouvrage est richement illustré, et la fille de l'artiste nous livre un texte à la fois poétique et personnel enrichi de lettres et d'écrits du peintre, nous permettant de redécouvrir l'ensemble de l'oeuvre de Nicolas de Staël. Lire la suite Fermer

L'histoire de la lecture féminine se reflète dans la peinture et la photographie. Les artistes de toutes les époques ont représenté des femmes en train de lire. Pourtant, il aura fallu des siècles avant qu'il soit accordé aux femmes de lire à leur guise. Ce qui leur incombait d'abord, c'était de broder, de prier, de s'occuper des enfants et de cuisiner. Dès l'instant où elles envisagent la lecture comme une possibilité de troquer l'étroitesse du monde domestique contre l'espace illimité de la pensée, de l'imagination, mais aussi du savoir, les femmes deviennent dangereuses. En lisant, elles s'approprient des connaissances et des expériences auxquelles la société ne les avait pas prédestinées. C'est ce chapitre captivant de l'histoire de la lecture féminine que Laure Adler et Stefan Bollmann explorent, avec un soin particulier du détail. Le fil de l'analyse conduit du Moyen Âge au temps présent, en s'attachant plus spécialement à certaines oeuvres de Rembrandt, Vermeer, mais aussi Manet, Matisse ou Hopper, jusqu'à la fameuse photographie d'Eve Arnold montrant Marilyn Monroe en train de lire Ulysse de James Joyce. De courts textes de commentaire accompagnent ce choix de peintures, de dessins et de photographies. Lire la suite Fermer

Connu pour sa peinture et ses installations monumentales, Anselm Kiefer est né en 1945, quelques mois avant la fin de la Seconde Guerre mondiale. Célébrées sur la scène internationale, ses oeuvres, nourries par les mythes et la littérature, sont marquées par une interrogation constante sur l'histoire et la présence du mal en action dans le monde.
Alors que l'artiste clame penser en images et affirme photographier constamment, sa production photographique, qui irrigue toute son activité plastique, reste largement inédite.
C'est cette composante essentielle de son travail, encore méconnue, que ce livre révèle.

Surtout connue pour ses travaux en architecture, en urbanisme et en design de mobilier, Charlotte Perriand a pourtant développé, au cours de son oeuvre, une « parenthèse photographique » durant l'entre-deux-guerres. Pratiquée à titre personnel et dans le cadre de ses recherches, la photographie de Charlotte Perriand s'avère prolixe : clichés documentaires, photos brutes, photomontages militants ancrés dans les luttes politiques et sociales de son époque.
Aborder son oeuvre du point de vue de la photographie revisite l'histoire du médium en soi : Charlotte Perriand est de ces « non-photographes » qui annoncent l'avènement de l'image comme langage hégémonique et transversal de communication. Pionnière de la modernité, la photographie est pour Charlotte Perriand une machine à créer, à communiquer, économique, rapide, capable de traduire le regard de « l'homme nouveau », d'appréhender le monde et de l'exprimer ; pour elle, c'est une machine à révéler, à noter et à émouvoir. Lire la suite Fermer

Surréaliste, Claude Cahun excelle dans l'autoportrait et le photomontage. Elle y traduit son goût pour le symbolisme et une forme th éâtralisée de la vie. Son autobiographie par l'image fait une large place à l'identité de genre : elle préfère l'indéfinition. « Toute création est création de soi », dit-elle, rebelle à toute identification et considérant que « les étiquettes sont méprisables ».